DISCOS DE 2016: VIOLENT FEMMES- WE CAN DO ANYTHING:

A menudo se les atribuye la paternidad del indie, cierto es que su disco de debut marcó una senda muy explotada a día de hoy.  En él aunaban la contundencia e inmediatez del punk a la acústica y al romanticismo melancólico del folk y del country  (Bob Dylan y Hank Williams se encontraban entre sus músicos favoritos) a lo que añadían ingredientes del  rockabilly y del surf pero también el poso psicodélico de otros de sus ídolos, la Velvet.

Surgidos en la calle a principios de los ochenta, cuando los veinteañeros Brian Ritchie (bajo) y Victor DeLorenzo (percusión) conocieron a un enclenque adolescente Gordon Gano (guitarra y voz) quien iba cargado de buenas canciones propias, las cuales empezaron a tocar en su natal Milwakee hasta que Chrissie Hynde (Pretenders) les invitó a subirse a los escenarios.

                               

Su libertad creativa y el alejamiento de los cánones comerciales les emparejaron con los grupos del denominado “Nuevo Rock Americano” (REM, Los Lobos o The Feelies), e inspiraron a otros grandes grupos americanos como Camper Van Bethoven, Orange Juicie o los Pixies. Cuando en los ochenta se llevaba el rock electrificado ellos tiraban de acústicas,  además de la temática adolescente de sus letras no siempre políticamente correctas - sin ir más lejos su hito "Blister I The Sun" es una oda al onanismo - junto con  sus "desfasadas influencias" les hicieron especiales.

                               

Ahora tras más de quince años de silencio discográfico y tras la publicación de un EP de retorno el año pasado " Happy New Year", el trío vuelve a por todas, habiendo solucionado demandas de derechos de autor por medio entre Gano y Ritchie y los sucesivos cambios de percusionista  -en la actualidad es John Sparrow tras la marcha definitiva de DeLorenzo en 2005 -.

Con la vistosa portada naif obra de Kevin Hearn de los Barenaked Ladies , el disco ha sido autoproducido por la banda y editado por PIAS America Records. El resultado para nada es decepcionante pues el combo recupera su amalgama de influencias y sonido clásico y lo hace con mucha energía y entrega. 

                                     

Como la inicial "Memory" que es un descarte recuperado de principios de los noventa. Su tono blues dylaniano, ritmo implacable y sus segundas voces finales logran atrapar al oyente de primeras.  Luego van apareciendo  la tabernera "I Could Be Anything" que es como una versión pulida de los Pogues, "Issues" de  ritmo juguetón, estribillo redondo y coros mas arreglados, y  "Holy Host" o"Foothills" en donde suenan como en sus inicios con unos trepidantes  rasgueos de guitarra y energía punk.  También hay espacio para las baladas épicas  ("What You Really Mean"), el rockabilly salvaje ("Travelling Solves), el surf  ("Big Car"), el Bluegrass  ("I' m Not Done") y el blues más perezoso y rudo ("Untrue Love" con la voz de Gano más profunda que nunca).

Un buen disco de retorno que revive las esencias de esta banda que quizás ya no tiene la juventud  ni  la espontaneidad  de antaño, pero sigue sabiendo hacer buenas canciones, las produce bien y con ello logra mantener nuestro interés en ellos. 

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/

ESPECIAL 50 ANIVERSARIO PET SOUNDS: Love & Mercy (2015)- Director Bill Polad:

 Fabulós bipic dedicat a un dels millors compositors musicals del segle XX, Brian Wilson. La pel·lícula se centra en entendre la ment del rocker tant en l' àmbit de la seva genialitat com en el de la seva malaltia.

Dividit en dos micro-films alternats basats en dues èpoques trascendents de la seva vida, en un es narra la seva evolució als anys seixanta amb la creació del "Pet Sounds" mentre que en l' altre s' observa un passatge decisiu de la seva vida als anys 80 on reclòs pel seu terapeuta coneix a la seva actual esposa.

                               
L' encarregat d' interpretar al Brian dels seixanta és un brillant Paul Dano (també apareix a"Destí: Woodstock" de 2009) a qui el paper li escau com un gua. Les similituts físiques, l' expressió de timidesa i introspecció del jove Brian són paleses en tot moment. 

                                              

Amb un començament fabulós on es recrea l' auge dels "Nois de la platja" a principis de dècada i on es reprodueixen les portades dels discos "Surfin' Safari" (1962), "Surfer Girl" y "Little Deuce Coupe" ( 1963) y on es veu a un perdut Brian absort damunt del seu llit (connexió amb la cançó "In My Room") ideant mentalment les mil melodies de l' obra magna venidera. Les festes, els germans Dennis (faldiller) i Carl (afable), el cosí Mike Love (xulesc i estancat en el surf-rock més primari), el pare Wilson (dèspota i humiliador), un atac d' ansetat de Brian...i com el fa prendre la decisió de quedar-se a casa i no anar de gira a fi de composar.

Aleshores aquesta meitat del film il·lustre el procés de composició de les cançons al piano, la inspiració amb l' LSD, les sessions de grabació amb un equip de músics clàssics (a l' estudi dirigint és on es veu més segur d' ell mateix al protagonista en qüestió) i quan convenç a la resta del grup de fer el salt qualitatiu en la música (amb l' hostilitat del Mike) qui acaben posant les meravelloses veus.

                                        

 En acabar la grabació del macro-tema "Good Vibrations" y el com s' inicia el procés del disc inacabat "Smile", tot plegat per acabar amb el colapse mental del geni, qui es deixa vènçer ajudat pels tràumes infantils, les drogues i la incomprensió artística.

                 
La altre part del film arrenca en el concessionari de Cadillacs en plens anys 80 quan un madur Brian Wilson coneix a Melinda Ledbetter (Elisabeth Banks). El Brian d' aquesta època ve interpretat per un John Cussac (també a "Alta Fidelitat" del 2000) que malgrat no coincideix físicament amb el personatge aporta una interpretació estupenda on recrea la fragilitat, il·luminació i ressignació. 

Aquesta part de la narració reflexa el control que el terapeuta Eugene Landy (Paul Giamatti) exercía en aquella època sobre el músic, a qui no el deixa la més mínima llibertat. Tot i així Brian i Melinda començen una relació en què conecten i on ella topa amb el "gurú salvador" d' ell, derivant en una lluita per alliberar-lo. Entremig, els personatges ens mostren pinzellades de la infància del Brian, per tot plegat acabar d' entendre un dels personatges més genials i indexifrables de la història de la música moderna.

GRANDES DISCOS: Pet Sounds (1966) por THE BEACH BOYS (50 Aniversario):

50 años ya de este disco fundamental para entender la evolución de la música moderna. Un disco que ha envejecido a las mil maravillas y que se seguirá escuchando cuando la mayoría de nosotros ya no estemos por aquí. Surgido de una de las mentes más maravillosas e indescriptibles del rock, capaz de imaginar cada uno de los sonidos, notas, matices y arreglos antes de grabarlo. Un disco que surgió de la obsesión de querer ser el mejor, de superar el legado de Phil Spector y de no quedarse atrás de los nuevos genios venidos de la vieja inglaterra, The Beatles. El disco que transformó la música pop de entretenimiento para adolescentes a Arte en mayúsculas. Maravilloso.

Los hermanos Wilson (Brian, Dennis y Carl), su primo Mike Love y Al Jardine eran unos auténticos mitos en la América efervescente post- Kennedy. Sus discos se contaban en éxitos, singles en las primeras posiciones de las listas de ventas, discos de oro, conciertos a lo largo del país y una aceptación del stablishment que los veían como los buenos chicos del vecindario. La fórmula era infalible, grandes voces harmonizadas, instrumentación rock de inspiración chuckberriana y letras que hablaban del amor juvenil, las maravillas del verano en California, los coches y el surf. Todo era perfecto y tenían crédito para rato. Pero no todo el mundo andaba satisfecho...

El joven Brian Wilson, víctima de ataques de ansiedad decidió hacer un parón de las incesantes giras para dedicarse a lo que mas le gustaba: la composición. Fue entonces cuando recluido en su casa dio rienda suelta a su mundo interior e ilimitada creatividad para visualizar en su cabeza un universo de sonoridades y melodías. Poco a poco fue componiendo unas canciones que empezó a plasmar con la ayuda de unos contrastados músicos clásicos conocidos como "The Wrecking Crew" quienes fueron recibiendo las concretas y constantes indicaciones del rockero. La idea de Brian era la de incluir junto con las habituales guitarras, teclados baterías y trabajadas armonías vocales de la formación instrumentos clásicos pero también efectos sonoros e instrumentos no convencionales como timbres de bicis, campanas,botellas de coca-cola,  ladridos de perro (de allí el título del disco) aunque al final también introdujo instrumentos africanos y por primera vez en el rock el electroteremin.

                                     

No hay que dejar de lado en la narración de esta obra magna la participación del publicista Tony Asher en las letras, pues el publicista trabajó codo a codo con el mayor de los Wilson para dar con la poesía perfecta para tanto fervor sonoro.

Un fervor que arranca al poner la aguja al comienzo del vinilo cuando escuchamos los arpegios de una excelsa "Would'nt It Be Nice" que se eleva a través de una amalgama sonora no falta de acordeones, arpas o timbales. Luego la espectral y algo mística "You Still Believe In Me" con un piano que marca el tono a pesar de las bocinas que se intercalan.
"That' s Not Me" se asemeja a los Beach Boys anteriores por su menos compleja producción y por contar con la voz principal de Mike Love aunque no por la estructura variable de su composición y por su onírico órgano.
                                      

"Don’t talk (put your head on my shoulder)" es pura orfebrería sentimental. Envolvente y delicada gira alrededor de la voz de Brian mientras los etéreos instrumentos van apareciendo, violines, flautas, metales, tambores y un bajo que emula los latidos del corazón.

Otra de las locuras magistrales que arroja el disco es"I' m Waiting For The Day" . Grabada en distintos cortes que luego se unieron, unas flautas y violines clásicos que entroncan con toda la artillería rítmica en los crecendos de una canción sin límites.

En cambio la tradicional "Sloop John B", propuesta  insistentemente por Al Jardine, fue la preferida del resto de la banda (a excepción de su cerebro, claro está) y la que mayor proyección comercial tuvo. Un buen final a una cara A letal.

                            

La segunda parte del álbum se abre con una de sus joyas de la corona: "God Only Knows" con un inspirado trabajo vocal de Carl Wilson en estado de gracia. Favorita de muchos músicos de la época (McCartney entre ellos), ligera a la vez que infinita, hace de la sencillez la genialidad para llegar directa al alma sin filtros.
La experimental "I Know There’s a Answer" conecta con la psicodelia a través del juego y la combinación de instrumentos que rompieron moldes en su época.
Para componer "Here Today" Brian tomó prestado de Bach su cambio de melodía a media canción, luego la llenó de saxos, un piano que suena como un clavicémbalo, el trombón, pandereta,....
El broche o cierre de oro lo pone la jazzística y tenue "Caroline No", lánguida y de preciosa percusión ambiental hasta los ruidos de trenes y perros, son los sonidos del vecindario de Inglewood (L.A.) en dónde vivieron sus primeros años los hermanos Wilson .

La puesta a la venta del álbum coincidió con las largas sesiones de grabación de "Good Vibrations" (de febrero a septiembre de ese año), por lo que el tema quedó fuera y acabó publicándose como sencillo. Solo imaginar su inclusión en el "PS" pone la piel de punta ya que "Good Vibrations" es quizás una de las mejores piezas del rock que jamás se haya publicado, apodada como "pocket symphony" y sin duda alguna la cota mas alta de talento a la que llegaron los hermanos Wilson y compañía.

                                          

Tanto el disco como el single cosecharon un gran éxito pero sobre todo causaron un gran impacto entre los rockeros de la época que lo vieron como una fuente de inspiración y un aliciente para superarse. Años después el tiempo lo ha encumbrado como uno de los elepés mas completos y decisivos jamás hechos y como uno de los hitos de la evolución de la música moderna del siglo XX. Lo asombroso de la historia es que todo comenzó en la tormentosa cabeza de un chico introvertido encerrado en su habitación que ya tenía el mundo a sus pies.   

God Only Knows Lyrics

I may not always love you
But long as there are stars above you
You never need to doubt it
I'll make you so sure about it

God only knows what I'd be without you
If you should ever leave me
Though life would still go on believe me
The world could show nothing to me
So what good would living do me

God only knows what I'd be without you
(God only knows what I'd be without you)
If you should ever leave me well life would still go on believe me
The world could show nothing to me
So what good would living do me

God only knows what I'd be without you
(God only knows what I'd be without you)

God only knows
God only knows what I'd be without you
God only knows what I'd be without you

God only knows
God only knows what I'd be without you
God only knows what I'd be without you

God only knows
God only knows what I'd be without you

DISCOS DE 2016: THE CORAL - DISTANCE INBETWEEN:

Cuando saltaron a la palestra a principios de milenio fueron encasillados injustamente con un brit-pop rezagado por culpa de sus pegadizos singles "Pass It On" y sobre todo de la por entonces omnipresente "Dreaming Of You". Pero la realidad demostraba que The Coral iban por otros derroteros, pues surgidos en la escena de Liverpool junto, entre otros, a The Zutons, lo suyo era mirar hacia el folk-pop y la psicodelia californiana de finales de los sesenta y principios de los setenta en lugar del legado musical del swinging London. Así, los ritmos y los efectos sonoros se adueñaron de los discos del durante mucho tiempo septeto (discos publicados anualmente de 2002 a 2005), desapareciendo paulatinamente de los focos de la prensa y de los premios musicales. Pero ellos han seguido allí. Liderados por los hermanos Skelly han sido capaces de editar hasta siete discos, y ahora este "Distance Inbetween" que llega avalado por una carrera sólida y por la incorporación de Paul Molloy (The Zutons) a la guitarra solista. Además, entre medio han ido sacando discos en solitario y fundando la disquera Skeleton Key Records.

Grabado en los estudios de Liverpool Parr Street, los temas son descartes de su anterior disco "The Curse Of Love" (2014) compuestos además en 2006. Aún así los temas han sido remodelados con una potenciación de una de sus mayores armas, los ritmos, con los efectos de los sintetizadores y con la guitarra de Molloy con sus distorsiones y variedades sonoras magistrales. Y por si fuera poco, a las habituales influencias vemos tintes de krautrock, rock industrial, garage e incluso blues.

Con esta variedad de ingredientes y con cierto endurecimiento, encontramos los martilleantes samplers y el misterio de "Connector", "Fear Machine" con sus gorgoritos de guitarra y efectos reverberantes tenebrosos, "Chasing the Tail Of a Dream" con sus ecos a los Pink Floyd más primarios - ya fue adelantado como single de regalo en su web en navidades de 2015 - o "Miss Fortune" con la que muestran su cara más popera de la banda y con la que entroncan con el maravilloso debut de los también ingleses Temple. También aparecen lúcidos y bailongos en "Million Eyes" y en "Holy Revelation", mástil en mano. En las baladas "Beyond The Sun", "It' s You" y en la que titula el disco, en cambio, aparcan los guitarrazos y se ponen a navegar entre sintes reposados.

                        

Menos reposados son los que llenan la instrumental "End Credits", con la que se concluye la escucha de este disco con gancho en el que los brillos y colores de antaño se ensucian y oscurecen, sin por ello desmerecer lo más mínimo el nuevo disco de esta banda que en sus inicios contó con David Bowie entre el público de sus conciertos.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2016/04/the-coral-distance-inbetween.html

DISCOS DE 2016: DYLAN LEBLANC- CAUTIONARY TALE:

Dylan LeBlanc se presentó en el cambio de década con un notable "Paupers Field" (2010), que le reportó grandes elogios y comparaciones con el mismísimo Townes Van Zandt. Canciones como "If I Creek Don' t Rise" - que contaba con la participación de la gran Emmylou Harris-, revelaban el talento de este muchacho de Shreveport (Lousiana)  capaz de ofrecer una mirada personal y renovada a las baladas country con una prodigiosa voz y muchas dosis de calidez musical. La continuación del disco, "Cast The Same Old Country" (2012), no se hizo esperar aunque acabó recibiendo malas críticas ya que se alejaba de lo esperado, quizás por carecer de la frescura del debut que intentaba suplir a base de  ambientes misteriosos y, en ocasiones, con estructuras musicales desordenadas .

Para su tercer largo, el joven cantautor ha querido tomarse su tiempo y madurar unas composiciones que finalmente han quedado fabulosamente empaquetadas en los diez cortes de este álbum que vuelve a recuperar las mejores esencias de quien lo firma. Si bien con "Cautionary Tale" (traducido como Cuento con Moraleja) Dylan LeBlanc se aparta de la balada country para acercarse hacia el folk-pop más universal explotando su mejor arma:  la evocación de sentimientos.

Con unas texturas que se llenan de pianos, guitarras acústicas, slides, tenues baterías, la mandolina marca de la casa y unos sentidos violines, la voz de Dylan planea por encima de todo mostrándose cálida y cercana, romántica e íntima, y, sobre todo, dando muestras de un carisma perdido en su segundo elepé.

Así, encontramos evocaciones al soft-rock de bandas como Chicago o America ( "Cautionary Tale"), barroquismo de porcelana ("Roll The Dice"), ejercicios de blues ligero ("Look How Far We' ve Come"), épica ensoñadora ("Man Like Me"), apasionadas denuncias a las manipulaciones mediáticas y políticas ("Beyond The Veil"), aproximaciones a Roy Orbison ("I' m Moving On") o taciturnas y arenosas baladas ("Balance Or Fall").

Un disco bastante completo, de fabulosa producción y con cierto aire "comercial" que le va acercando poco a poco a la figura de cantautor indie consagrado, y a nombres como Josh Rouse, Neil Hastead, Iron & Wine,  o al Ryan Adams más sosegado. Ahora solo falta conocer cuál es su aceptación.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/

VELVET UNDERGROUND Vs. JULIAN CASABLANCAS (STROKES): Run, Run, Run:

La ciudad de Nueva York siempre ha sido cuna de la vanguardia artística y como no de la vanguardia musical. Así, en los sesenta la aparición de una banda como la Velvet Undrground ha agitado los cimientos del rock durante décadas. La banda capitaneada por Lou Reed y John Cale y surgida bajo el mantel de la Factoría del gran Andy Warhol propuso una nueva manera de entender el rock rompedora y que conectaba directamente con los bajos mundos, rompía con los esquemas musicales establecidos además de jugar con las performance en sus directos. De ellos se dijo que los pocos milares de compradores de sus discos en los sesenta acabaron montando una banda.

Lo cierto es que el grupo se reivindicó en los noventa cuando toda una generación de grupos de indie americano miraron directamente hacia su legado. Bandas como los Pavement, Yo La Tengo,

Con versiones de sus canciones van desde los Big Star en los setenta (Femme Fatale), los R.E.M. en los ochenta (Pale Blue Eyes o Femme Fatale), los mencionados Yo La Tengo (I Set Me Free), Rocky Erickson de los 13een Floor Elevators (Heroin), Beck (Venus In Furs), Joy Division (Sister Ray), Nick Cave And The Bad Seeds (All Tomorrow' s Parties), Nirvana (Here She Comes Now), David Bowie, quien produciría al mismo Lou Reed en Transformer (I' m Waiting For My Man), y un larguísimo etcétera que ha reconocido la grandeza irrepetible de los Reed, Cale, Morrisson y Tucker.

Y para este 2016, con la excusa de forjar la banda sonora del proyecto de la serie de la HBO "Vinyl" se ha añadido Julian Casablancas líder vocalista de los también neoyorkinos The Strokes. Para los mas despistados, la serie "Vinyl" se estrenó en los Estados Unidos la semana pasada y es una producción de ficción que trata los entresijos del mundo del rock de principios de los setenta. Por si fuera poco, la serie ha contado con la producción del gran Martin Scorcesse - amante del rock y director de documentales de The Band, George Harrisson, los Stones y Bob Dylan - y el asesoramiento del mismísimo Mick Jagger.

La serie que se presentó con el temazo que es "Personality Crisis" de los New York Dolls ahora acaba de anunciar una versión de "Run, Run, Run"  de la Velvet a cargo de Julian Casablancas.

La original pertenece a "The Velvet Underground & Nico" (1967) - Si si!! El disco de la portada del plátano - e incluye los clásicos solos de Lou Reed de dos notas. En la versión  Casablancas respeta bastante la original, su sonido sucio y la forma de cantar del propio Lou. Bonito homenaje de un digno heredero del rock de nuestros tiempos.

JULIAN CASABLANCAS- RUN, RUN, RUN

VELVET UNDERGROUND- RUN, RUN, RUN

ROCK' N BOOK (V):

Com cada any per aquestes festivitats lectores (Diada de Sant Jordi i "semana del libro") volem proposar-vos unes lectures rockeres. A llegir toca doncs!

• Bowie. Vida y discografía. Paolo Hewitt. Editorial Blume.





Aquesta incomplerta biografia del gran "Duc Blanc" no recull ni el seu final ni l' impactant "Blackstar", però ens du un repàs a la seva camaleònica trajectoria anterior vital i artística, amén de venir adornat amb meravelloses fotografies que ajuden a comprendre a aquest genial músic indispensable per comprendre els nostres temps.

• LEMMY. La autobiografía. Ian Kilminster/ Janis Garza (Es Pop Ediciones).

          Una altre biografia incomplerta és aquesta del també recentment desaparegut Lemmy on repassa una de les vides més apassionals del rocanrol marcada per la seva passió per la música, els excessos, la vida a Los Angeles, la fama i tot un seguit d' històries moltes desconegudes d' aquest personatge únic.

• Memorias de Neil Young: El sueño de un hippie. Autobiografía (Música Malpaso).

Per a aquells incombustibles del Neil Young , que no es perdin aquestes memories escrites pel propi músic i que han editat la magnífica editorial Malpaso. Una història d' amplificadors, trens elèctrics, pares abnegats, causes benèfiques, porros i alcohol i molt de rock n' roll.

• Ponche de ácido lisérgico. Por Tom Wolfe (Ed. Anagrama)

Tot un clàssic de la literatura del S. XX, Tom Wolfe (autor d' entre d' altres "la foguera de les Vanitats"), s' endinsa en un viatge en furgoneta on reviurà les essències del moviment hippie, les drogues, la música i la companyia de gent com Jerry Garcia (Grateful dead) o Ken Kesey (escriptor d' "Alguien voló sobre el nido del cuco").

• The Rolling Stones en el objetivo 1963-1969. Por Mark Hayward (Editorial Timun Mas).

 Repàs a les fotografies que en Mark Hayward va fer a ses "Majestats Satàniques" del 63 al 69. Molt interessant veure algunes de les darreres fotos de Brian Jones, just abans de morir. Disfresses, festes i moments interessants de la banda en la seva primera dècada d' existència.

• Stone Arabia. Por Dana Spiotta (Ed. Blackie Books).

Aquesta escriptora italiana relata de forma magistral la vida d' una estrella del rock vinguda a menys a través dels ulls de la seva germana. Punk, Power Pop i etapa de cantautor en búsqueda de l' obra perfecte en una narració que barreja realitat i fantasia.

• ¿Acaso molesta el ruido que retumba en mi sesera? Por Steven Tyler (Ed. Malpaso).

Autobiografía en castellà - traducció a càrrec del gran Ignacio Julià - del hiperactiu lider i solista dels mítics Aerosmith. Un repàs des d' un punt de vista força parcial a la trajectòria vital de la persona i de la banda, des dels primers èxits en els setanta fins les seves incursions en la televisió. Ideal pels que els interessi les vides a base de sexe, drogues i rock. 

• Lennon. Por David Foekinos (Editorial Alfaguara).

L' escriptor francès David Foekinos es fica literalment a la pell del Beatle per anar desgranant tota la seva vida des de la més profunda intimitat sentimental. El relat parteix de les reflexions que Lennon va fent al seu psiquatre en l' època final de la seva vida. Una interessant novela que ajuda a entendre al geni de les ulleres rodones i revela algunes informacions potser desconegudes pel lector.

• 501 cançons catalanes que has d'escoltar abans de morir. Per Jordi Bianciotto.

                                        

El crític musical Jordi Bianciotto ens selecciona 501 cançons de pop-rock en català imprescindibles i ens realitza una explicació per a cada d' una d' elles de la seva història i del seu procés de creació. Tot i notables absències i seleccions errònies el llibre resulta molt interessant per aquells qui vulguin descobrir artistes i cançons cantades en la seva llengua.

Fallece PRINCE a los 57 años de edad:

Menudo año 2016 que llevamos. Comenzando por el fallecimiento del gran David Bowie, ahora Prince, otra leyenda e ídolo del pop de los ochenta, ha seguido su fatídico camino. Ayer por la tarde se confirmaba por el publicista del músico a través de la agencia de noticias AP un rumor avanzado por las redes con un escueto "Con profunda tristeza, confirmo que el legendario e icónico artista Prince Rogers Nelson ha fallecido esta mañana en su residencia de Paisley Park a los 57 años".

Al parecer las últimas semanas el icónico guitarrista había padecido ciertos problemas de salud que le llevaron a cancelar dos conciertos y a tener que realizar el viernes pasado un aterrizaje de emergencia en Illinois (cerca de Chicago) para acabar ingresado por unas horas en un hospital.

El sheriff del condado, Jim Olson, emitía un comunicado en el que declaraba que a las 9.43 de la mañana del día de ayer recibieron una llamada en comisaría por la que encontraron a Cuando los agentes y personal médico llegaron se encontraron a un adulto inconsciente en el ascensor de la finca, acudiendo el equipo de emergencia sin que pudieran salvarle la vida con el masaje cardiorrespiratorio certificándose la hora de defunción a las 10.07 am.

Por el momento la policía está investigando las causas de la muerte, practicándose las próximas horas la autopsia.




En los alrededores de su vivienda (también estudio de gravación) de Paisley Park, Chanhassen (Minnesota) ya se empezaron a congregar sus fans, que consternados encendieron velas, dejaron flores y mensajes y cantaron sus canciones.

Nacido como Prince Rogers Nelson el 7 de junio de 1958 en Minneapolis, a lo largo de su carrera cambió de nombre por The Symbol, por "el artista antes conocido como Prince" (TAKAF), The Artist o Victor. Comenzó su carrera a finales de los setenta aunque los éxitos le llegaron entrada la siguiente década con discos como "Dirty Mind" (1980), "1999" (1982) y sobre todo "Purple rain" (1984) que fue la canción y banda sonora que le llevó directamente a la cima, así como la que le reportó un Oscar.

                                   

Cantante entregado, guitarrista virtuoso, arreglista y multinstrumentalista, es conocido como el creador del "sonido Minneapolis" en donde fusionó el funk, el rythm' n blues y el rock con la new wave y el pop ochentero.

Bajito de metro cincuenta y siete centímetros de estatura, era conocido por ser una persona muy reservada e introvertida a pesar de llegar a grabar hasta 30 discos de estudio, de ser centro de atención de las cámaras y de protagonizar muchas portadas en los ochenta, ganar siete premios grammy y conquistar las listas de éxitos. En la actualidad se encontraba promocionando los discos "HITnRUN Phase One" y "HITnRUN Phase Two" que editaron el año pasado tras un 2014 en el que también hizo doblete discográfico.
                           
El presidente de EEUU Barack Obama declaraba en un comunicado que "pocos artistas han influido en el sonido y la trayectoria de la música popular más inequívocamente o han conmovido a tantas personas con su talento. Prince lo hizo todo y fue uno de los músicos más talentosos y prolíficos de nuestro tiempo".

Descansa en paz, Príncipe del Pop.

Publicado en http://notedetengas.es/

LAS DIEZ MEJORES CANCIONES DE VAN MORRISON:

Cualquier excusa es buena para repasar las canciones de Van Morrison, aunque sea porqué a día de hoy cumple 71 años mas fresco que nunca, publicando discos (su último "Re-Working The Catalogue" es del año pasado), dando conciertos (en 2015 visitó Barcelona),...  Es por ello que queremos repasar algunas de sus mejores canciones.
Sin perjuicio de que cualquier lista como tal pueda ser opinable por su subjetividad, no tenemos que perder de vista que se trata de un divertimento y una forma de recordar a un gran cantante a través de su obra. No nos enrollemos mas, pues, y vayamos a ver cuáles son a nuestro criterio las mejores canciones del León de Belfast.

1- BABY PLEASE DON' T GO: Los inicios de Van Morrison en la música fueron dentro de esta magnífica banda llamada Them en la que cantaba, tocaba saxo y armónica y componía. Con ellos publicó dos discos y dejó monumentales canciones como esta "Baby Please Don' t Go" en la que mezclaban los sonidos negros que tan gustaban al joven Van y la música tradicional irlandesa. El mejor ejemplo del estilo de los maravillosos e imprescindibles Them.

2- GLORIA: Por si fuera poco la cara B de  "Baby Please Don' t Go" la llenaba esta brutal pieza surgida espontáneamente en un ensayo y que ha llegado a erigirse como un himno garage y a ser versionada infinidad de veces seguramente gracias a la sencillez de su métrica. La mejor versión llegó en 1977 a cargo de la gran Pattie Smith quien la incluyó en su "Horses".

3- BROWN EYED GIRL: Esta es la canción mas conocida del Van Morrison. Grabada como sencillo en 1967 y luego metida en el debut en solitario del bardo "Blowin' Your Mine" del mismo año, una compilación de temas gravados para publicarlos en formato de single pero que finalmente se editaron en LP sin su consentimiento. Años mas tarde el tema volvería a popularizarse gracias a una divertida escena de la película de Julia Roberts  "Durmiendo con su enemigo".

4- BESIDE YOU: Para grabar "Astral Weeks" (1968) Van Morrison se deshizo de toda su banda y contrató músicos afincados en la música celta. Fue entonces cuando profundizó con nuevos sonidos e instrumentos (flautas, violines, arpas,...) para crear la que es su mejor obra. Un disco dedicado a un amor fugaz con una bailarina que muestra el lado mas sentimental e íntimo del genio. Elegimos "Beside You" como podríamos haber elegido cualquier otro corte de esta obra magna.

5- MOONDANCE: Temazo perteneciente al disco del mismo nombre (1970) y con el que vendió por primera vez mas de un millón de copias. Aún no siendo publicado como single en su momento, su tonalidad jazzy encandiló al público y mostró la polivalencia compositiva del norirlandés.

6- INTO DE MYSTIC: Preciosa balada también incluida en el LP "Moondance" que juega con el nombre del río Mystic y la mística para narrar un viaje personal al lado espiritual. También se ha visto como un relato de un viaje amoroso. Y es que la profundidad y vida interior has sido uno de los temas que mejor ha sabido copar las canciones de este bajito artista de enorme vozarrón.

7- WILD NIGHT: Con "Tupelo Honey" (1971) el cantante buscó un disco con sonido country americano y en el que no faltara la espontaneidad de la banda tocando. Ejemplo de ello es la dinámica "Wild Night" que no puede evitar tener su sello personal y  muchas de sus influencias y raíces del pop de taberna.

8- BRIGHT SIDE OF THE ROAD: Saltarina pieza de estribillo pegadizo de 1979  - del disco "Into The Music" - que sin lugar a dudas se encuentra entre lo mas conocido del bueno de Van. Una canción optimista que anima a abandonar los momentos oscuros para buscar el lado brillante del camino. Un buen cierre a su prolífica década de los setenta.

9-  HAVE I TOLD YOU LATELY: A finales de los 80 muchas de las estrellas de los sesenta y setenta tuvieron una segunda juventud (Paul McCartney, Tina Turner, Phil Collins, Elton John,...). Van Morrison no fue menos y con la publicación de su disco "Avalon Sunset" (1989) tuvo uno de sus mayores éxitos comerciales. Mucha de la culpa la tiene esta romántica canción que cala en los huesos con su magnífica interpretación.

10- BORN TO SING: La carrera de Van Morrison ha perdurado a lo largo de los años sin que haya dejado de hacer lo que mejor se le da: cantar. Con una voz que ha sido muchas veces calificada como la mejor voz blanca de todos los tiempos, el de Belfast ha ido grabando canciones de enorme calidad. Como esta "Born To Sing" de 2012 con la que se puede ver tocar el saxo a este genio único en su especie.

Lista publicada en http://notedetengas.es/las-diez-mejores-canciones-de-van-morrison/

STARSAILOR / Good Souls: The Greatest Hits:

                  

Uno de los mejores discos de 2015 que no entró en las listas - por ser de otra categoría - es sin duda el (primer) recopilatorio de los británicos Starsailor, el cual nos dió la alegría de la vuelta de una gran banda que ya teníamos por perdida. Y es que no todos pueden presumir de haber grabado con el mismísimo Phil Spector (sus últimas producciones fueron "Silence Is Easy" y "White Dove"), tener un hit en las pistas de baile de todo el globo terrestre como "Four To The Floor", tener un vocalista de la capacidad de James Walsh y haber vendido más de medio millón de copias de su disco debut solo en el Reino Unido.

                                 
Con un sonido que en sus inicios bebía de las fuentes de la música negra de raíz (maravillosa versión de "Grandma' s Hands" de Billy Withers se marcaron para una cara B), luego tiraron hacia el indie pop de finales de los noventa. Esta banda con nombre de disco de Tim Buckley nos cautivó con su místico y sentido debut de 2001 "Love Is Here", un compendio de canciones que pasaba la mano por la cara a todos sus compañeros de generación (llámense Coldplay,Embrace, Doves o Elbow). Luego llegó su confirmación con "Silence Is Easy" (2003) en el que colaboró el creador del "wall of sound" - algo les debió ver - e introdujeron mas guitarras eléctricas y formas pop a la vez que mantenían su épica y sus melodías redondas. Lo que no mantuvieron fueron las ventas ya que el disco no se vendió demasiado bien, aunque los derechos por "Four To The Floor" bien los cobraron a mansalva gracias a un remix de Thin White Duke que estuvo presente en todas las discos y radios del planeta.



El tercer disco, "On The Outside" (2005), tenía todos los elementos para triunfar, aunque en esos tiempos los que arrasaban eran los Libertines, Franz Ferdinand y unos niñatos de los que todo el mundo hablaban, los Arctic Monkeys. Y nuestros protagonistas quedaron etiquetados en el desfasado "brit pop" cayendo en el olvido del mainstream inglés. Aún así, aguantaron el tipo dando giras y grabando un cuarto disco años después, un correcto "All The Plans" (2009).



La flameante compilación rescata todo este legado poniendo énfasis en la ópera prima (¡ hasta siete temas !) y regalando dos nuevas canciones como son "Give Up The Ghost" y "Hold On" para forzar a sus seguidores a hacerse con una copia. De lo primerizo hay mucho de lo mejor, desde la que titula el álbum, a las tristes baladas "Alcoholic", "Fever" y "Way To Fall" (esta levantaría a un muerto), la naif "Lullaby", la memorable "Tie Up My Hands" y la quizás mejor canción que hayan escrito jamás "Poor Misguided Fool", arrebatadora, melancólica y titánica. Luego aparecen dos singles indie pop al uso como son "In The Crossfire" con su mezcla perfecta de guitarras y pianos (santo y seña de la formación) y su desgarro vocal, y la mas desenfadada "Silence Is Easy" con esa proyección guitarrera que tanto se exprimió en las bandas de las islas de cambio de milenio. También tenemos la presencia de las dos "Four To The Floor", aunque a decir verdad la remezcla rompe el tono del paquete, la bastedad de los ritmos sintéticos si bien se arropa de la melodía olvida el sentimentalismo de los de Wigan. "Tell Me It' s Not Over" y "All The Plans" de su último LP hacen presencia recordándonos que aún tienen cosas que ofrecer, mientras que otras como la menor "Keep Us Toghether" o la acústica y creciente "Born Again" completan el nuevo plástico.

¿Imprescindible? Especialmente si no tienes el "Love Is Here" ¿Necesario? Sí, siempre que sea la excusa para volver a la carretera y al estudio de grabación. Veremos luego si se solo nos traen buenas nuevas canciones o si nos vuelven a dejar helados como en aquel lejano disco de 2001 con el que se metieron en nuestras almas.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2015/09/starsailor-good-souls-greatest-hits.html