domingo, 20 de julio de 2014

JAYHAWKS: Concierto en la Sala Apolo (13/07/14) / Trilogía pop 1997-2003:



CONCIERTO SALA APOLO 13/07/14




En una sala Apolo a rebozar, la banda de culto Jayhawks ofrecieron el pasado lunes 14 un concierto sublime en el que sus virtudes lucieron como nunca y en el que confirmaron ante nuestros ojos por enésima vez lo grandes que son.
A pelo y sin teloneros la banda fue ocupando sus lugares para abordar de entrada la marchosa “I’ m Gonna Make You Love Me”, toda una declaración de intenciones, pues las siguientes dos horas íbamos a querer su música por encima de todo.
Con el hueco de Mark Olson ocupado por el joven guitarrista Kraig Johnson  - ya hace tiempo que ocupa esa función dependiendo de las idas y venidas de aquel -, Gary Louis demostró que tiene el pleno liderato de los pioneros del sonido “americana” aunque eso si, bastante inmóvil y en un posado algo serio. El resto de la banda, lo forman la virtuosa y simpática teclista Karen Grotberg, el juvenil bajista Mark Pelman y Tim O´Reagan a la batería.
Ya enseguida Gary nos anuncia algo que ya conocíamos, y es que la banda gira rescatando temas de los discos “Sound Of Lies”, “Smile” y “Rainy Day Music”, intercalándolos con algunos temas de los otros discos, versiones o de “Golden Smog” proyecto paralelo del líder de los de Minnesota.
Fue de este modo, y con un sonido que fue de menos a mas, como los halcones sobrevolaron nuestras cabezas de la mano de temazos como “Stumbling Through The Dark”, “Angelyne”, “Smile”, “Waiting For The Sun”, “Blue”,… ¡Un no parar!


Con una mandolina de acompañamiento casi testimonial (con algunos pequeños segundos de gloria), las  fabulosas segundas voces de Karen y Tim, las guitarras poderosas y los ritmos polifacéticos; la melodía y la voz de Gary lucieron como nunca para nuestro deleite. Aunque también hubo momentos de protagonismo de Tim, quien cantó afinadamente “Bottomless Cup” y “ Tampa To Tulsa” y Kraig recitando la versión de Neil Young “ Revolution Blues” con toda la tralla de las cuerdas. Este último fue víctima de las bromas y del cariño de Gary. Se nota que es su protegido (también le acompaña en los “Golden Smog” ).


De este modo llegamos a la recta final con “Big Star” – cuyo estribillo reza “We’ re gonna be a big star someday!”, ya lo soys chicos – y “I’ d Run Away” como emblemas antes de los bises inciados por la tierna “All The Right Reasons” y secundada por las goldensmogianas “Jennifer Save Me” y “If I Only Have a Car”, “Fools On Parade” y “Angelyne” que tocaron desacreditando a los técnicos de sonido que ya querían terminar la función. Afortunadamente Gary y los suyos demostraron su generosidad ante su público, es lo que han hecho siempre. Demasiado buenos para las masas, demasiado grandes para una minoría.

Publicada en  http://notedetengas.es/cronica-del-concierto-jayhawks-en-sala-apolo-barcelona/


                                           TRILOGÍA POP 1997-2003:


SOUND OF LIES (1997):



Tras la marcha de Mark Olson la formación quedó al mando de Gary Louris quien le dio un giro artístico de la mano de sonidos más cercanos al pop-rock que al country-rock/folk-rock de sus anteriores trabajos, con Tom Petty o Big Star (así se titula uno de los temas del disco) como referencia, buscando un reconocimiento del público que se les había estado resistiendo. Para ello aparecen mayores arreglos en las canciones – según ha acabado reconociendo Louris quizás demasiado largas - y se difuminan las tonalidades country, así como las segundas voces, que hasta la fecha habían sido santo y seña del combo. Con unas letras muy personales y cargadas de honestidad, el disco ofrece momentos estelares como el piano de “It’ s Up To You” o “Big Star” en el que dieron rienda suelta a sus aspiraciones frustradas de éxito. Lograda catarsis post-Olson.

Temas favoritos: Trouble, It’s Up To You, Big Star.



SMILE (2000):



Tomando como referencia a sus amigos Wilco, con este disco los Jayhawks quisieron modernizarse e introducir elementos de la música electrónica. Afortunadamente lo único que metieron fueron ritmos sintetizados y poca cosa mas, pues el disco nadaba entre el poso de sensibilidad cautivadora de la banda y sus recientes aspiraciones power-pop. Los instantes poperos mas lúcidos los trajeron la canción que da título al disco que es una balada épica con preciosos coros que cala o el vitalismo sonoro que tan bien desarrollarían en su siguiente álbum de “I’ m Gonna Make You Love Me”. Pero lo que mas había era melancolía edulcorada contagiosa (“Whay Led Me To This Town”, “A Irak In The Clouds”, “Better Days”, “Broken Harpoon”, Mr. Wilson”) que se impuso con rotundidad a los experimentos poco fructíferos con la tecnología.

Temas favoritos: Smile, I’ m Gonna Make You Love Me, A Break In The Clouds.



RAINY DAY MUSIC (2003):



Este álbum lo tenía todo para triunfar: melodías pegadizas, ritmos bailables, instrumentación de rock clásico y mucho carisma. Por desgracia sólo fue valorado por un público del rock elitista quien se rindió a los pies de unas canciones que reúnen de lo mejor de la banda. El grueso de “RDM” viene compuesto por una colección de medios tiempos que recuperan la cara mas luminosa de los días del “Tomorrow the Green Grass” (1995) y del “Hollywood Town may” (1992). Canciones directas de armonías clásicas, cargadas de sentimentalismo y emoción. Aunque el disco también deja espacio a los homenajes a CSN&Y (“Madman”), dulces baladas de lágrima fácil (“All The Right Reasons”, “Don’ t Let The Wolrd Get In Your Way”), ejercicios de intimidad y desnudez country-folk (“Tampa To Tulsa”, “Will I See You In Heaven”), guitarras Byrds ( “Strumbling Through The Dark”).

Un portento de disco que no debería de haber pasado tan desapercibido, pues raras son las veces en las que podemos gozar de exhibiciones de aptitud para la composición de melodías como la que Gary Louris y los suyos hicieron en “Rainy Day Music”.

Temas favoritos: Tailspin, Save It For A Rainny Day, Angelyne,..


Por Àlex Guimerà

Publicado en  http://notedetengas.es/la-trilogia-pop-de-los-jayhawks-en-julio-en-nuestras-salas/

jueves, 17 de julio de 2014

Muerte del bluesman albino Johnny Winter:




Justo dos meses después de sus conciertos en Barcelona, Madrid, Bilbao y Palma de Mallorca, Johnny WInter ha fallecido a la edad de setenta años en su domicilio de Zurich. Según ha sido anunciado por su actual representante Carla Parisi en distintos medios, aunque no han revelado las causas. Nacido como John Dawson Winter III, un 23 de Febrero de 1944 en Beaumont (Texas), de muy joven comenzó a tocar el clarinete, pero lo tuvo que dejar por prescripción de su dentista. eso fue lo que le llevó hacia la guitarra (previo paso por el ukelele), instrumento que nunca abandonó y del que destacó por su enorme habilidad.A los 11 años ya era un oyente habitual de los programas de radio de blues, lo que le llevó a coleccionar discos del género y a mas adelante a formar sus propias bandas junto a su hermano como "Johnny & The jammers" o " It and Them" con las que actuó en distintos bares y pequeños night-clubs de su estado. Al terminar la escuela se fue a estudiar a Louisana, lugar en el que empezó a codearse con músicos negros y curtirse en el circuito blues.
                                            
En los años 60, se interesó por la música de su estado (country y cajún), tocó ante ilustres como B. B. King y pasó temporadas en Chicago conociendo a los clásicos negros. Se daba la paradoja que un músico albino procedente de tierras sureñas segregacionistas, tuviera tanta devoción y talento por la música de color. Hasta que en 1968 un artículo de una nueva revista musical llamada "Rolling Stone" lo descubría como un nuevo talento a tener en cuenta, por lo que le invitaron a tocar a la Sala Scene de Nueva York, lugar en el que se codeó con Janis Joplin, Jimi Hendrix, Al Kooper y otros ilustres intérpretes del blues de la época. De este modo, y habiendo grabado el reputado "The Progressive Blues Experiment" (1968) con una discográfica menor (Sonobeat), Columbia lo fichó y fue con ellos con quienes publicó su homónimo disco de debut oficial - " Johnny Winter" (1969), saltando a la fama y actuando incluso en el mítico festival de Woodstock. Este disco alternaba temas propios con versiones de clásicos como B.B. King, Lightin Hopkins o Robert Johnson. Para la continuación "Second Winter" (1969) demostró que además del blues podía con el rock' n roll o el rock-folk, atreviéndose con temas de Chuck Berry o Bob Dylan. Su tercer disco con la multinacional,"Johnny Winter And" (1970) es otra de sus mejores obras junto a las anteriores, ya que en él se adentra en el pop-rock mas comercial sin perder su alma bluesy. El ciclo exitoso lo cerró la publicación de un mayestático álbum en directo "Live" (1971) desde el Fillmore East de New York. El joven chico albino guitarrista de blues era ya una auténtica estrella. 

 
Acto seguido continuó grabando con regularidad discos reseñables del género, como es "Johnny Dawson Winter III" (1974) con un tema cedido por su amigo John Lennon, "Rock'n'roll people". De esa época son sus macrogiras norteamericanas junto a su hermano Edgar, editando las grabaciones en directo. También sus problemas con las drogas, lo que le llevó a hacer numerosas curas de desintoxicación. A partir de los años ochenta, el músico se centró mas en colaboraciones con otros colegas, produciendo discos para otros, girando en circuitos menores y grabando para discográficas independientes. Aunque a finales de los ochenta firmó por la "Warner Brothers", con quien intentó sin éxito volver al gran público.

Recientes son sus pasos en nuestro país en 2013 y 2014, en los que exhibió su buena forma y demostró que pudo hacer lo que mas amaba hasta su último suspiro. Con él se va uno de los pocos mitos supervivientes del blues, atrás deja un montón de buena música, un carisma e imagen sin igual y el amor por un género que nunca se va a apagar.

Publicada en http://notedetengas.es/fallece-el-bluesman-albino-johnny-winter/
 

martes, 15 de julio de 2014

FESTIVAL CRUÏLLA 2014 (11 DE JULIO):



De nuevo triunfó este festival que apuesta por el mestizaje musical, en el que cualquier propuesta puede tener lugar y en la que se promueve el multiculturalismo. Y lo hizo más que nunca, con una asistencia de 31.000 espectadores gracias a una buena organización y con una luna llena que brilló como nunca, como muchas de las estrellas que tocaron en sus escenarios. Esperando que el Cruïlla no muera de éxito y que siga en el mismo sendero por largos años, vamos a repasar los conciertos que pudimos seguir en esta última y reciente edición.

ANGUS and JULIA STONE (ESCENARIO DEEZER):

Los hermanos Stone se presentaban como el primer plato fuerte del evento. Julia vestida con una falda de colegiala y calcetines hasta la rodilla, Angus escondido tras una gorra que rezaba “NY” y unas gafas de sol. Junto a ellos mucho pop-folk de buenas voces e instrumentación tenue poca estridencia y un buen plan para los espectadores más tempraneros. Quizás dejaron caer demasiado pronto su hit “Big Jet Plane” pero lo arreglaron con aplaudidas
reinterpretaciones de “Bloodbuzz Ohio” (The Nacional), de “You’ re The One That I Want” (Grease),y de “Girls Just Want To Have Fun” (Cindy Lauper), evidenciando quizás la falta de catálogo propio. Además la delicada voz de la Julia, y su candidez escénica algo impostada a veces pueden llegar a aburrir si no es que están rozando la vergüenza ajena. En cualquier caso, la propuesta resultó efectiva para aterrizar en el festival y prepararnos para la siguiente parada.


DAMON ALBARN (ESCENARIO ESTRELLA DAMM):



Poco más de un año desde de su triunfal paso por el Forum en el Primavera Sound junto a sus icónicos Blur, Damon Albarn volvió al lugar en un concepto totalmente distinto al que ofreciera entonces. Abandonando su faceta de legendario front-man defensor de himnos tarareables, se mostró fiel a lo que es él en la actualidad: esquivo de lo comercial y cantautor experimental, en un espectáculo muy semejante al que ya vimos en la última edición del SOS.

Presentó el que se supone que es su primer disco en solitario "Evereyday Robots"   (en realidad ya ha publicado algunos antes), como la homónima pieza cuyos redobles iniciales nos cogieron en el cambio de escenario, ‘Lonely Press Play’ o ‘Mr. Tembo’. También rescató los temas de Gorillaz – a destacar ‘Clint Eastwood’ que puso el clímax del directo – , de The Good The Bad And The Queen – ‘Kingdom Of Doom’, ‘Three Changes’ – y de modo descafeinado algunas de Blur - la tardía y semidesconocida ‘Out Of Time’ (‘Think Tank’), la cara B de ‘Beetlebum’ titulada ‘All Your life’ y ‘Strange News From Another Star’ (’13′) -. Poco para un público festivalero sediento de diversión y canciones reconocibles. Lo mejor, la simpática entrega, el carisma y la predisposición del londinense defendiendo unas canciones que transitan por el soul, el hip hop o los ritmos africanos. Fielmente seguido por su habilidosa y mestiza banda, y sin quitarse la chaqueta en ningún momento, Damon abordó los teclados y la guitarra con destreza y cuando los abandonó para centrarse con el micro teatralizó tanto cuanto pudo, regó con agua al respetable, bajó para darse un baño de masas a las primeras filas o hizo broma con sus compañeros. Ah! Y dirigió unas divertidas coreografías con el coro góspel que subió para los bises.


BAND OF HORSES (ESCENARIO DEEZER):



A priori eran el plato fuerte de la jornada del viernes, máxime con el recuerdo de su cancelación a última hora del pasado PS 2013. Después del concierto lo fueron también a posteriori, pues su country-folk grandilocuente con pasaporte indie-pop resultó cautivador para prácticamente toda la audiencia del evento reunida ante su escenario. No en vano los de Seattle galoparon como nunca con todo el arsenal guitarrero y su estilosa emotividad, en una actuación que resultó muy envolvente y en la que su música se escuchó sin apenas fisuras. Pocos dejaron de trotar con temas como “Laredo“, “Factory”, “St. Augustine” (electrificada no vocal), “Weed party” (¡Yieeeeja!) “The Great Salt Lake“, “Is There a Ghost“, “No One is Gonna Love You“… y la ceremoniosa “The Funeral“que cerraba la cabalgata. Y es que en los caballos, se juntaron su inmensa habilidad instrumental y vocal con su grueso catálogo de canciones de pura raza, que aseguraron su triunfo en su paso por el festival. Relinchando temazos.



VETUSTA MORLA (ESCENARIO ESTRELLA DAMM):

Se han convertido por méritos propios en un referente del indie nacional. Suyo es el mérito de impulsar un género que se encontraba estancado en la generación de Los Planetas. Su pop de estructuras radioheadianas (cuando aquellos eran rockeros) y la belleza de sus crípticas poesías, han encumbrado a los madrileños en el pódium del mejor pop actual cantado en castellano. Máxime cuando su potente directo ha llevado sus canciones allí dónde no llegaban.




Con estos antecedentes sabíamos que no nos iban a defraudar, y a buena fe que no lo hicieron. Desgranando sus tres últimos discos de estudio a cargo de su doblada percusión, las guitarras aplastantes, la intensa voz y emotividad gestual de un “Pucho” que se atrevió con el catalán, y un juego de luces magistral, nadie pudo resistirse a sus himnos casi siempre coreados al unísono. Como la inicial “La Deriva”, la desdibujada “Copenaghe”, “Maldita dulzura”, “Sálvese quien pueda”, “Valiente”, “Mapas”,… y la épica final “los días raros”. Un concierto y un grupo infalible para los amantes del mejor pop.

Ver mas en http://notedetengas.es/cronica-del-festival-cruilla-2014-julio-2014/

lunes, 14 de julio de 2014

Muere el último superviviente de los Ramones originales, Tommy, ideologo, productor y primer batería.


Con la pérdida de Tommy Ramone desaparecen todos los componentes originales de los Ramones, y el último nombre del clásico escudo de la banda que luce en tantas y tantas camisetas alrededor del mundo.
Nacido como Tamás Erdélyi en Hungría el 29 de Enero de 1949, se crió en Nueva York dónde conoció a John Cummings (Johnny Ramone) en el instituto. Con aquel fundó una banda llamada “Tangerine Puppets” en la que tocó la guitarra relegando a Johnny al bajp. Los Puppets tocaban una música muy en la honda psicodélica de la época y nunca alcanzaron el éxito en el poco tiempo que duraron (años 66 y 67), aunque con ellos pasó como solista Randy California, futuro miembro de los enormes “Spirit”.
Luego junto con el que sería road manager de los Ramones, Monte A Melnick formaría un power trío llamado “Triad” que luego derivó en otra banda “Butch”, ambas de poco recorrido, aunque llegaron a telonear a gente como los Beach Boys, Quicksilver Messenger Service o Captain Beefheart. En esa época Tommy conoció a un ingeniero de sonido llamado Jack Malken quien le introdujo en los estudios de grabación Dick Charles, lugar en el que trabajó para el mismísimo Jimi Hendrix.
Tras la disolución de sus bandas y su regreso a la Gran Manzana, Tommy ya tenía una experiencia en la carretera y los estudios lo que le motivó a formar una nueva banda. Estamos entrados los setenta y en una época en que la gran ciudad era un hervidero de futuras bandas como los “New York Dolls”, “Blondie”, “Talking Heads”, “televisión”,… con la sala CBGB como lugar de encentro.
Fue en este contexto cuando Tommy recuperó a su amigo Johnny y los juntó con dos chavales también de Forest Hill, Queens ( Jeffrey Hyman “Joey” y Douglas Colvin “Dee Dee”), para formar una banda que resucitaría el espíritu inicial del rockabilly, las melodías de los girls-groups de principios de los sesenta, a la vez que abrazaría las enseñanzas del protopunk de Detroit (Stooges, MC5,…). De nombre eligieron el nickname de registro en los hoteles de Paul Mc Cartney (Paul Ramone), nombre que serviría a todos los miembros de la banda de apellido. Fue en el propio CBGB cuando el 16 de Agosto de 1974 la nueva agrupación dio su primer concierto, captando en seguida interés de unos jóvenes hastiados del rock progresivo, sinfónico, soft-rock y otras desvirtuaciones, a su modo de ver, de las esencias del verdadero rock.

Para la estética eligieron pelos largos desaliñados (bueno, Johnny no), chaquetas de cuero, pantalones rotos y zapatillas de poca monta.
Habían nacido los “Ramones” con una composición inicial que incluía a Joey a la batería y a Tommy y Dee Dee a las voces. La cosa no funcionó ya que Dee Dee no podía tocar y cantar a la vez por lo que probaron con el desgarbado y tímido Joey al micro pasando Tommy a las baquetas. Y la cosa funcionó. Los reclutados no sólo congeniaron con el proyecto artístico sino que además en seguida trajeron temas propios, lo que impresionó a Tommy. Fue de este modo como se publicó el debut "Ramones" (Sire records 1976) que incluía futuros himnos como "Blitzkrieg Bop" o "I Wanna Be Your Boyfriend" ambas compuestas por el propio Tommy. La producción (escasa) de esta ópera prima estuvo en manos del propio Tommy, aprovechando su experiencia profesional anterior. Ni que decir que muchos han considerado "Blitzkrieg Bop" como la primera canción punk al margen de sus críticas por usar un lenguaje nazi.



En aquellas grabaciones decidieron reservar algunas canciones para un futurible segundo trabajo que llegó tras unos meses bajo el nombre de "Leave Home"(Sire records 1977), por aquello de abandonar sus hogares para ir de gira. En este disco muchas de las canciones son firmadas como Ramones sin que aparezca ninguna bajo la firma del ahora finado, quien lo produjo junto a su amigo y mentor en su primera época de productor Tonny Bongiovi (primo de Jon Bon Jovi).

                                                                              

Ese mismo año aparecería el "Rocket To Russia" (Sire records 1977) con las magníficas versiones de "Surfin' Bird" y "Do You Wanna dance?", naciendo el surf-punk urbano y la misma dupla para los arreglos.
Con apoyo nulo de los medios y escaso de su discográfica Sire, las giras de los Ramones empezaron a llevar su música por su país y por el reino Unido dónde fueron muy bien acogidos, al ser paralelos a grupos punk emblemáticos como "Sex Pistols", "Clash" o "Damned". En la carretera los excesos y extravagancias de Joey, Dee Dee e incluso del aparentemente más equilibrado Johnny llevaron a Tommy a situaciones límite de ansiedad y desesperación, lo que le condujo a su salida como músico de la banda para centrarse en la producción e incluso composición del cuarteto. Su relevo Marky fue el primero de los múltiples inquilinos en la batería que tuvo la banda hasta su disolución en 1996. 




Antes Tommy pudo participar en la grabación del loado disco doble en directo "It' s Alive" grabado en el Teatro Rainbow de Londres el último día del año 1977. "It' s Alive" (su nombre viene de una película de terror de serie B de la época), es uno de los mejores LPs en directo de la historia y supone uno de los hitos de los Ramones donde despliegan y exhiben su carisma, fuerza, rebeldía y espontaneidad.

                                    
Una vez fuera de la formación Tommy se centró en la producción (de los Ramones y de otras bandas) huyendo de la inestabilidad que supone ser una estrella del rock, y dejando como legado una de las bandas capitales del rock y la que hizo revitalizar sus orígenes creando un nuevo género. Además de dejar huella con su particular modo de tocar la batería.

En los últimos años se encontraba retirado de la vida profesional y pública hasta que le fue detectado un cáncer, enfermedad que también acabó con Joey (2001), Dee Dee (2002) y Johnny (2004). Un fatal desenlace para un enorme grupo formado e ideado por un tipo muy discreto y sencillo.

Descansa en paz Tommy... y gracias por la música.



Publicado en http://notedetengas.es/un-adios-a-tommy-ramone-el-ultimo-superviviente-de-los-originales-ramones/



viernes, 11 de julio de 2014

EL REGRESO DE LOS PIXIES: SINGLE "BAGBOY" , EP-1 (2013), EP-2 Y LP "INDIE CINDY" (2014)



                  

PIXIES:  SINGLE "BAGBOY" ,  EP-1 (2013) Y EP-2 (2014):

Tras la marcha de la insustituible Kim Deal (y el reemplazo de Jeremy  Dubs), los de Boston han publicado dos EP y un single con sus primeros temas desde su reunificación de 2004 - al margen del single "Bam Twok",-  y también desde su disolución de principios de los 90. Y lo han hecho regalando las 8 nuevas canciones desde su web y obteniendo gran éxito de ventas en iTunes. Con críticas dispares en ambos sentidos, lo cierto es que en las nuevas canciones se echa de menos a la otrora bajista y a su creatividad que tan bien se equilibraba con los excesos de Frank Black o Black Francis. Por el momento no han enunciado su incorporación en un álbum. ¿ Sus portadas lo insinúan?

"BAGBOY" (2013) : Unas guitarras sucias encima de unos ritmos hip-hoperos presentan los berreos de Frank  hasta el canto de Kim Shattuck  (suplandando la verdadera Kim ) . Discreta pieza de relleno que no justifica el retorno de tal magistral formación.

EP-1 (2013):
Este primer EP fue  muy criticado, y razones no faltaron:  la falta de carisma y de fuerza, se juntaron con inventos sonoros difíciles de comprender. Aún así  no puede decirse que sus canciones fueran malas,  si que carecían de algunos de los ingredientes "made in Pixies".
"Andro Queen"  no se puede reconocer a sus autores. Experimento fallido de Dream Pop de voz distorsionada y alejada, es a la fin monótona y aburrida. Un intento fallido para evolucionar y ponerse al día tras las dos décadas de silencio, pues en nada podemos identificar la identidad de la banda que nos encandiló tiempo atrás.
"Another Toe In The Ocean" :  es mas guitarrera y aunque empieza a modo de hardcore es totalmente popera.  Quizás echemos en falta un poco de mala leche y espontaneidad en su ejecución, pero no podemos desmerecer esta composición de pop-rock americano.  
"Indy City" muestra lo más Pixie del EP. La canción sube con los parafraseos  y guitarrazos de Frank y luego baja con dulzura bajo un ritmo constante. Perfectos contrastes sonoros que tan bien han sabido hacer.
"What Goes Boom" con la aguerrida guitarra de Santiago,  es discreta y algo aburrida. Una pieza que encajaría mas en el repertorio de los Smashing Pumpkins mas mediocres que en la del combo que lo firma.


EP-2 (2014):
La segunda entrega en forma de Ep saciará algo mas a los fans ya que ofrece mas elementos reconocibles de los Pixies. Siendo conscientes del paso del tiempo y de la pérdida de energía, espontaneidad y embrutecimiento sonoro (la producción está muy cuidada), es en términos generales un regreso positivo.
"Blue Eyed Exe" es la más cruda y ruda del EP. Con un Francis despedezando la voz como en sus mejores días, una guitarra deslizante y los instrumentos perfectamente acompasados. De lo mejor de su vuelta a los estudios.
"Magdalena"  con su ritmo lineal y repetitivo, sus coros en falsete y una guitarra frágilmente distorsionada, carece de la tensión y los climas inquietantes de antaño para quedar bien acabada .
"Greens And Blues" tiene la épica de los Pixies ancestrales y la candidez de los discos de Frank Black, es pop ligero melódico del bueno, quizás se encuentra alejada de la crudeza característica de la banda pero no por ello deja de ser buena. Aunque quizás pueda llegar a recordar los Foo Fighters mas popies, hubiera sido todo un éxito si hubiera estado firmada por una banda desconocida.

"Snakes" es otra que desagradará a los más puristas de los "duendecillos", pues ciertamente suenan a su versión descafeinada, tirando mas por el pop uniforme y olvidando sus alto-bajos y sus desgarros sonoros. Lo mejor, la guitarra acústica y ese aire al  John Grant menos electrónico.

Publicado en http://www.eldestiladorcultural.es/musica/indie/pixies-ep-1-y-ep-2/

Por Alejandro Guimerà







PIXIES:  INDIE CINDY(2014):

Por fin lo tenemos aquí.  Han tenido que pasar 23 años desde el "Trompe le Monde" (1991) para que los duendecillos publicaran un nuevo larga duración. Tras unas provechosas giras de los últimos años, la reciente huída de la Kim Deal (sustituida por Jeremy  Dubs), y  la publicación de 3 EP y un single de adelanto en los últimos meses, nos llega este "Indie Cindy" del cual ya conocíamos su contenido. Con críticas dispares en ambos sentidos, lo que no podemos poner en duda es que en el nuevo trabajo se echa de menos a la otrora bajista, pues su dulzura y creatividad compensaban los excesos de Black Francis, cada vez mas Frank Black. Y es que lo nuevo tiene más en común con el material de su líder en solitario que en el legado de la mítica banda. Aunque en cualquier caso, se trata de un buen disco que mantiene el tipo con momentos bastante interesantes.
¿Qué destacamos de "Indie Cindy"? Pues la cruda "Blue Eyed Exe" con la voz despedezada de Francis y la guitarra deslizante que recuerda a los mejores días de la banda. También la épica y atractiva "Greens And Blues", con su tono pop ligero y melódico que a muchos les evocará a los Foo Fighters mas popies;  y "Another Toe In The Ocean" con su inicio hardcore  y su fabuloso desarrollo de pop-rock americano. Para la que da nombre al disco recuperan la fórmula  Pixie con las subidas y bajadas,  los parafraseos  y guitarrazos de Frank y los perfectos contrastes sonoros con momentos de dulzura y bajo el constante ritmo del bajo y batería. "Ring The Bells" es pop luminoso con ecos a Brian Wilson,  y "Jaime Bravo" es power pop del bueno al que quizás le falta una pizca de sal . "What Goes Boom" con la aguerrida guitarra de Santiago,  puede llegar a ser aburrida a pesar que  grupos como los Smashing Pumpkins no dudarían en incorporarla en su repertorio.
Los momentos más discretos llegan con "Magdalena", cuyo ritmo lineal y repetitivo nos hace añorar la tensión y los climas inquietantes de antaño, y con la uniforme "Snakes" puede sonar a una versión descafeinada de los de Boston, con su guitarra acústica y aire al  John Grant menos electrónico.  No puede negarse que el combo han intentado evolucionar y no refugiarse en su legado. Aún así encontramos fallidos experimentos  como el single "Bagboy" y sus ritmos hip-hoperos escondidos tras sucias guitarras y berreos de Frank  dando paso al impostado canto de Kim Shattuck  (suplandando la verdadera Kim ) .  Otro exerimento desacertado, en este caso hacia terrenos Dream Pop, lo encontramos en "Andro Queen", cuya  voz distorsionada y alejada, nos lleva a la monotonía y aburrimiento. 
A pesar de todo hay que ser  justos y no olvidar que el paso del tiempo  hace perder  toda energía y  espontaneidad  juvenil, y para el caso  también el  embrutecimiento sonoro  y la rudeza inquietante de antaño.  A cambio tenemos buenas composiciones y una  producción muy cuidada que dan como resultado un compendio que supera con creces a la media de lo que llega a nuestras manos. Lo cual debe valorarse, en términos generales, como un regreso positivo.

Por Alejandro Guimerà






miércoles, 9 de julio de 2014

BRYAN FERRY en el AUDITORI DEL FORUM (BARCELONA 5 DE JULIO DE 2014):


 Mucho tiempo ha transcurrido desde que Bryan Ferry irrumpiera junto a Brian Eno en el panorama Glam con su propuesta pop-rock de vanguardia. Atrás ha quedado un maravilloso legado de una de las bandas seminales del rock todos los tiempos, Roxy Music. Afortunadamente su alma mater y cara mas reconocible ha ido rescatando su espíritu y llevándolo a nuestros días con mas o menos fortuna (a olvidar su último paso por la ciudad condal con la desdibujada versión que ofreció en el Sonar).
Dichosos nosotros que en su última gira ha exhibido su mejor cara, lo que ya pudo comprobar el público de la Rivera de Madrid, y lo que cercioramos cuantos nos congregamos en el Auditorio del Forum la noche del sábado en el marco de la 25 edición del  Festival de Guitarra.
Y es que el divo sexagenario puso de relevancia su actual buen tono, sus ganas de seducir al respetable y su perenne carisma sobre las tablas.  Respaldado por una joven y lujosa formación en la que la paridad de sexos (cuatro hombres y cuatro mujeres), el virtuosismo y el sex-appeal saltaban a la vista, confirmó que Bryan siempre fue el coreógrafo y el ideólogo escénico de los Roxy. No en vano apareció ante los focos ataviado con unos pantalones de cuero, una floreada y vistosa chaqueta y una pajarita desatada, cual Dandy taciturno que es.

Arrancando motores con la cardinal y lejana “Re-Make Re-Model” la cosa pintaba muy bien, luego la balada ochentena “Slave To Love” (del rememorable disco en solitario“Girls And Boys” de 1985) lo confirmaba. Muchas mas vendrían a modo “son todas las que están pero no están todas las que son”, pues el tiempo y la energía son limitados. Para mencionar algunas otras emergieron “Oh Yeah”, “Laydytron”, la epopeya “If There’ s Nothing” (una de las tres del debut de RM que aparecieron),  “In Every Dream Home a Heatache” con su electrizante desarrollo final apoyado por unos magníficos juegos de luces,  “Take A Chance With Me” o  la instrumental “Tara” con la que aprovechó para tomarse un descanso en el backstage y pasarse a camisa negra. Del icónico “Avalon” (1982) luego interpretaría a los teclados las esperadas “More Than This”, algo lenta y descafeinada, y la propia “Avalon” con la que levantó de sus butacas merecidamente a muchos de los asistentes. Fue en la recta final  y con “Love Is The Drug” cuando las avalanchas de los fans invadieron los primeros asientos para dar al evento el merecido ambiente rock. A aquella la siguieron las enérgicas “Virginia Plain” y “Both Ends Burning” que pararon momentáneamente el show que se reemprendió con los bises “Let’s Stick Together” - celebrada, bailada y coreada-,  “Editions Of You” y la esperadísima y emocionante versión del “Jealous Guy” de Lennon que puso la cereza a un pastel delicioso para los paladares mas exquisitos.

A destacar las presencias de la saxofonista y clarinete (teclista ocasional) con sus elegantes atractivos y del fenomenal guitarra solista luciendo una camiseta de Kate Moss y todo su talento a las cuerdas. Fueron parte de un engranaje sonoro que funcionó a las mil maravillas y que capeó a nuestro protagonista hacia la excelencia. Máxime cuando este se ve bien vocalmente y no olvida sus modos educados y románticos.
Grandilocuente y humilde, histriónico y sereno, algo displicente pero siempre profesional, Bryan Ferry resplandeció cual estrella que es con su singular elegancia dejando claro, además, que a sus 68 años es capaz de traernos una velada que seguro que se situará entre los mejores directos del ejercicio.





Texto Àlex Guimerà   - Fotos Saso

Crónica publicada en http://www.eldestiladorcultural.es/musica/rock/bryan-ferry-auditori-del-forum-barcelona-5-de-julio-del-2014/

jueves, 3 de julio de 2014

IT' S ALL OVER NOW! Un recuerdo al soulman Bobby Womack, creador del primer éxito de los Rolling Stones:


El cantante y compositor  Robert Dwayne Womack murió la semana pasada a los 70 años por causas que se desconocen, según informó su representante la noche de ayer. Al parecer el bueno de Bobby se encontraba ultimando un nuevo disco "The Best Is Yet To Come" para el que iba a contar con colaboraciones de lujo como Stevie Wonder y Rod Steward. El de Cleveland (Ohio) recientemente había superado un cáncer y se encontraba en las primeras fases de Alzeimer.
Recordar que el año 2009 el malogrado Womack fue incluido en el Salón de la Fama del Rock' N Roll gracias a una meritosa trayectoria musical que arrancó en los cincuenta cuando se erigió en un referente de la comunidad gospel.

                                   
Luego en los sesenta formó parte junto a sus hermanos del grupo The Womack Brothers luego The Valentino' s, como también fue guitarrista de acompañamiento del gran Sam Cooke.
Mas tarde emprendería una exitosa carrera en solitario componiendo himnos como "It' s All Over Now" versionada por los Rolling Stones - que fue el primer número uno de los ingleses - o las exitosas "Across 110th Street" (utilizada por Quentin Tarantino) y "If You Think You´re Lonely Now”. Con un legado de discos del que muy pocos pueden presumir, sus mejores momentos llegaron a principios de los setenta con joyas de la talla de "Communication" (1971), "Understanding" (1972) o "The Facts Of Life" (1973). Además de tocar todos los palos: Funk, Soul, Rythm' n Blues, Country, Pop,...


                                    

También pasó una larga travesía en el desierto merced a sus problemas con las drogas que finalmente pudo superar para seguir publicando discos, actuando y colaborando con músicos dispares como Damon Albarn (en Gorillazz), Lana Del Rey o Ronnie Wood (en un álbum en solitario del rollingestone).
Y como los de su especie, murió con las botas puestas, ya que su último concierto fue en Amsterdam el pasado día 19 de este mes. No sabía vivir de otro modo. Descanse en paz.
4 de marzo de 1944-27 de junio de 2014



Publicado en http://notedetengas.es/it-s-all-over-now-muere-el-soulman-bobby-womack/

martes, 1 de julio de 2014

DISCOS DEL 2014: EELS- THE CAUTIONARY TALES OF MARK OLIVER EVERETT:


El bueno de Mark Oliver ya lleva 11 discos de estudio publicados en menos de 18 años, sin contar las bandas sonoras, los recopilatorios de caras B ni los logrados directos - tampoco los dos interesantes discos como "E" -, algo que no es habitual en unos tiempos en los que los músicos se toman largos periodos para preparar sus trabajos. Lo bueno es que los discos de EELS siempre traen cosas buenas y nuevas y nunca defraudan. Todo ello se debe seguramente a lo que su autor siempre ha manifestado y es que necesita componer, como si fuera una necesidad vital como el respirar, crear canciones le ha ayudado siempre ha superar su tormentosa vida.

En el nuevo disco, además, se quita la máscara de "EELS" y "Mr. E" e incluye su nombre real en el título. Como una especie de catarsis  (la enésima)  el bardo de Virginia presenta 13 nuevas canciones en las que según él son  "un extraordinario documento íntimo de la lucha personal de Mark Oliver Everett".
Ya desde el clásico piano inicial de "Where I' m At" comprobamos que el disco no nos defraudará. Desde un clima íntimo y relajado el bueno de Mark nos va contando sus experiencias partiendo desde el presente (la mencionada canción que abre el disco), pasado  (la dinámica "Where I' m From" y su guitarra acústica americana) y futuro (la esperanzadora "Where I' m Going") . A partir de allí va narrando sus historias a través de preciosismo ("A Swallow In The Sun"),  ensoñación ("Lockdown Hurricane"), oscuridad e inquietud ("Dead Reckoning" con un órgano que puede llegar a ser irritable),  dinamismo relajado ("Mistakes Of My Youth"), simplicidad ("Parallels"). En "Series Of Missunderstandings" nos muestra nuevamente su faceta de cantante de canciones de cuna poniendo voz de falsete y todo.  Y es que el de Virginia ha vuelto a explotar recursos que ya conocemos de sobras en él, pero usadas con una habilidad que hace que no nos cansemos de sus creaciones: Desolación, minimalismo, intimidad, relajación,... y un sinfín de cualidades perfectamente aprovechadas para nuestro disfrute y para su personal expiación. Porqué proliferación y repetición pueden ser compatibles con la calidad.

Por Alejandro Guimerà

Publicada en http://www.paisajeselectricos.com/2014/05/08/the-cautionary-tales-of-mark-oliver-everett-de-eels/