Muere Scott Walker a los 76 años:

Fallece Scott Walker, nacido como Noel Scott Engel (9 de enero de 1943 Ohio, 22 de marzo de 2019 Londres), miembro de The Walker Brothers con quienes gravó singles como "The Sun Ain' t Gonna Shine Anymore" o "No Regrets" para en 1967 arrancar una carrera en solitario en la que encadenó discos de gran talla como son "Scott" (1967), "Scott 2" (1968), "Scott 3" (1969) y "Scott 4" (1968); y luego más adelante un disco de vanguardia publicado en 1995 "Tilt" con el que se labró un gran prestigio como músico experimental. 

Dotado de una gran voz de crooner y un carácter con el que rehuía de la fama y del reconocimiento público, sus participaciones en bandas sonoras también son notables, siendo su último trabajo publicado en 2016 "The Childhood Of Leader". Ídolo del mismísimo David Bowie, su estilo ha sido un referente que ha alcanzado el pop actual con nombres como Tom Yorke o los "Last Shadow Puppets" entre sus emuladores. Se nos va otro de los grandes...descanse en paz.

MY DEATH ("Scott", 1967)
My death is like
A swinging door
A patient girl who knows the score
Whistle for her
And the passing time
My death waits like
A bible truth
At the funeral of my youth
Weep loud for that
And the passing time
My death waits like
A witch at night
And surely as our love is bright
Let's laugh for us
And the passing time
But whatever is behind the door
There is nothing much to do
Angel or devil I don't care
For in front of that door
There is you
My death waits like
A beggar blind
Who sees the world with an unlit mind
Throw him a dime
For the passing time
My death waits
To allow my friends
A few good times before it ends
Let's drink to that
And the passing time
My death waits in
Your arms, your thighs
Your cool fingers will close my eyes
Let's not…

DISCOS EN DIRECTO DEL ROCK IMPRESCINDIBLES (I):

Si bien la historia de una banda de rock se resume con su legado discográfico, su leyenda se va forjando a través de los conciertos. Es encima de las tablas dónde la música fluye, la actitud está más presente que nunca y dónde nacen y crecen las legiones de fans. Afortunadamente a lo largo de las décadas muchos son los artistas y grupos que han sabido plasmar la esencia de sus directos en un LP, muchos de los cuales mejoran sus grabaciones de estudio. Es por ello que desde el rocknroute queremos hacer un repaso de algunos de los directos que se nos antojan imprescindibles.




DEEP PURPLE- Made In Japan (1972):




Gravado entre las ciudades japonesas de Osaka y Tokyo los días 15,16 y 17 de agosto de 1972, el disco se publicó a finales de año para erigirse en uno de los imprescindibles de los setenta. Contando con la formación clásica de la banda con Ian Gillan (cantante), Ritchie Blackmore (guitarrista), Roger Glover (bajista), Jon Lord (teclados) e Ian Paice (batería) , la banda se alejó de la psicodelia y de otros experimentos para abrazar el rock' n roll de pegada y publicar una trilogía de infarto con  "In Rock" (1970), "Fireball" (1971) y "Machine Head" (1972) con los que alcanzaron la cima en popularidad y les llevó a una gira mundial que testifica este "Made In Japan". Con una edición original de siete temas - luego han sido publicadas versiones Deluxe y extensiones - , los ritmos frenéticos, solos desbordantes, gritos imposibles de Gillan y teclados memorables se pierden en piezas míticas de la banda como "Highway Star", "Child In Time", "Space Truckin'" y como no la inmortal "Smoke On The Water".

LOU REED- Rock 'n Roll Animal (1974):

Tras el deprimente y amargo "Berlin" (1973) de poca acogida comercial, el ex- Velvet Undergound publicó este discazo grabado en 21 de Diciembre de 1973 en el Howard Stein's Academy of Music de New York en el que recupera las piezas de la Velvet “Sweet Jane”, “Heroin”, “White Light, White Heat” y “Rock and Roll”  junto a "Lady Day"  (¡solo cinco temas!) que afronta de forma bestial junto a músicos de nivel como los guitarristas Steve Hunter y Dick Wagner, futuros miembros de la banda de Alice Cooper por cierto. Riffs sucios, solos electrizantes y gritos salvajes alargan unas piezas cargadas de letras sórdidas y bajos mundos. Sublime.

SAM COOKE -Live at Harlem Square Club (1963):

Grabado el 12 de enero de 1963 en Harlem Square Club de Miami, un club reservado al público negro, el genio del Soul y del Pop dio un recital que fue toda una exhibición de carisma, energía y poderío musical. Interpretando únicamente gemas de su propio puño y letra como "Twistin The Night Away", "Cupid", "Having A Party" o la mejor versión que se hecho nunca de "Bring It On Home to Me"; "Live at Harlem Square" es fiel testimonio de uno de los mejores hacedores de canciones de la historia. Mención a parte de la bandaza de acompañamiento (con siete músicos) con el mítico saxofonista King Curtis. Desafortunadamente, RCA tuvo guardada esta joya en el cajón hasta que en junio de 1985 decidió editarlo en disco. Para aquellos que les sepa a poco no se pierdan "Live At The Copa" que Cooke gravó y publicó en 1964.

JOHNNY CASH- AT SAN QUENTIN (1969):



Un año después de hacer historia grabando un disco en un centro penitenciario (nos referimos a Folsom), Johnny Cash vuelve a gravar entre rejas y ante reclusos un álbum memorable. Para ello se fue a la prisión californiana de San Quentin esta vez para abordar únicamente diez temas, repitiendo por aclamación del temido respetable el propio tema "San Quentin" . Con la ayuda de las voces de June Carter la Carter Family y la guitarra del gran Carl Perkins el disco se registró el 24 de febrero del 68 para que Columbia lo lanzara en junio del 1969. En los surcos uno escucha el sonido de la grave voz  y los discursos de Cash, de los instrumentos perfectamente engrasados y de los gritos de libertad de los presos. Como estar allí presente. 


PD: nos decantamos por este directo del "Hombre de negro" y no por el "At Folsom Prison" (1968) puesto que de aquel ya hablamos en el blog. Ver: http://rocknroute.blogspot.com/2009/02/grandes-discos-johnny-cash-at-folsom.html

Por Àlex Guimerà

GRANDES DISCOS: "Sufrer' s Choice" (1962) por DICK DALE & HIS DEL-TONES:

Cuando hablamos de surf rock a todo el mundo le vienen a la mente los Beach Boys y a los más avispados quizás les suene Jan & Dean o The Ventures, pero antes de aquellos es justo hablar de un guitarrista zurdo llamado Dick Dale que puso los cimientos de una forma de rock y de un modo de tocar la guitarra eléctrica, de la que fue pionero su primer disco: "Sufrer' s Choice" de 1962.
Pero pongámonos en contexto. A finales de los cincuenta la juventud bienestante de la soleada California había adoptado como forma de vida un deporte proveniente de Hawaii, el surf, consistente en desafiar las olas del Pacífico subidos encima de una tabla. Todo encajaba pero al "surf life style" le faltaba banda sonora, pues el emergente rock n roll no acababa de encajar. 

Muy lejos de allí y unos años antes,  concretamente en Boston y en 1937, nacía bajo el nombre de Richard Anthony Monsour (luego auto nombrado Dick Dale porqué le sonaba a cantante Country) en el sí de una familia con raíces eslavas y libanesas, raíces que fueron decisivas en la construcción de su sonido. Como también lo fueron el hecho que su familia se trasladara a Quincy (también en Massachussets) dónde el joven Dick aprendió a tocar el piano, se prendó por la música Country y por Hank Williams, comenzando a tocar también el ukelele y acabando con una guitarra con la que se metió de lleno aprendiendo todas sus técnicas. Luego en su último año de instituto sus padres le llevaron hacia El Segundo (California) en dónde comenzó a surfear con gran pericia cuando no estaba tocando. 

                           

Seguidor de los nuevos sonidos del rock' n roll, el joven Dick se obsesionó con el volumen del sonido de su guitarra, para lo que se dotó de un amplificador de 100 vatios, como también introdujo la púa en el uso de las seis cuerdas, instrumento que acabó dominando con un virtuosismo fuera de lo común.

Tras forjar una carrera discreta a mitades de los cincuenta con singles como "Let' s Go Trippin", llamando finalmente la atención de Deltone Records con quienes grabó en directo junto a sus Del-Tones y bajo la producción de Jim Monsour en los estudios de Rendezvous Ballroom de Balboa Beach los 18 cortes de su larga duración de debut "Surfer' s Choice" para revolucionar la música rock del país. Unos Del-Tones que estaban formados por los guitarristas Art Munson y Nick O' Malley, el bajista Bryan Dietz, el batería Jack Lake y los saxofonistas Armon Frank y Barry Rillera.

                     

El espíritu de la vida de los surfistas - del que él era un aguerrido practicante hasta que se popularizó - queda reflejado en la que es la primera portada del rock en la que aparece el surf, con la imagen del propio guitarrista deslizándose por una ola. Su contenido, el primer tratado surf rock y surf instrumental con esa reinvención del rock que daba a los surfers un sonido propio.

Son el Blues salvaje de  "Surfing Drums" con el ritmo robado de Boo Diddley,  la versión taciturna y roquestrada del clásico popular que luego nos encandiló de la mano del Pet Sounds (1966) "Sloop Johnny B", los doo-wops desgarradores "Fanny Mae" y "Night Owl" recordando al mejor Dion y los mediotiempos rockabillys "Peppermint Mind" y "Lovey Dovey", estos últimos inspirados en las enseñanzas de Gene Vincent o Eddie Cochran.

                              

Pero el eje del álbum lo encontramos en piezas instrumentales en los que las guitarras surfean sin parar. Son los"Surf Beat", "Take It Off", "Shake n Stomp" y más de bajada "Death Of A Greamnie". Luego "Misrelou Twist" que fue el paso previo de "Misrelou" con sus violines desgarrados. Y una formidable "Let' s Go trippin' " a toda marcha.

Quedaron fuera del álbum aunque luego añadidas en las futuras reediciones otras gemas instrumentales como "Del-Tone Rock", "Eight Till Midnight", "Run For Life" y sus aromas orientales, "Jungle Fever" con sus efectos sonoros pre-psicodélicos,  o el esplendoroso soul cantado poderosamente "Lovin' On My Brain.

Y la joya de la corona, "Miserlou" (también conocida como "Misrlou"), una pieza clásica griega convertida en una auténtica joya pop con unos arpegios memorables de guitarra, una estructura oriental y unas formidables trompetas mejicanas. De ella se han hecho muchas versiones, reinvenciones pero fue en 1994 cuando quedó popularizada para siempre gracias a la película de Quentin Tarantino "Pulp Fiction".

                     

Un disco influenciado por el rock, pero también por el Country, la música oriental y la mejicana, esta última íntimamente ligada con el surf rock. Si bien en sus continuaciones, y en especial en "King Of The Surf Guitar" de 1963, se adentró en la fusión de estilos y en los efectos de guitarra, es su debut el que marcó la senda a las nuevas bandas surferas.

Amigo de Leo Fender, con quien mantuvo una estrecha colaboración en el diseño y mejora de las guitarras y amplificadores y de quien obtuvo su letal Stratocaster con la que recorría las escalas con una velocidad de los dedos por el mástil inauditas, en una carrera que tuvo su esplendor en el periodo 62-66 y a la que luego quiso mantener fiel a sus ideas musicales, rebelde y alejado de la vida pública, su relación con la industria musical fue puntual - a destacar "Tribal Thunder" de 1993 - con discos de versiones y colaboraciones puntuales con gente como Steve Ray Vaughan, pero también forzado a dar giras por todo el mundo en salas pequeñas para poder pagar sus gastos médicos, para el deleite de una audiencia menor que le ha encumbrado con toda justicia como músico de culto y pilar fundamental de la primera década completa del rock. Con razón uno de sus más fervientes seguidores fue otro zurdo a la guitarra llamado Jimi Hendrix, como también más adelante inspiró al movimiento heavy Metal al que muchos le atribuyen su paternidad, al menos en los solos más difíciles de guitarra.

Por Alejandro Guimerà



SLOOP JON B:

We come on the Sloop John B
My grandfather and me
Around Nassau town we did roam
Drinking all night
Got into a fight
Well I feel so broke up
I want to go home
So hoist up the John B's sail
See how the main sail sets
Call for the Captain ashore
Let me go home, let me go home
I want to go home, yeah yeah
Well I feel so broke up
I want to go home
The first mate he got drunk
And broke in the Cap'n's trunk
The constable had to come and take him away
Sheriff John Stone
Why don't you leave me alone, yeah yeah
Well I feel so broke up, I want to go home
So hoist up the John B's sail
See how the main sail sets
Call for the Captain ashore
Let me go home, let me go home
I want to go home, let me go home
Why don't you let me go home
(Hoist up the John B's sail)
Hoist up…

DISCOS DE 2019: WEEZER/ Weezer (The Teal Album):

Parece que ya nos hemos acostumbrado a la proliferación de álbumes de Weezer. Y es que  desde 2014 prácticamente editan un álbum al año , lo que no sabemos si es bueno o malo. Por un lado parece que ellos van a lo suyo y que las exigencias de tempos discográficas les importan un bledo, pero lo cierto es que a excepción del notable " Everything Will Be Alright In The End" (14) que contenía temas pegadizos y enérgicos de power pop que nos recordaban a sus álbumes "azul" y "verde" (¿curioso que los tres tuvieran como productor a Ric Oasek de The Cars ?) , el resto han pasado sin pena ni gloria. Hablo de su "White Album" de 2016 y "Pacific Daydream" de 2017.

Para la ocasión se tiñen de color turquesa para empaquetar un disco de versiones de clásicos de los ochenta, setenta e incluso anteriores.  El artilugio parece un capricho del lunático pero a la vez genial Rivers Cuomo, y podemos decir que si bien la cosa no es que aporte demasiado, el álbum se deja escuchar bastante bien.

Decimos que poco va a aportar ya que las versiones no lo son tanto sino más bien covers pues plagian a los originales aportando poco de la esencia de la banda, echando de menos mas impacto de las guitarras power pop marca de la casa.

Es el caso del arranque con un "Africa"  de Toto que en el subidón se aprecian los guitarrazos pero que se pierde en clavar las voces de los también angelinos. Le siguen "everybody wants to rule the world" de los británicos Tears For Fears, con sus ritmos precisos y "Sweet Dreams" que busca la original de 1983 de los Eurythmics con sus adorables sintes  y no se distrae con el invento que hizo Marilyn Manson una década más tarde. En plenos 80s llegamos a la icónica "Take On Me" de A-ha para ponernos a bailar con el órgano aunque esta vez con la voz de Cuomo que logra afinarse más que nunca y clavar unos coros para nada sencillos.

                         

El disco alcanza cierto anacronismo cuando aparecen dos temas más lejanos en el tiempo. El primero el Sunshine Pop "Happy Toether" de The Turtles con todo su colorido y esplendor. Le sigue el "Paranoid" de los Black Sabath, concesión a la devoción al metal que siempre ha profesado Rivers .

El momento E.L.O. lo trae "Mr. Blue Sky", como las anteriores clavando a la original, y el desconcierto con "No Scrubs" de LTC recordando a aquella "Baby ... One More Time" con la que Travis versionaron a Britney Spears a finales de los 90.

 Para el cierre, la versión descafeinada de Michael Jackson con "Billi Jean", en la que la garganta de Cuomo pierde ante la poderosa del malogrado Rey del Pop. Con menos energía y algo desafeinada, la cosa cruje quizás por las veces que hemos escuchado la original. Más acertada es "Stand By Me " de Ben E King que anda por libre, ni busca la original ni a la popularizada por John Lennon.

                           

Como surgido de la nada, el "teal album" nos ha caído de sorpresa ya que de los Californianos únicamente teníamos conocimiento de que el 1 de marzo era la fecha del lanzamiento de su "Black Album" del que se conocía la portada y dos de sus diez cortes "Can' t Knock The Hustle" y "Zombie Bastards", un disco al parecer ideado como contraste del blanco de hace tres años y que todo indica que sonará a latino e incluso a caribeño. La verdad es que preferíamos el pop poderoso y guitarrero de antaño de los autores de "Buddy Holly".

Por Àlex Guimerà

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Fallece Hal Blaine, el ritmo de los sesenta:

Hail Blaine, baterista de la Wrecking Crew, la banda de estudio de Phil Spector a principios de los 60, y músico de sesión de muchas de los mejores éxitos pop de finales de década falleció ayer a los 90 años. Su familia emitió un comunicado:

“Hal Blaine, padre amoroso de Michelle Blaine; abuelo de Anthony, Josh, Aaron, Whitney, Tempest, Ever y Lyryk; e inspiración para innumerables amigos, fans y músicos, ha fallecido hoy, 11 de marzo de 2019, a la edad de 90 años. Que descanse para siempre en un 2X4. La familia agradece vuestro flujo de apoyo y las oraciones que se han dedicado a Hal en todo el mundo, y respetuosamente solicita privacidad en este momento de riguroso luto. No se darán a conocer más detalles por ahora”.

                      

Nacido como Harold Simon Belsky el 5 de febrero de 1929 en Holyoke (Massachussets), a los 20 años estuvo dando clases de batería jazz, comenzando a tocar tres años después en clubs de Chicago. Así estuvo la década de los 50, en la que se pasó del jazz al rock hasta que entró a formar parte del equipo de Phil Spector con quien tocó los palos al lado de nombres como Leon Russell, Glenn Campbell, Sonny Bono, Jack Nitzsche o Carol Kaye en la mayoría de los éxitos de las Ronnettes, los Chrystals, Righteous Brothers o Ike & Tina Turner.

                              

Luego, su fama y prestigio en el sector llamó la atención de todo el panorama del pop-rock, pero también del mundo del Jazz vocal, por lo que tocó para gente como Elvis Presley, Frank Sinatra (también para su hija Nancy), Dean Martin, Mama' s & The Papa' s, Sony & Cher, Simon & Garfunkel, John Lennon, The Monkees, Sam Cooke, Byrds o los Beach Boys en las 35.000 sesiones de grabación y 6.000 singles que él afirmaba haber participado. 

                              

Con un álbum instrumental  "Drums! Drums! A Go Go" (1966) grabado para su lucimiento, nunca ha formado parte de ninguna banda formal ni salido de manera continuada de gira, pues lo suyo eran los locales de ensayo y de grabación. Miembro del Rock Hall Of Fame y Grammy honorífico en 2018, se nos va uno de los mejores baterías de la historia del rock, y el que seguro es el mejor (o al menos el más prolífico) batería de estudio de todos los tiempos.

Aquí un listado con muchos de los grandes temas en los que ha tocado:

Factoría Phil Spector:

THE RONNETES- Be My Baby / Best Part Of Me

CRYSTALS- He’s a Rebel / Da Doo Ron Ron/Then He Kissed Me

En el disco "A Christmas Gift For You" (1963)

THE RIGHTEOUS BROTHERS- Bowlin Green

IKE & TINA TURNER - River Deep - Mountain High

Leyendas del Rock' n roll:

ROY ORBISON- It's Over

ELVIS PRESLEY- Can' t Help Falling In Love / Return To Sender/ A Little Less Conversation/                                          Rock- A-Hula Baby

FATS DOMINO- Honest Papas Loves Their Mamas Better

DION-Only You Know

                     

Crooners y Standards:

FRANK SINATRA- Strangers In The Night/That' s Life

DEAN MARTIN- Everybody Loves Somebody

Pop 60 ' s:

THE BEACH BOYS- Good Vibrations /California Girls/ Barbara Ann/ Fun Fun Fun/ Help Me                                                 Ronda/ I Get Around/ en el disco Pet Sounds

THE BYRDS- Mr. Tambourine Man

SIMON & GARFUNKEL- Mrs. Robinson/ Bridge Over Troubled Water/Cecilia/ The                                                                    Boxer/America/I Am A Rock/A Hazy Shade of Winter

SAM COOKE- Another Saturday Night

SCOTT MCKENZIE - San Francisco (Be Sure To Wear Some Flowers In Your Head)

THE 5TH DIMENSION'S - Aquarius/Let the Sunshine In

MAMA' S & THE PAPA' S- California Dreamin'/ Creeque Alley/ Dream A Little Dream Of Me

SONY & CHER - I' ve Got You Babe

THE MONKEES- Mary, Mary/Midnight Train/ The Poster/Zor And  Zam/The Day We Fall In Love/

                               Sweet Young Thing

NANCY SINATRA- These Boots Are Made For Walkin' 

JAN & DEAN- Surf City/ Drag City

CONNIE FRANCIS- Where The Boys Are

BOBBY VEE- The Night Has A Thousand Eyes

PETULA CLARK- My Love

ALBERT HAMMOND - It Never Rain In Southern California

HERB ALPERT & TIJUANA BRASS- A Taste of Honey

JOHNNY RIVERS- The Poor Side of Town

THE ASSOCIATION- Windy

PAUL REVERE & THE RIDERS- Kicks

               

Pop 70's:

JOHN LENNON- Slippin' And Slidin'

THE CARPENTERS - Top Of The World/ Close to You

NEIL DIAMOND- Song Sung Blue/ Holly Holy/Cracklin’ Rosie

BARBARA STREISAND - The Way We Were/Love

TANYA TUCKER Tanya Tucker, ‘Lizzie and the Rainman

LEONARD COHEN- Death of a Ladies' Man

LAURA NYRO- Save The Country

AMERICA - Ventura Highway

STEELY DAN- Any World (That I’m Welcome To)

Country:

JOHNNY CASH- New Cut Road

JOHN DENVER- Like A Sad Song/ Annie' s Song

EMMILOU HARRIS- Evangeline/ Ashes By Now

GLEN CAMPBELL- Galveston/ Witchita Lineman/Try A Little Kidness

TRILOGÍAS DEL ROCK: ARETHA FRANKLIN:

El momento cumbre de la carrera de Aretha Franklin llegó con su fichaje por la Atlantic Records y el abandono con Columbia, quien había estado malgastando el tiempo empecinándose en hacer de Aretha una cantante de standards. Afortunadamente su nuevo sello le dio total libertad creativa surgiendo el infinito talento soul de la diva materalizado con una trilogía soul sin parangón. Tres álbumes en dos años que quitan el hipo. Si bien tras el exitoso "I Never Loved A Man The Way I Love You" se publicó un descafeinado "Aretha Arrives" (1967) marcado por un accidente de la cantante que le impedía tocar el piano. No obstante la trilogía magna se completó con otras dos obras maestras que tuvieron continuación poco tiempo después en "Spirit In The Dark" (1970) y el directo "Live At Fillmore West" (1971), los que acabaron de asentar a la de Memphis en el olimpo de las diosas de la música.

- I NEVER LOVED A MAN THE WAY I LOVE YOU (1967):

Tras la huída de Columbia Records Aretha estuvo bien asesorada por la mano derecha de Ahmed Ertugun de la Atlantic, Jerry Wexler (entre otros artífice del crecimiento de Ray Charles) quien ideó el plan para dar con el disco perfecto de su nueva estrella. Eligiendo composiciones de southern soul (con marca Otis Redding, Dan Penn o Sam Cooke), y apoyándose de la banda Muscle Shoals, Wexler dio con el marco ideal para sacar lo mejor de Aretha Franklin quien lo bordó aportando algunas brillantes composiciones pero sobre todo en las sesiones de grabación demostrando un nivel vocal e interpretativo que dieron con el que es uno de los mejores álbumes soul de todos los tiempos con gemas como "Do Right Do Man, Do Right Do Woman", "Dr. Feelgood" o "Save Me" . Mientras que con la versión de "Respect" de Otis, no sólo le dio una lección al soulman - al parecer ambos se picaron - si no que supo darle un giro de reivindicación feminista. Un disco lleno de personalidad de una artista que defendió los temas con toda el alma a la vez que presentaba una nueva forma de ver el papel de las mujeres en la música y en la sociedad. Colosal.

- LADY SOUL (1968):

Tras el strike que supuso el "Aretha Arrives" del año anterior, la confirmación del talento de la artista llegó con este "Lady Soul" con el que alcanzó el primer lugar de las listas de éxitos de su país especialmente gracias a las piezas "Chain of Fools"  y "(You Make Me Feel like) a Natural Woman". Aunque el resto del disco supo llevarse a su terreno las versiones de temas de James Brown, Ray Charles o Curtis Mayfield. De nuevo, aportaba también (dos) brillantes composiciones soul escritas de su puño y letra. La dama del Soul había llegado para quedarse.

- ARETHA NOW (1968):

Con apenas seis meses de diferencia de la anterior obra maestra y con todo el engranaje de la Atlantic Records a pleno pulmón Aretha se reafirmó con "Aretha Now" marcado por uno de los temas que más cantaría a lo largo de su carrera "Think", una joya surgida de su chistera. Pero también encontramos "I say a little prayer (for you)" del gran Burt Bacharach y la pegadiza "See Saw" (Steve Crooper), que acompañaban a nuevas y formidables versiones de los grandes del soul como Sam Cooke, Isaak Hayes y King Curtis que igual que en los anteriores trabajos la solista logró llevar hacia otra dimensión. Emoción, sentimiento, pasión, ritmos arrebatadores y la sensación de un nuevo disco para enmarcar.

Por Àlex Guimerà

DISCOS DE 2019: ATTICK LIGHTS- Love In The Time Of Shark Attacks:

Formados en 2005 por Kev Sherry (guitarra), Colin McArdle (bajo), Jamie Houston (teclados y piano), Tim Davidson (guitarra) y Noel O'Donnell (batería) no publicaron su disco de debut "Friday Night Lights" hasta el 2008 y su segundo trabajo "Super De Luxe" hasta 2013. Por eso, no es de extrañar que estemos a final de década para desempaquetar su tercer larga duración. Y es que los de Glasgow maduran sus discos y eso se nota, aunque madurar quizás no es la expresión más acertada ya que ha tenido que ser la discográfica española Elefant Records quien edite su material tras el desastre comercial con Island Records. Otra conexión con nuestro país es la remasterización que La Casa Azul hizo en 2015 de sus temas "Future Bound" y "War Years". Por cierto, otros que les han remasterizado son los Camera Obscura y los Fratellis. Vamos bien.

Comparados inevitablemente con sus compatriotas Teenage Fanclub, pero también con los Weezer más melódicos, la verdad es que a uno le vienen a la cabeza los Dropkick, banda también escocesa y poco reconocida que, de igual forma, sigue la estela de los autores de "Bandwagonesque", pero también de Big Star y, como no, de los dioses del folk rock de voces: The Byrds.

Con todo, uno aborda este "Love In The Time Of Shark Attacks" con todas las ganas, y ya desde la primera escucha ve que no le decepcionarán. Con diez cortes y el adelanto de uno de sus singles con una cara B con una versión de "Bright Eyes" de Art Garfunkel, el álbum incluye espíritu pop a raudales, guitarras contundentes, melodías a voces y muchas referencias musicales (aparte de las mencionadas, Belle & Sebastian, Atteck Camera, Boo Radleys, BMX Bandits....).

De entrada una excelsa "Never By Myself", de coros celestiales, estribillo pluscuamperfecto, lucido piano de acompañamiento y cierta euforia pop, rubricada por unos solos finales. La siguen "Ruby' s Song" un pegadizo rock' n roll soft, una desnuda "Fables" con dramatismo vocal a lo Brett Anderson y la emotiva balada "Come Back To Me" que recuerda a los Byrds de la etapa Gram Parsons más sosegados. Ese espíritu campestre se mantiene en la perezosa "Palace Of Loosers" y en "I Found A Girl", ésta llega envuelta de euforia indie.

"People Come On", triunfal con sus formidables vientos es carne de cañón de single, mientras que el power pop que dominó su anterior álbum lo traen "Louis" y "Kings Of Whatever" con guitarras a todo trapo y ritmos bailongos. Para el cierre ternura y sombras en una "Back  Rub" al piano.  

Luces y colorido pop desde las frías tierras de Glasgow, merced a una banda que si bien no innova demasiado nos edulcora estos tiempos tan grises para la música popular.

Por Àlex Guimerà

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