viernes, 26 de diciembre de 2014

JOE COCKER: With A little Help From Our Friend:

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El pasado día 22 de Diciembre nos devastó la fatídica noticia del fallecimiento del gran Joe Cocker a los setenta años a manos de un cáncer de pulmón. El solista, cuya voz era pareja a la de grandes "soulmans" negros en los sesenta fue conocido principalmente por versionar a grandes clásicos del rock - "Unchain My Heart" de Ray Charles, "The Letter" de Box Tops, "You Can Leave Your Hat On" de Randy Newman",.... - dándoles una nueva capa a base de ponerles toda su alma  o lo que es lo mismo, reinventándolas del todo con su marca de la casa. El caso por antonomasia, o la que es su interpretación mas famosa, es el "With A little Help From My Friends" de los Beatles, cuya original viene cantada por la voz nasal (y mucho menos dotada) de Ringo Starr e incluida en el seminal "Sgt. Peppers"  (1967) en medio del "Across The Universe" .
Para la nueva versión Joe añadió coros, una poderosa guitarra y a la fin una mayor grandiloqüencia,  sirviéndole para titular su disco de debut de 1969, presentarse ante el hippismo ante todo un Festival de Woodstock e identificar una maravillosa serie de televisión - "aquellos maravillosos años" - que en los ochenta marcó a toda una generación.


Una buena canción para recordar y homenajear a este maravilloso cantante que siempre quedará en nuestros recuerdos. Descansa en paz Big Man.


Shefield (UK) 22 de Mayo de 1944 - Crawford (USA) 22 de Diciembre de 2014

sábado, 6 de diciembre de 2014

GRANDES DISCOS: Histoire de Melody Nelson (1971) por SERGE GAINSBURG:




Su imagen siempre va asociada a un cigarro, ojeras incipientes, un pelo enmarañado y una barba de dos días. Un aspecto que encajaba en el personaje de polifacético bohemio parisino con vida  digna de ser novelada.  Lo cierto es que la familia Gainsburg era de origen judío y había emigrado de Rusia  hacia la capital francesa huyendo de la guerra de los bolcheviques para luego caer en la hostilidad de la ocupación nazi. Al parecer en su infancia Serge tuvo que llevar por la calle el brazalete de la estrella de David . Ya de mayor, su verdadera vocación fue la de ser pintor, finalmente se decantó por el piano siguiendo los pasos de su padre y persiguiendo el jazz inconformista de su ídolo Boris Vian. Tras vagar por distintos oficios se afincó como músico de cabaret hasta que su inquietud artística le arrastró a publicar su propio material, el cual, hace falta decirlo, tuvo escasa repercusión y en cambio no le faltaron las críticas voraces.


Entrados en los sesenta y en la época ye-ye, atento a las nuevas formas empezó a componer para estrellas pop emergentes como Petula Clark, Francoise Hardy o una  cándida jovencita de 16 años llamada Frances Gall. Esta última escogió su canción “Poupée de cire, poupée de son” con la que obtuvo el primer puesto de eurovisión de 1965 con Luxemburgo saltando a la fama y arrastrando hacia ella a nuestro protagonista.

La comodidad del éxito favoreció su libertad creativa, le acercó al cine y ayudó al ascenso musical de la exuberante modelo y actriz (y amante suya) Brigitte Bardot para la que escribió la controvertida  y censurada “Je t´aime … moi non plus” o lo que es lo mismo: los jadeos orgásmicos femeninos más famosos del pop. Aunque realmente esta canción saltó a la fama cantada por su futura mujer, la bella actriz británica Jane Birkin. Con esta última, 18 años más joven que él, no sólo mantuvo un intenso y seguido affaire que culminó en matrimonio y una hija (la cantautora Charlotte Gainsburg) sino que compartió sus obras cumbres “Jane Birkin-Serge Gainsbourg” (1969) y  este “Histoire de Melody Nelson”, obra cumbre en su carrera.


Con los bolsillos llenos por su éxito comercial, Serge decidió tomarse un año sabático en 1970. Fue entonces cuando ideó y compuso este álbum conceptual, tan en auge en esos tiempos (The Who, Yes, Kinks, Bowie,...)  en el que narraría una historia pseudobiográfica  de un encuentro accidental entre un hombre maduro (el propio Serge) y una adolescente, Melody Nelson (interpretada por Birkin).  Con esta historia Serge quiso hacer realidad una idea que  albergaba en su mente desde hacía años: hacer un musical de "Lolita" de Naboikov, algo que encajaba con su espíritu provocador, lascivo  y transgresor.

Con la inestimable ayuda de Jean Claude Vannier en la producción y composición, el disco adoptó una compleja mezcla orquestal con grandes arreglos instrumentales y muchos elementos funkys, y en la que el bajo tomaba el protagonismo sobre el que se apoyaban unas voces que recitaban a la vez que susurraban.

La historia de "Melodie Nelson" arranca cuando el hombre maduro feo y adinerado conduce su Rolls Royce por un barrio humilde, absorto en sus pensamientos cuando tiene una colisión con una inglesa pelirroja de 15 años a que va en bici. En ese momento ambos conectan sexualmente, lo que culminan en un hotel particular (con espejo en el techo) en el que el hombre le enseña las artes amatorias mientras se convierte en su musa y obra de arte . Después Melody toma un avión para regresar a su Inglaterra pero el avión desaparece en la selva de Nueva Guinea, lo que causa mucha desesperación y delirios a su amante. 

La inicial "Melody" presenta unas guitarras y violines entrecruzados mientras da paso a la breve y sensual “Ballade De Melody Nelson” en la que la lolita da acto de presencia ante los deseos del adulto. Más breves son las que la siguen, la narcótica "Valse de Melody" y "Ah! Melody" con su amable trompeta. El clímax de esta ópera lo encontramos en la exuberante "L' hotel particulier", en dónde se narra el encuentro carnal y espiritual a través de apasionados diálogos instrumentales. La sigue "En Melody" alocada y desenfadada  contiene chillidos y risas de Jean como si le hicieran cosquillas bajo una voraz guitarra eléctrica. Es el preludio del fatal desenlace consumado en "Cargo Culte" en la que los tristes murmullos de Serge parecen desvanecerse entre el humo de su cigarro y la soledad, y en la que aparecen unos coros celestiales que parecen abrir las puertas del cielo al oyente.  



Este es el relato de un obsesivo disco lleno de calidez y sugerencia, a la vez que de oscuridad y de gran contenido  sexual, de una historia que desprende altas dosis de lujuria dulce y prohibida. Una obra hecha por y para su creador, un delirante personaje que marcó una época ejerciendo de elegante provocador del rock europeo.

Por Alejandro Guimerà

Publicada en http://www.eldestiladorcultural.es/musica/pop/viniloteca-s-xx-serge-gainsbourg-histoire-de-melody-nelson/

BALLADE DE MELODY NELSON
Ca c'est l'histoire
De Melody Nelson
Qu' part moi-mme personne
N'a jamais pris dans ses bras
Ca vous tonne
Mais c'est comme a
Elle avait de l'amour
Pauvre Melody Nelson
Ouais, elle en avait des tonnes
Mais ses jours taient compts
Quatorze automnes
Et quinze ts
Un petit animal
Que cette Melody Nelson
Une adorable garonne
Et si dlicieuse enfant
Que je n'ai con-
Nue qu'un instant.
Oh! Ma Melody
Ma Melody Nelson
Aimable petite conne
Tu tais la condition
Sine qua non
De ma raison

sábado, 29 de noviembre de 2014

DISCOS DE 2014: WEEZER - Everything Will Be Alright In The End:



Digan lo que digan, que Weezer publique un nuevo trabajo es una gran noticia. Cierto es que entre lo estrenado quizás no encontraremos el temazo definitivo ni nos van a aportar nada que no conociéramos ya de ellos, pero no podemos decir otra cosa que no sea que nos encanta que los norteamericanos estén de actualidad con su mejor power-pop vacío de pretenciosidad. Pues en este “ Everything Hill Be Alright In The End” se acercan a sus mejores días y superan los fallidos experimentos de “Raditude” (2009) y “Hurley” (2010). Buena señal es que lo hayan cocido con la calma de cuatro años y que hayan rescatado a quien no deberían haber perdido nunca, su productor Ric Oasek. El ex líder de The Cars ha estado en la mesa de mezclas en los mejores momentos de los de Rivers Cuomo (Green y Blue Album) y es sin duda una de las claves del sonido Weezer.

Además, el flamante larga duración ha contado con curiosas y efectivas colaboraciones como la de su “fan” Bethany Cosentino (Best Coast) y la de un venido a menos Justin Hawkins (The Darkness).


Del nuevo paquete cabe destacar “Eulogy For A Rock Band” en la que reflexionan sobre el paso del tiempo de las bandas de rock, y con la que recuperan su acierto de los noventa a base de energía, luminosidad, y estribillos bien redondeados. A la par le van "British Are Coming", lo más pop que encontramos y que incluye unos coros que se lanzan hacia la épica. Interesantes son también “Ain’ t Got Nobody” y "Lonely Girl", que podrían haber sido descartes de las sesiones del álbum azul. Ni que decir de la memorable “Cleopatra”, que tiene de todo: potencia, dulzura, desamor y flujos guitarreros envolventes.

                                         


Significativa es la letra de "Back To The Shack", ya que se ha interpretado como una disculpa por los flojos discos precedentes, algo que les honraría por aquello que rectificar es de sabios. Mientras que en "Foolish Father" Cuomo exhibe sus temores de ser padre. Y es que estos tipos ya hace tiempo que dejaron de ser los adolescentes "nerds" que nos tenían acostumbrados para pasar a ser padres de familia, y eso se cala en unas letras que, eso sí, mantienen la misma emoción juvenil de antaño.

No está mal tampoco “I’ve Had It Up To Here” que desprende los aromas del glam rock “made in Darkness”, por algo el tema está compuesto a dos manos por el propio Justin Hawkins y Cuomo.
En definitiva, un regreso con todas las de la ley, del que soñamos que además venga aparejado con una gira de promoción por nuestro país. Quién sabe, los Festivales de primavera y verano tienen aún todo (o casi) el cartel para desvelar.


Por Alejandro Guimerà.

viernes, 21 de noviembre de 2014

JOHN MAYALL en el festival Mil•leni (L' Auditori, Barcelona) 18/11/14:


Teníamos muy reciente su  paso por el  Black Music Festival y por el BBK, con llenos absolutos y buenas críticas. La fortuna (y los responsables de "Banc de Sabadell Festival Mil·leni"), pero,  quiso que en pocos meses este legendario hombre volviera por nuestras tierras en su gira de conmemoración de su 80 aniversario.
En una Sala 1 del Auditori llena de canas y madurez ávida de blues,  el "Padrino del Blues Inglés"  dio muestra de la puntualidad británica arrancando la sesión a las 9 clavadas. Le acompañaban los que él considera "la mejor banda con la que he tocado jamás", Rocky Athas a la guitarra, Greg Rzab al bajo y Jay Davenport a la batería, rodados músicos surgidos de la órbita de  Stevie Ray Vaughan.

                                   
Con el octogenario ejerciendo de maestro de ceremonias en el centro del escenario y a manos de un teclado Roland, y sin faltar su cabello plateado e inseparable coleta, se le vio en muy buen tono a lo largo de la hora y media en la que  nos deleitó con su música y nos contagió de su amor por el blues.
Un amor que se vistió de unos solos a la armónica que sólo él puede ofrecer, cuando no está compaginándola con el teclado, o haciendo solos con una voz que vimos repleta de salud, o dirigiendo a los distintos instrumentos dando entrada a los solos o bien fervorosamente atento a los otros instrumentos. El blues es eso, interacción instrumental y,  sobre todo, pasión.
A decir verdad, y poniéndonos exigentes y algo quisquillosos,  la banda se mostró algo estática para permitir el lucimiento de su líder, mientras que el ritmo de las canciones era quizás un poco perezoso. ¿Qué podemos esperar de alguien con esa edad?  No es lo mismo tocar con la energía de veinte o treinta años que con cincuenta o sesenta mas.
                                    
El  grueso del  setlist se nutrió con sendos homenajes a los mayores de nuestro protagonista,  a base de versiones como "Hide Away" a Freedie King (al que le dedicó un álbum) "Floodin In California" de otro King, en este caso Albert , incluida en su último disco "A Special Life" (2014), lo mismo que " Big Town Playboy" de Eddie Taylor, con la que aceleró motores. También una memorable "Mama Talk To Your Daughter" de J.B. Lenoir,  con un solo armónica con todo el auditorio alentándolo con sus palmas, y una aclamada "Early In The Mornin'" de Louie Jordan.
No olvidemos que Mayall bebió de los bluesmen afroamericanos,  a ellos debe su aprendizaje que le sirvió para abanderar a una generación de grandes músicos británicos que actualizaron y expandieron un género que a día de hoy no tiene fin - sin ir mas lejos en su banda tocaron Peter Green (Fleetwood Mac), Mick Taylor (Rolling Stones) y Eric Clapton -.

                           
De temas propios interpretó  "Not A Home" (del disco "Wake Up Call" de 1993) muy hipnótica aunque sin las flautas del original, claro está.
Y antes de terminar una alargada "Chicago Line" con la que mantuvo un diálogo teclado-bajo remarcable, antes del solo de su compañero Greg a las cuatro cuerdas, como los titánicos esfuerzos Jay luciéndose con los bombos, antes de que John presentara a toda la banda y fuera presentado como "Birthday Boy".

Como bis, la esperadísima "All Your Love" con él entrando disparado hacia el teclado, y sonando a las mil maravillas con los magistrales cambios de ritmo y con el espectro de Clapton por allí sobrevolando. Un final algo previsible de un directo que mostró como la historia de amor entre Mayall y el Blues parece no tener fin.

Por Alejandro Guimerà



lunes, 10 de noviembre de 2014

GRANDES DISCOS: Disraeli Gears (1967) por Cream:



Cream es quizás uno de los primeros supergrupos del rock, uno de los primeros tríos de los sesenta (fuera del rockabilly) y el claro predecesor de The Jimi Hendrix Experience. Sus comienzos dieron lugar a mediados de los sesenta cuando su cara visible Eric Clapton gozaba de cierta fama como guitarrista tras su paso en los Yardbirds, grupo al que abandonó cuando aquellos se alejaron del blues y empezaron a tontear con las modernidades del pop.




Ante ello “mano lenta” se refugió en la banda de blues tradicional de John Mayall con quienes grabó un fabuloso álbum aunque de hecho se sintió encorsetado al ser un proyecto ajeno. Con los Bluesbreakers de Mayall había entrado a tocar también un virtuoso bajista llamado Jack Bruce al que habían echado de la banda de jazz Grahm Bond debido a que alternaba con otros proyectos dispares como ser músico de acompañamiento de Marvin Gaye. Precisamente la persona que lo había echado de Grahm Bond - y de malos modos - fue el batería Ginger Baker.

Y fue este último quien sediento de nuevos horizontes abandonó la GBO decidido a formar un nuevo grupo. De este modo le propuso la idea a Clapton quien la recibió con mucho entusiasmo aunque este le impusiera como condición fichar a Jack Bruce el cual en ese momento se encontraba en las filas de Manfred Mann.

 


Con este entramado tan enrevesado se formó Cream llevando consigo las tensiones preexistentes entre Ginger y Jack y con tres músicos de ilimitada habilidad musical aunque con distintos puntos de mira. Clapton era el bluesman por antonomasia, Bruce era un virtuoso del bajo de doble cuerdas y su formación era clásica (cello) aunque en realidad su espíritu se hallaba en el rythm ´n blues; mientras que Baker era un hombre de jazz con intereses hacia las músicas del mundo.

Tras pequeños conciertos en tierras británicas Cream editaron su debut “Fresh Cream” (1966) y un single de pegada “I Feel Free” con su propio sello Reaction. Para la composición de material propio acertaron con incorporar como letrista al poeta underground  Pete Brown  quien les dotó de cierta profundidad y fue uno de los pilares de su posterior éxito masivo. En 1967 realizaron una mini-gira en EEUU al lado de los Who dónde Eric pudo tocar con alguno de sus ídolos como B.B. King. Rápidamente ficharon para la Atlantic Records y volvieron a Nueva York para gravar su segundo álbum el cual sería producido por una imposición del dueño de la Atlantic Ahmet Ergun, Felix Papparali. Este no era más que un ex cantante Folk y fan de Cream y fue  artífice de que aquellos consiguieran un sonido Blues evolucionado y superaran la etiqueta de grupo de versiones ruidoso del "Fresh Cream". Otro acierto fue encargar la portada al artista australiano Martin Sharp quien hizo un colorido collage en el que aparecían los rostros de los músicos algo que llamó la atención de muchos de los jóvenes de entonces sedientos de novedades. El título surgió de un roadie cuando hablaban de motocicletas y se trata de un juego de palabras entre cambio de marchas e Israel.
 
 

El interior de “Disraeli Gears” tiene un vendaval de sensaciones eléctricas. Desde el blues clásico con falsete y batería dispersa de “Strange Brew”, a la melódica “World Of Pain” que es la mas relajada del paquete llegando a lo hipnótico; pasando por la épica “Dance The Night Away” (Wah- Wah inclusive). Aunque si hablamos de épica tenemos “Tales Of Brave Ulises” que es una aventura sonora llena de matices a cargo de las seis cuerdas de Clapton que merecen ser escuchadas a todo trapo. Sin duda una de las mejores creaciones de “mano lenta” de siempre. Como lo es el “Sunshine Of Your Love”, auténtico hito de la banda que incluye uno de los riffs mas reconocibles del rock. Guitarra y bajo perfectamente acoplados y tras ellos un nada previsible repicar de los bombos dando dinamismo a la pieza. A pesar de ello Ginger no constó en los créditos, a diferencia de “Blue Condition” que es suya y cuya estructura sencilla pasaría por  canción de pub. Es lenta y tiene un cantar displicente de Bruce y una guitarra testifical. La breve “Swlabr” es un blues acelerado con chisposo riff y electrizante batería, mientras “We ‘ re Going Wrong” la voz  queda respaldada por un redoble de percusión e intermitentes solos que van apareciendo y desapareciendo. En “Take It Back” la harmónica toma relevo a los parloteos de un grupo de gente, y el resto son versiones, el blues clásico arreglado “Outside Woman Blues” que encajaría en el debut del combo y la tradicional “Mother’ s Lament” que está cantada a cappela con un tenue piano. Es un guiño para cerrar la tormenta sonora.
 
 

El disco conectó inmediatamente con el hippismo de la costa oeste ya por su psicodélica funda como por sus letras, lo que supuso introducir el blues en las nuevas generaciones que lo tomaron como uno de los estandartes musicales de la revolución, algo que luego personalizaron tanto Jimi Hendrix como Janis Joplin. Esto supuso que Cream tocaran en el festival de Monterrey y en el Fillmore de San Francisco catapultándolos hacia una macrogira por toda América y ante enormes audiencias. El cansancio de esta gira maratoniana, junto con los abusos económicos de sus manager, las constantes fricciones entre Jack y Ginger, y los problemas auditivos de éste último debido al alto nivel del volumen, hicieron que en 1968 terminara esta monumental odisea de tres años llamada Cream.

 
Por Alejandro Guimerà


Tales Of Brave Ulysses

You thought the leaden winter would bring you down forever,
But you rode upon a steamer to the violence of the sun.

And the colours of the sea bind your eyes with trembling mermaids,
And you touch the distant beaches with tales of brave Ulysses,
How his naked ears were tortured by the sirens sweetly singing,
For the sparkling waves are calling you to kiss their white laced lips.

And you see a girl's brown body dancing through the turquoise,
And her footprints make you follow where the sky loves the sea.
And when your fingers find her, she drowns you in her body,
Carving deep blue ripples in the tissues of your mind.

The tiny purple fishes run laughing through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.

Her name is Aphrodite and she rides a crimson shell,
And you know you cannot leave her for you touched the distant sands
With tales of brave Ulysses, how his naked ears were tortured
By the sirens sweetly singing.

The tiny purple fishes run lauging through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.

 

jueves, 30 de octubre de 2014

Frank Zappa. Phase II . The Big Note (IN-EDIT):



Dir.- Frank Sheffer- USA 2002 (89 Min)

En cada una de las anteriores ediciones del Beefeater In-Edit se ha ido homenajeado a un director proyectando algunas de sus películas en el festival. Para la edición de este año, ha tocado el turno del holandés Frank Séller, metiendo en el programa títulos como “Conducting Mahler” (1996), “Hellicopter String Quartet” (1995) o este “Frank Zappa. Phase II . The Big Note” sobre el controvertido genio pop.

El film busca comprender el proceso creativo y compositivo de Frank Zappa a través de los testimonios de los músicos que colaboraron con él (miembros de los Mothers Of The Invention o Captain Beefheart), familiares suyos y entrevistas rescatadas a él directamente. No tienen desperdicio algunas imágenes de actuaciones de sus distintas épocas, sus interminables solos de guitarra, las performances de su banda, las hilarantes letras y sobre todo el espectacular e infinito archivo con sus grabaciones.





Con buenas harmonizaciones de imágenes y música del ecléctico músico, el film no ofrece pasajes ni anécdotas - por muchos es conocido que la letra de “smoke on the water” narra la historia de un incendio en un concierto suyo - de la vida del artista que hubieran podido ser mucho mas interesantes para el espectador.




Por el contrario Frank Séller opta por saciar su pasión por la música clásica y la experimental, mostrando la que quizás no es su cara mas atractiva, pero si que es la que retrata mejor el alma artista del interesado.


IDEAL PARA: Los fans de Edgard Varese, los anti-hippies y quienes se pregunten cómo puede emplearse una bicicleta como instrumento musical.


Publicado en http://notedetengas.es/in-edit-beefeater-2014-frank-zappa-phase-ii-the-big-note/


Por Àlex Guimerà


lunes, 27 de octubre de 2014

SUPER DUPER ALICE COOPER (INEDIT):

Dir.- Reginal Harkema, Scout Mc Fadyen, Sam Dunn- Canada 2014 (87 Min)

Super Duper Alice Cooper narra la historia de cómo el nombre de una banda pasa a ser el de un personaje, y de cómo este personaje devora atrozmente a la persona de detrás, hasta que ésta supera los obstáculos hasta aprender a cargar con él. 

A principios de los cincuenta Vincent Damon Furnier, un joven muchacho de Phoenix (oriundo de la fría Detroit) e hijo de un pastor, empieza a interesarse por el arte y por el surrealismo (la figura de Dalí captará su atención) hasta que decide imitar a sus ídolos Beatles,  lo que le lleva a subirse junto a unos amigos encima de los escenarios. Tras el subidón que siente decide formar con ellos la banda de Earvings,  que posteriormente pasará a llamarse Spiders hasta adoptar el definitivo Alice Cooper, este último decidido mientras jugaban a la güija. 
                                        
Tras ganarse cierta fama en Arizona la formación decide marcharse hacia Los Angeles en busca de la fama. Allí conocerán a un grupo de chicas (GTOs) que cambiará su estética y actitud e introducirá en el mundo de las drogas y la bebida. Vecinas de Frank Zappa, los muchachos graban su primer disco con el sello de aquel mientras conocen a su manager Shep Gordon y comparten porros con Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison. Pero la California hippie no encaja bien su dureza sonora y su agresividad escénica. 

Rendidos, los Alice Cooper emprenden una precaria gira por todos los EEUU hasta que reciben una oferta para actuar en Detroit junto a MC5 y los Stooges. Y allí empieza su fortuna. Su rock duro viene a las mil maravillas para las tendencias de la ciudad de la Motown de finales de los sesenta, en donde empiezan a cosechar cierta fama gracias a singles como I’ m Eighteen y School’ s Out. Con el éxito vienen los conciertos donde los números provocadores y sorpresivos se van incrementando, focalizados en el personaje de su frontman y vocalista Vincent cuyo carisma será absorbido por los medios de comunicación.  Serpientes encima del escenario, asesinatos de patos, batallas campales sobre las tablas, ahorcamientos simulados, falsas guillotinas, y un sinfín de recursos más para el fervor del respetable. 
                        
Con ello, la banda poco a poco va perdiendo una identidad que pasa a su cara visible hasta que ésta se disuelve en beneficio de la carrera en solitario del solista. Casado con una bailarina con quien tiene una hija, el bueno de Vincent, Alice, entra/cae en las redes de la popularidad y se refugia en el alcoholismo hasta que tiene que parar para desintoxicarse en un manicomio. Aparentemente curado de su adicción decide volver al ruedo y entra en contacto con Bernie Taupin con quien escribe canciones sobre sus experiencias en el sanatorio. Pero su nuevo socio le introduce a la cocaína empezando una nueva espiral adictiva. 
                                          

Después de largas luchas y con la ayuda de su familia el bueno de Vincent resurge de sus cenizas para encarar una década de los ochenta en el que se erige de padrino del heavy-metal, movimiento en auge por entonces que lo recibe con los brazos abiertos. Desde entonces lejos de las drogas y la bebida, la persona ha sabido compaginar su vida privada con el personaje público. Su tormenta había terminado. 

Esta historia centra un ágil y entretenido documental que utiliza muy bien las imágenes, crea ilustrativos montajes, introduce trozos de vetustas películas de serie B de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, a la vez que conecta con comentarios de los protagonistas y de artistas invitados como Elton John, John Lydon o Iggy Pop sin aparecer sus entrevistas. 
                                    

El gran "pero" del film lo encontramos en la parte musical, con una pésima utilización de las canciones, un nulo repaso de los discos cardinales y sobre todo en el hecho de que se centra injustamente en el relato personal y elude el relato de la trayectoria artística-musical y de la formación original de los primeros años de la década de los setenta, periodo fundamental de la banda e imprescindible para comprender la evolución del hard-rock. Un colectivo cuya grandeza fue más allá de las extravagancias y del irrefutable carisma de su líder y usurpador del nombre. 


Alejandro Guimerà

sábado, 18 de octubre de 2014

AGNES OBEL (Teatre Principal 17/10/2014 Barcelona)




El Teatre Principal de Barcelona acogió ayer la segunda visita de la danesa Agnes Obel a la Ciudad Condal, única en el estado español. Con dos buenas obras de estudio en su haber, se presentó para defenderlas en directo. 

La velada empezó puntual. A las 8 de la tarde, la banda Neo Zelandesa telonera "French Fried Rabbits" intentó amenizar la velada con una serie de canciones melódicas que, particularmente, me aburrieron bastante. Acompañamiento acústico sencillo, y sin mucha pretensión, a la bonita voz de la cantante de la banda, pero poco más. A las nueve en punto Agnes, acompañada de sus músicos (una excelente violinista canadiense y dos chelos), inició el "show" con la bonita y bien ejecutada "Lauretta", a la que le acompañó "Pass them by" y uno de los temas de la noche, "Dorian". 

A continuación, varios temas de sus dos trabajos (Just so o Beast) hasta llegar a "Fuel to fire", buena interpretación si bien su entonación melódica en ocasiones se disparaba en tono (o incluso chillido). Bien es cierto que la acústica del Teatre Principal tampoco ayuda pero bueno. Acto seguido, temas como "Riverside" (de lo mejor de la noche), "Aventine" o "Words are dead" maravillaron a los espectadores, entre los que me incluyo. Y la joya de la noche vino con el single de su último trabajo "The curse", finalizado con un estrambótico y ruidoso final que hizo levantar los vítores de la audiencia. Después tres temas más, donde destacó la versión de John Cale "Close Watch" y poco más. 

En general, un concierto correcto sin mayor pretensión, con una Agnes fría y algo distante. Personalmente, me faltaron varios temas, sobre todo su canción "Avenue", tema de su primer disco que, incomprensiblemente, ha dejado fuera de su repertorio. Pero, por lo demás, una bonita velada con una artista que admiro y a la que espero volver a disfrutar en directo.

Raúl Pulido




lunes, 6 de octubre de 2014

BRENDAN BENSON- YOU WERE RIGHT:



Inquieto, creativo, sofisticado, discreto, multi instrumentalista, co vocalista a la sombra en The Raconteurs junto a una estrella de la talla de Jack White, compositor hiperactivo y autor en solitario de uno de los discos fundamentales de la década pasada "Lapalco" (2002).  Para hace dos años  nos regaló el notable "What Kind Of World" (2012)  y sin apenas descansar para el 2013 de nuevo al ruedo. Con el tardío "You Were Right" se situó entre los mejores discos del ejercicio, con aquello que mejor se le da: recoger con su espontánea habilidad lo mejor del rock extemporáneo a través de piezas de melodías pluscuamperfectas ejecutadas con su particular maestría.
                                                                  The Raconteurs

Con la ayuda en el estudio de sus colegas afines Jon Auer y Ken Stringfellow (cabezas pensantes de los Posies), el nuevo compedio rockanrollero siguió con el camino trazado por su creador, con un rock pulido y reciclado en el que se daba cabida lo mejor del power pop, del rock setentero y del  alt-country.


 

Y es que los 15 cortes dieron para mucho, aun sin exhibir el hit definitivo, reunían desde un providencial solo de Hammond en "Rejuvenate Me", al piano cabaretero de  "Swallow You Whole" que puede recordar a ciertos pasajes de los Kinks, la trompeta juguetona de "She' s Trying to Poison Me" o los coros incesantes de la popie "As of Tonight". "Diamnond" es acústica y contagiosa, perfecta creación de radiofórmula, "I Don't Wanna See You Anymore" es soft rock al puro estilo Eagles ,"New Words of Wisdom" tiene pequeñas similitudes con The Doors mientras que "Oh My Love" podría haberla firmado el mismísimo Paul Mc Cartney.  El final "Red White Blues" made in USA para cerrar un sólido e inmaculado sexto álbum de un pequeño genio con capacidad de sorprender a través de sonidos pop-rock y power pop americano. A reivindicar. 
Publicado en  http://www.paisajeselectricos.com/2013/12/27/brendan-benson-you-were-right/

Por Alejandro Guimerà

martes, 30 de septiembre de 2014

SPOON/ Thet Want May Soul:



Justo han pasado 20 años desde que este combo de Austin (Texas) publicara su EP de debut. Los años han volado y sin darnos cuenta los Spoon se han ido asentando cómodamente en un segundo plano del circuito alternativo gracias a una extensa discografía (8 álbumes con el nuevo) que han ido construyendo y a un carisma espontáneo carente de aspiraciones. Aunque a decir verdad lo mejor siempre ha sido su particular sonido pop-rock debidamente regado por otros estilos (garage, folk, country, post-punk, art-rock…) plasmado en canciones a menudo cautivadoras.

Ahora, y tras el injustamente defenestrado “Transference” (2010), han publicado este confeccionado larga duración de preciosa portada que muchos ya lo han postulado entre las listas de lo mejor de este año. Y razones no les falta.

Ya desde que aparecen los primeros riffs acompasados con la batería para abrir “Rent I Pay” sabemos que nos van a convencer. Luego se añadirán las entregadas voces de Britt Daniel y los teclados para completar este fabuloso enérgico y marchoso medio-tiempo. En una línea parecida “Rainy Taxi” que luce con unos desgarros de guitarra que transcurren en medio de unos ritmos casi hipnóticos. La ambiental “Inside Out”relaja el tono y nos recuerda la infinidad de recursos de la formación que para la ocasión se abastecen de una arpa, un sampler, y ecos de piano perfectamente conjuntados. El claro single es “Do You”, de reconocible estribillo, es resultona aunque pueda llegar a aparecer facilona.

Lo mas flojo del álbum lo encontramos en “Knock Knock Knock” y su desorientada experimentación, mientras que el tono blues lo lleva la excepcional “I Just Don’t Understand”. Para describir a “They Want My Soul” nos tenemos que remontar a los primeros Spoon, con sus dosis perfectas de power pop y melancolía. “Let Be Mine”, en cambio, es una exhibición de guitarras rítmicas, a pesar que al final tiren un poco de teclados y de algún que otro efecto. Y para el cierre la popera “New York Kiss”, llena de reverberaciones y sintetizadores ochentenos, da una lección a todas aquellas bandas que han fracasado al intentar tirar por este sendero.

Es el poso de un disco para degustar sin prisa y sin pausa, poniendo especial atención a sus múltiples matices y arreglos, y sobre todo dejándose llevar por las sensaciones que van creando. Cucharadas del mejor rock de unos norteamericanos que dejan huella sin hacer demasiado ruido.

Por Alejandro Guimerà

viernes, 19 de septiembre de 2014

CITAS DE ROCKEROS (II): OCURRENCIAS:



Periodista: "Frank, llevas el pelo largo. ¿Te convierte eso en una mujer"?
Frank: "Tienes una pata de palo. ¿Te convierte eso en una mesa"? (FRANK ZAPPA).

Para nuestro siguiente número me gustaría pedir vuestra ayuda: la gente de los asientos más baratos debe dar palmas, y el resto de ustedes puede simplemente sacudir sus joyas (JOHN LENNON)

No creo que tenga que ser necesariamente negro, pobre y depresivo para ser un hombre de blues (MICK JAGGER)

Si Elvis liberó mi cuerpo, Dylan liberó mi mente (BRUCE SPRINGSTEEN)

Si hubiera seguido en Metallica ahora mismo seríamos más famosos que los Beatles (DAVE MUSTAINE-MEGADETH/METALLICA)


Dilo bien alto: soy negro y estoy orgulloso (JAMES BROWN)


Si no fuera Bob Dylan me gustaría ser Leonard Cohen (BOB DYLAN)

El mundo usó a los Beatles como una excusa para volverse loco (GEORGE HARRISSON)

Cómo no iba a meterme en el rock con un apellido así, ¿te imaginas de carnicero? (JOHN BONHAM-LED ZEPPELIN)

El verano de 1973 fue fantástico, no me acuerdo de nada pero nunca lo olvidaré (LEMMY)
Disculpen mientras beso el cielo (JIMI HENDRIX)

¿¿Yo Dios??? No, solo soy su mano derecha (GENE SIMMON-KISS)


El periodismo dedicado al rock está hecho por gente que no sabe escribir que entrevista a personas que no saben hablar para gente que no sabe leer (FRANK ZAPPA)

Las mujeres son como las obras de arte modernas. Si tratas de entenderlas, no podrás disfrutarlas (FREDDIE MERCURY)

Cuando muera, lo más probable es que salga de mi tumba para tocar el órgano en mi propio funeral (RICK WAKEMAN-YES)

No hay que ser pesimista ni tener esperanza (LEONARD COHEN)

Si no le pego un tiro, la haré mi esposa (JOHNNY CASH)

Estoy vivo y bien y sin preocuparme por los rumores de mi muerte. Pero si estuviera muerto, sería el último en saberlo (PAUL MC CARTNEY)

A veces escucho que en los conciertos las chicas me gritan ¡Te amo Axl! y entonces yo pienso: Nena, si me conocieras, me odiarías (AXL ROSE)

Es divertido todos los abogados y los médicos se están quedando con todo el dinero de las estrellas de rock (COURTNEY LOVE)

Sólo tengo una frustración la de no haber producido a Bob Dylan. Ese Chico me necesita (PHIL SPECTOR)

Dos hermanos talentosos? ¡Hay un sólo hermano talentoso en mi grupo! (LIAM GALLAGHER)

Yo era un miembro importante en la banda, era el único que le decía a Sting lo imbécil que él era (STEWARD COPERLAND)

Siempre esa sensación de que eres una extensión de la Coca-Cola (TOM YORKE-RADIOHEAD)

Hemos aprendido bastante sobre autocontrol. Ya no les destrozamos las grabadoras ni las cámaras a los periodistas que nos entrevistan (SLASH)

No me importa si mi cabeza termina en un estante, siempre y cuando tenga mi nombre en él (DEBBIE HARRY-BLONDIE)

Los Ramones siempre le echan unas gotas de pis a todo lo que le ofrecen a sus invitados, como una broma (DEE DEE RAMONE)

Si sales de tu casa y te apuntan con una pistola, ¿lo apuntaras o te arrodillarás? (JOE STRUMMER-THE CLASH)

Creo que se aprende más viendo los Simpsons que viendo las noticias (GRAHAM COXON-BLUR)

Odio mi voz cuando pongo un disco nuestro (ROGER DALTREY-THE WHO)

Desgraciadamente la mitad de las cosas que dicen sobre mi son ciertas (AMY WINEHOUSE)

No usamos lentejuelas, porque pensamos que somos grandiosos. Notros las usamos porque 
pensamos que las lentejuelas son geniales (GRAM PARSONS)

¿Qué es una oveja sin piernas? ...una nube (FLEA- RED HOT CHILLI PEPPERS)

Para reunir a los Beatles hacen falta solo 3 balas (GEORGE HARRISSON)

Prefiero ser el peor de los mejores  que el mejor de los peores (KURT COBAIN)

No me fío de nadie al que no le guste Led Zeppelin (JACK WHITE-WHITE STRIPES)

Tan temprano se quemaron las alas de esta bella mariposa, por querer descubrir tan rápidamente los secretos del sol (SYD BARRET).

Sólo porque un hombre no tiene el uso de sus ojos no quiere decir que no tiene visión (STEVIE WONDER)

Yo nunca dije la verdad, así que no puedo decir una mentira (TOM WAITS) 

miércoles, 3 de septiembre de 2014

GRANDES DISCOS: The Clash (1977) por THE CLASH:


 

Vaya por delante que nadie pone en duda que la obra cumbre de los Clash es el ecléctico y visonario “London Calling” (1979), disco con el que expandieron las posibilidades del punk mezclándolos con otros estilos como el reggae, el rythm´n blues, el rockabilly e incluso el pop. Simplemente no por ello hay que dejar de encumbrar y  relegar a un segundo plano a su homónima opera prima, la que para muchos es el tratado definitivo punk, amén del debut de los Ramones, y cómo no, del “Never Mind The Bollocks Here´s Sex Pistols”. Precisamente un joven Joe Strummer (cuando se hacía llamar Woody Strummer) había compartido cartel con estos últimos en un show londinense siendo solista de una banda hippie-garage llamada “ The 101 ers”. El contacto con la escena punk le hizo ver que debía evolucionar hacia nuevos horizontes artísticos, lo que finalmente hizo cuando los miembros de los “London SS” Mick Jones (guitarra y voces) y Paul Simonon (bajo y voces) le convencieron para que se les añadiera a una nueva banda como cantante y guitarra. Habían nacido los Clash.
 

 
Inconformistas con la Inglaterra de final de década, comprometidos con los problemas de la juventud,  reivindicativos con las causas sociales, beligerantes contra el nazismo y el racismo, comunistas, no simpatizantes de los EEUU (país al que en unos años conquistaron con “Rock The Casbah” ) y otro sinfín más de ismos como estandarte; los Clash a pesar de liderar el movimiento punk quisieron dotar a este de cierto contenido y distanciarse de la provocación, del anarquismo y de la gamberrada dominante.
 
 
 
Precedido del single de adelanto “White Riot”, el disco “The Clash” se puso a la venta en abril del 77,  un año después de firmar un controvertido y sustancioso contrato con la CBS Records y una vez se habían hecho un nombre a base de carretera y conciertos underground. Con una portada en la que aparece una foto en blanco y negro de sus tres cabezas, en ella se ve como son un grupo punk distinto, sus estilosos ropajes les diferenciarían del cuero, los imperdibles y las camisetas rotas imperantes. Como particulares eran las letras de sus 14 cortes (15 en la versión americana), pues en ellas protestaron disparando con fervor hacia distintas direcciones: el capitalismo norteamericano (“I’ m So Bored To the USA”), el paro y los trabajos basura de los jóvenes británicos (“Career Opportunities”), la policía (“Police and Thieves”, “Remote Control”), el racismo y el clasismo (“White Riot”), los críticos musicales (“Garageland”), ….
 
                                                

En el plano musical las canciones de los Clash aún no abarcaban la diversidad de géneros de sus futuras creaciones por lo que sonaban mas primitivos, rockabillys, sencillos y directos que nunca.  De producción nimia y poco pulida, las canciones resultaban de una crudeza y naturalidad que evocaban vitalidad y fuerza, elementos que ayudaron a definir el ideario punk. El tempo veloz de las incendiarias guitarras resultaba de lo más eficaz, a la vez que permitía lucir las dos voces solistas de la dupla formada por Jones y Strummer, quienes además firmaban la mayoría de las composiciones.
Una pena que en la versión original del disco no se incluyeran tres joyas pegadizas incluidas en la versión yankee como son  “Complete Control”, “Clash City Rockers”  (menudos riffs!!) y la maravillosa versión de “I fought The Law” de Sonny Curtis. Es curioso que en EUA empezara a comercializarse el disco dos años después y que consiguiera cifras notables de ventas (disco de Oro). 
 
                                             
En cualquier caso este debut fue abrazado a uno y otro lado del Atlántico y puso cimientos no solo a un movimiento que hizo evolucionar artísticamente al rock, sino a una generación resignada que parecían haber olvidado las luchas sociales y el inconformismo con un mundo injusto, actitudes a las que el rock nunca debería de dar la espalda. Algo que los Clash siempre tuvieron muy presente.
 
Por Alejandro Guimerà

 
REMOTE CONTROL
They said release 'Remote Control' but we didn't want it on the label
They said, "Fly to Amsterdam", the people laughed but the press went mad
Someone's really smart
Complete control, that's a laugh
On the last tour my mates couldn't get in
I'd open up the back door but they'd get run out again
And at every hotel we was met by the law, come for the party, come to make sure
Have we done something wrong?
Complete control, even over this song
You’re my guitar hero
They said we'd be artistically free when we signed that bit of paper
They meant let's make a lotsa money and worry about it later
I'll never understand
Complete control, lemme see your other hand
I don’t trust you, so why should you trust me?
All over the news spread fast
They’re dirty, they're filthy, they ain't gonna last
This is Joe Public (Control) speaking
I'm controlled in the body (We always hate control), controlled in the mind
This is the top rockers (Control)
With your zone in the price you whore, comes to me (C, O, N, control)
Total, see you all in control
Total (Parent, control), see you all in control
We’ve got the rock ‘n’ roll ?????????? (C, O, N, control)
That means you
I kick it, I fight it, I gotta get up at it (C, O, N, control)
I gotta kick it

domingo, 31 de agosto de 2014

Fallece Tony Urbano bajista de Leño:


Los inicios de década de los ochenta son una de las épocas mas emocionantes del rock en España. El fin de la dictadura y la apertura hacia mayores libertades favoreció el surgimiento de nuevas formas artísticas que ya no tenían que lidiar con la censura del régimen. Este es el caso de la banda de rock urbano "Leño", nacida a finales de 1977 de las cenizas de otra banda ("Ñu) y dirigidas por un joven Rosendo. La nueva banda reclutó a el bajista de "Coz" - formación de la que surgiría otro banda imprescindible "Barón Rojo"- , un tarraconense llamado Antonio (Tony) Urbano Gornals. Con Leño, Tony tocó en  los discos imprescindibles "Más Madera (1980), "En Directo" (1981) y  "Corre, corre" (1982); además de ayudar a componer de himnos como "La Fina", "Más Madera" o "Maneras de Vivir". A destacar, también, su forma intuitiva y enérgica de tocar su bajo Fender ya que fue pionera en el rock duro español y quedará como gran referente en la época dorada del género.


Tras la disolución de la mítica banda, el bueno de Tony fue repescado como músico de acompañamiento de Luz Casal y Miguel Ríos, a quien había teloneado en el multitudinario concierto de 1983 en las fuentes de Montjuic (Barcelona). En los últimos años, alejado de la primera línea de la fama, volvió fugazmente con Leño (la última aparición en 2006), hizo pequeñas colaboraciones con otros músicos, pero sobre todo se dedicó a labores de producción.
Desgraciadamente el pasado día 27 de Agosto, coincidiendo con la desaparición del padre de la Rumba Catalana Peret, desde la web de la SGAE se dio a conocer el fallecimiento de este músico a sus 58 años, a quien todos recordarán como un buen tipo lleno de humildad. Es por todo ello, que desde aquí queremos rendirle homenaje, y agradecerle haber puesto su granito de arena en una época en el que el rock cantado en castellano creció  y se acercó mucho mas que nunca, sin censuras ni imposiciones comerciales. Descanse en paz.

Ver también en www. notedetengas.es


martes, 26 de agosto de 2014

DISCOS DEL 2014: REAL ESTATE- ATLAS:


Con poco más de cinco años de vida artística los de New Jersey ya han publicado tres álbumes, un EP y un puñado de sencillos, gracias a los cuales han despertado interés en el mundo indie.  Su propuesta  pop amable y ensoñadora es de fácil degustación y muy atractiva para paladares exigentes.  Como si se tratara de un cruce entre Galaxie 500 y Belle & Sebastian en un día lluvioso (pero de buen rollo), han creado una fórmula infalible basada en la voz susurreante de Martin Courtney y la delicada e hipnótica guitarra de Matt Mondanile. En marzo sacaron a luz el que quizás sea su mejor trabajo y con el que se reivindican como banda en auge, aunque desde el anterior  Days (2011) hayamos tenido que esperar tres años en los que dos de sus miembros - Alex Bleeker  y Matt - han estado distraídos con su propio material.
A decir verdad, Atlas tiene un pero: y es que no supone un avance para la banda, sino una continuación a base de repetir los argumentos que ya conocíamos de lo anterior. Pues en los 10 mapas musicales que despliega sigue con la ruta trazada, a base de canciones inspiradoras y de ambientes cálidos, lo que no tiene por qué ser malo si el resultado suena bien. En este sentido encontramos “Primitive”, con esa guitarra cristalina y pegadiza que podrían haber grabado los Cure (fumados), “Talking Backwards” hit perfecto de estribillo redondo, la belleza de la instrumental “April’ s Song” con su guitarra parlante o  la candidez  de la balada “How Might I Live”.


¿Es pues “Atlas” un buen disco? Sin duda. ¿ Es uno de los mejores larga duraciones del ejercicio? Lo podría ser. Su pop intimista y melancólico, hecho sin complicaciones y con mucha discreción, puede resultar muy grato para el oyente aunque muchos dirán que poco les puede aportar. En cualquier caso, los Real Estate vuelven a acertar porque ofrecen algunas grandes composiciones con su estilo particular. Mientras tanto ellos siguen haciéndose poco a poco su sitio entre los Shins, War On Drougs o Grizzly Bear.
Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.paisajeselectricos.com/2014/05/21/atlas-de-real-estate/

miércoles, 20 de agosto de 2014

MOMENTS DE CINE II:

Fa un temps vem penjar un recull moments del cinema on la trama i el rock s´unien amb els protagonistes cantant i posant sentiment en alguna cançó reconeguda arribant a mostrar l´ essència del film. Anem a veure ara nous exemples:

13) PEL·LICULA:  REALLITY BITES (BOCADOS DE REALIDAD) (1994)- Dir. Ben Stiller:
TEMA: ADD IT UP- VIOLENT FEMMES
Actor: Ethan Hawke
14) PEL·LICULA: IO E TU (TU Y YO) (2012)- Dir. Bernardo Bertolucci:
TEMA: RAGAZZO SOLO RAGAZZA SOLA- DAVID BOWIE
Actriz: Tea Flaco.
15) PEL·LICULA: PULP FICTION (1994)- Dir. Quentin Tarantino:
TEMA:   GIRL YOU' LL BE A WOMAN SOON -  NEIL DIAMON
Actriu: Uma Thurman
16)  PEL·LICULA: AMERICAN BEAUTY ( 1999)- Dir. Sam Mendes
TEMA: AMERICAN WOMAN- GUESS WHO
Actor: Kevin Spacey
17) PEL·LICULA:  MEJOR SOLO QUE MAL ACOMPAÑADO (1987)  - Dir. John Huges
TEMA: MESS AROUND- RAY CHARLES
Actor: John Candy
18) SERIE: BREAKING BAD (2008-2013)- Dir.  Vince Gilligan
TEMA: A HORSE WITH NO NAME- AMERICA
Actor: Bryan Cranston





19) SERIE: THE WIRE (2002-2008)- Dir. David Simon.

TEMA: THE BODY OF AN AMERICAN - THE POGUES

Actor: Varios.





20)  PEL·LICULA:  SPRING BREAKERS (2012)  - Dir. Harmony Korine
 

TEMA: EVERYTIME- BRITNEY SPEARS
Actor: James Franco




21) PEL·LICULA: LA GRAN ESTAFA AMERICANA (2013)- Dir. David O. Russell
TEMA: LIVE AND LET DIE- WINGS
Actriu: Jeniffer Lawrence


22) PEL·LICULA: RISKY BUSSINESS (1983) - Dir. Paul Brickman
TEMA: OLD TIME ROCK' N ROLL- BOB SEGER.
Actor: Tom Cruise



23) PEL·LICULA: SISTER ACT 2 (1993)- Dir. Emile Ardolino.
TEMA: YOU GOT IT-ROY ORBISON
Actriz: Woopie Golberg



24) PEL·LICULA: STEP BROTHERS  (2006)- Dir. Adam McKey
TEMA: SWEET CHILD O'  MINE- GUNS ' N ROSES.
Actors: Adam Scott, Kathryn Hahn,...



25 ) PEL·LICULA: PRETTY IN PINK  (1986) - Dir. Howard Deutch.
TEMA: TRY A LITTLE TENDERNESS- OTIS REDDING.
Actor: John Cryer.






Veure la primera entrega a http://rocknroute.blogspot.com.es/2012_03_01_archive.HTML

Més propostes????