domingo, 14 de agosto de 2016

Crónica del Concierto: Joan Dausà + Kings of Convenience en el Festival de Cap Roig ( 1/8/16):


El Festival de Cap Roig arrancó con el mes de Agosto en su jornada mas alternativa. Y es que el evento estival de Calella de Palafrugell está centrado hacia un público pudiente mainstream. Así, este verano han desfilado por el escenario del Castillo del Cap Roig gente como Rod Stewart, Status Quo, Amaral, Sergio Dalma o The Corrs.
En este contexto y en un inmejorable y frondoso entorno frente al mar, los más acérrimos fans del dúo noruego se juntaron con el pijerío mas aborrecido que se dejó caer por el lugar sin conocer a los protagonistas del show que iban a ver.
Tras una rápida cena en la glamurosa zona lunche, Joan Dausà abrió la velada solo y a la guitarra para “aprovechar los 20 minutos” que tenía y demostrar su simpatía y tablas con el público al que contó su actual proyecto de revisar su cancionero traducido al inglés. Fue de este modo como su vozarrón y entrega dejaron caer cinco temas anglosajones al son de una acústica que sonaba muy depurada y cercana. Según contó Joan era la primera vez que interpretaba estas canciones en inglés ante su gente tras haberlo hecho antes en Inglaterra e Irlanda. Fue de este modo como salieron los “nuevos temas” los poderosos ” Talking about you and me”, ” Leave me here for ever” o la favorita de su padre “The beautiful song” que reflexiona sobre la muerte. También tuvo tiempo de saludar a su profesor de inglés presente, un tal Eddie Murphy, contar que aunque muchos de sus temas son tristes él es una persona alegre y bromear con el técnico de luces por la potencia de sus efectos. La fugaz actuación terminó con ” I never ever” (“Jo mai mai ” en la original) y ” Call me”.



Un interesante y breve concierto de un prometedor cantautor catalán que intenta abrirse fronteras. Talento no le falta.
Después de cinco minutos de parón, llegó el plato principal de la velada con Kings Of Convenience. El dueto de Bergen (Noruega) formado por Erlend Øye – el de las gafas – y Eirik Glambek Bøe, con tan solo tres discos de estudio desde principios de milenio se han hecho un nombre en el panorama indie a través de su folk-pop con influencias de otros géneros (bossa-nova, música barroca, synth pop,…). Con un set minimalista dispuesto para los dos guitarristas, los dos cuarentones nórdicos se adentraron sigilosamente al escenario para presentarse tímidamente con un escueto ” somos Kings Of Convenience y venimos de Bergen, Noruega”. Ya de seguida un plato fuerte con la melancólica “Winning A Battle Losing The War”, preciosa y delicada, quedó harmonizada con el cálido anochecer mediterráneo. Luego la siguió “Toxic Girl”, también del disco “Quiet Is The New Loud” de 2001. Para la siguiente, “Singing Softly To Me” comenzaron las primeras conexiones con el público cuando invitaron entre bromas a chasquear los dedos con el fin de marcar el ritmo.



Tras ella, el directo comenzó con dinámicas perezosas, hasta que en la recta final despegó gracias a grandes temas y al carisma y simpatía del dueto en cuestión. A destacar el sentido de humor de Erlend que gracias a su gesticulación teatral, bailes histriónicos y chistes, que animaron a una audiencia que acabó muy entretenida, a pesar del immobilismo de su compañero Erlik.



Con ello, llegó la bossa-nova de “24-25”, “Know How” y “Mrs. Cold” (fabulosa la sudadera que vendían con los logos de Mr. y Mrs. Cold en el puesto de mercadotecnia). También la coreada “Boat Behind” o las estupendas “Misread” y “I’ d Rathee Dance With You”, con todos los allí presentes puestos de pie bailoteando al son del mini piano y de la guitarra.
Para los bises la joya de la corona, la sensacional “Homesick”, un tema que no solo tiene los ingredientes deSImon & Garfunkel – guitarras, segundas voces y melodía – sinó que también lleva algo de magia de aquellos. Y el cierre, con “Little Kids” que cumplió perfectamente con su papel de fin de fiesta.
En cuanto el show terminó, el dúo se acercó a la mesa de merchandising a firmar camisetas y libros, y a hablar con los fans, con un Erlend que se atrevió a bailar durante un buen rato entre ellos. Una nota curiosa para rubricar el buen sabor de boca con el que abandonamos el bucólico lugar costero.

Por Alejandro Guimerà



viernes, 5 de agosto de 2016

GRANDES DISCOS: Revolver (1966) por THE BEATLES (50 Aniversario):


Otra de las grandes efemérides de este 2016 es que se cumplen 50 años desde el lanzamiento del disco "Revolver", el disco que lanzaría a los Beatles hacia nuevos terrenos musicales (avanzado con "Rubber Soul") que cambiarían el rock para siempre dándoles infinitas posibilidades antes desconocidas y encumbrándolo a la categoría de arte. Un paso del entretenimiento juvenil a forma artística que llegó con la madurez de este cuarteto irrepetible.

En 1966 John, Paul, George y Ringo llevaban mas de tres años de frenético  estrellato mundial. Sesiones de grabación maratonianas, constantes ruedas de prensa, películas, galas  institucionales, giras agotadoras, incesante agobio de las fans quinceañeras y exigencias de su discográfica Capitol (EMI) de publicar dos discos anuales con hits inmediatos.
Exhaustos de ese modo de vida, a la vez que inquietos e inconformistas con su música, decidieron que había que poner fin a unos conciertos en los que la música era lo de menos, al quedar ahogada por los chillidos de un público que les adoraba cual atracción de feria.  De este modo fue como decidieron de cancelar las giras para centrarse en tareas de composición y producción de discos - donde mas cómodos se sentían -, motivados además por las enseñanzas de otros rockeros como Dylan, los Byrds o los Stones.
Para empezar con el nuevo disco eligieron una portada vanguardista obra del amigo de la época de Hamburgo Klaus, el alemán Voorman (por entonces bajista de los Manfred Mann) y barajaron varias propuestas de título antes de dar con el definitivo. Desde "Abacadabra", descartada por haberla usado otra banda, "Free Wheelin' Beatles", "beatles On Safari" o "Magic Circles".
"Revolver" fue gravado entre abril y junio en los estudios Abbey Road y bajo la supervisión del quinto Beatle George Martin y del ingeniero de sonido Geoff Emerick, en unas sesiones en los que la experimentación, las dificultades y las diversiones se repartieron en partes iguales y en las que la introducción de la doble pista fue la principal novedad.
                            

El disco lo abre "Taxman" de George Harrisson, con su voraz crítica al sistema de impuestos británico, una sección rítmica impagable con un bajo de Paul en estado de gracia y unos riffs de escándalo, como el que causó George al citar de modo expreso al primer ministro y al líder de la oposición.
Le sigue "Eleonor Rigby", una auténtica oda a la soledad a cargo de McCartney, que se acompañó de un cuarteto de cuerda - es el primer tema del rock en el que no aparecen ni guitarras ni baterías - y unos coros sobervios
Mas clásico es "I' M Only Sleeping" de Lennon que retoma los discos anteriores en el apartado musical, a escepción de las guitarras invertidas que complicaron las cosas a George Martin, pero que trae una poesía introspectiva  y personal que tanto explotaría su autor en el futuro.
Otro salto titánico de  la banda viene nuevamente de la mano de Harrisson quien da rienda suelta a su fascinación por la cultura hindú con "Love You To" en el que el uso del sitar indú es introducido en la música popular occidental y con la que da un mensaje de amor universal preámbulo del hippismo.
La ternura llega de la mano de "Here, There And Everywhere",  inspirada en "God Only Knows" del Pet Sounds y compuesta por Paul en poco mas de una hora tumbado en la piscina de John. En el estudio la deliciosa melodía se engordó con delicadas voces en armonía. Es la cara cándida de la psicodelia.

                             

El contrapunto desenfadado la trae la simpática e inmortal "Yellow Submarine", cantada por la voz nasal de Ringo y dedicada al público infantil a pesar de las especulaciones de mensajes ocultos.  De estribillo facilón, trompetas y efectos sonoros cómicos, de la canción surgió una película de dibujos con su banda sonora. Amén que en ella participaron Donovan, Marianne Faithful y Brian Jones, entre otros cantando o en los efectos sonoros.

Mas oscura es "She Said She Said" ideada tras un viaje con LSD de John en Los Angeles con Peter Fonda en la que aquel le contó una experiencia suya cercana a la muerte.

                             

La cara B se abre con un divertimento de Paul "Good Day Sunshine", que compuso con los Lovin Spoonful en la cabeza y que grabaron con un piano, bajo y baterías dobladas.

"And Your Bird Can Sing" podría encajar con el repertorio anterior del grupo por letra y música a no ser de la forma con la que John la canta poniendo toda su alma y casi desgarrándose las cuerdas vocales. Al parecer el tema fue una imposición para llenar el cupo y John la escribió odiándola.

                      
"For No One" es una de esas joyas minimalistas que Paul nunca ha dejado de regalarnos. Tierna y frágil, su belleza viene acompañada por una simple instrumentación y por una corneta inglesa lacrimógena.

Una de las últimas composiciones a cuatro manos entre John y Paul trata de un médico de clases  acomodados que recetaba a sus pacientes drogas a diestro y siniestro. De guitarra memorable, ritmo lisérgico y un puente onírico-somnoliento (como el efecto de las drogas).

Otra de las creaciones del benjamín del grupo George es " I Want To Tell You" con la que vuelve a rehibindicarse tras la dupla John-Paul quienes la habían descartado. Afortunadamente Paul accedió a incluirla para poder experimentar con ella tras los mandos.
                                    

Lo mismo hizo con su "Got To Get You Into My Life", de base jazzística y alma psicodélica, con unos vientos cuyos instrumentsitas fueron elegidos por el propio Paul tras patearse varios  locales de Jazz del Soho.

El disco concluye con uno de los mejores ejercicios de psicodelia de la época, "Tomorrow Never Knows" surgida de la mente de John regada de LSD, de ritmo hipnótico y batería de Ringo memorable, con ella experimentaron en el estudio, dando con nuevos efectos sonoros, gravando guitarras al revés, reverberando la voz, jugando con el multipistas....

                            

A pesar de lo atrevido de la nueva propuesta de los de Liverpool, el elepé estuvo varias semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos en ambos lados del Atlántico y su influencia en los grupos de la época fue letal, pues tras "Revolver" se sucedieron los discos innovadores y las bandas creativas en un año 1967 que quizás es el mas cosechado que haya tenido el rock, pues entre otros, fue el año de la continuación de este, el extraordinario "Sgt Pepper' s Lonely Hearts Club Band" y el año en que comenzaron las discrepancias y desunión de los cuatro. Pero bueno, esto es otra historia.     


Por Alejandro Guimerà








Tomorrow Never Knows

Turn off your mind, relax and float down stream
It is not dying, it is not dying

Lay down all thoughts, surrender to the void
It is shining, it is shining

Yet you may see the meaning of within
It is being, it is being

Love is all and love is everyone
It is knowing, it is knowing

And ignorance and hate mourn the dead
It is believing, it is believing

But listen to the colour of your dreams
It is not leaving, it is not leaving

So play the game "Existence" to the end
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning