23 edició del Festival In-Edit de Barcelona:

La vint-i-tresena edició del Festival In-Edit de Barcelona va finalitzar aquest diumenge 2 de novembre, novament amb un gran èxit d’assistència a les sales i amb diverses projeccions penjant el cartell de “sold out”. I és que el ja arrelat festival de documentals musicals ha tornat a oferir bons i variats llargmetratges per a tots els gustos, tocant tota mena de gèneres com el rock, el pop, el metal, el jazz, la salsa, el punk...

En aquesta edició, i per destacar entre tanta oferta, sobresortien pel·lícules com Ellis Park, dedicada al músic australià i còmplice de Nick Cave Warren Ellis; Depeche Mode: M, sobre el seu concert massiu del 2023 a Ciutat de Mèxic davant de 200.000 espectadors; Boy George & Culture Club; Lost Angel: The Genius of Judee Sill; Sun Ra: Do The Impossible; Copeland, sobre qui va ser el bateria de The Police; o l’esperada estrena de Spinal Tap: The End Continues, amb la qual el director Rob Reiner ens explica les noves peripècies dels membres de la llegendària (i fictícia) banda, que després de 15 anys de separació tornen a reunir-se.

En l’àmbit estatal s’han projectat les estrenes de Hombre Bala (Mikel Erentxun) i Hasta que me quede sin voz (Leiva), o l’interessant Mètode Víctor Nubla d’interpretació de Víctor Nubla sobre aquest agitador contracultural de la Barcelona dels anys setanta. Amb la participació de directors i protagonistes a les sales, però també amb la presència de músics i DJ amenitzant musicalment les projeccions, el festival ha tornat a regalar moments inoblidables i ha demostrat que és una cita obligada a les tardors de la Ciutat Comtal.

En aquesta edició, el premi al Millor Llargmetratge Documental Internacional ha estat per a La 42, del director José María Cabral, on retrata la vida d’un barri de Santo Domingo a través dels seus ballarins i artistes. El Millor Llargmetratge Documental Nacional ha recaigut en Flores para Antonio, d’Isaki Lacuesta i Elena Molina, que repassen la vida del gran Antonio Flores a través de la mirada de la seva filla, l’actriu Alba Flores. D’altra banda, el llargmetratge El canto de las manos, de María Valverde, ha rebut una menció especial del jurat per mostrar el procés de creació d’una versió adaptada a la llengua de signes de l’òpera Fidelio, de Beethoven.

Propostes molt interessants en un festival que acaba, un cop més, amb nota excel·lent per programació, organització i èxit de públic. Tornarem segur, però abans deixem impressions de dues cintes que ens han agradat especialment:

“LA GRAN BOGERIA (JOAN DAUSÀ)” (2025), dir. Pol Fuentes:

No cal ser seguidor de la música d’aquest cantautor de 46 anys de Sant Feliu de Llobregat (Barcelona) per gaudir del documental, ja que ens mostra el moment àlgid d’una carrera atípica amb dues fites destacades: els concerts al Palau Sant Jordi (Barcelona) i al Palau Vistalegre (Madrid) l’any passat. El film repassa aquests moments i el perfil del personatge a través d’imatges d’arxiu, entrevistes al protagonista i també a col·laboradors propers i figures de la cultura i la societat com l’entrenador de futbol Luis Enrique, el Mag Pop, Risto Mejide, Santi Balmes (Love of Lesbian) o coneguts periodistes de la ràdio i la televisió catalanes.

Així ens endinsem en el perfil d’un músic que és molt més que això: és un creador de gestes impossibles, un showman com pocs, un venedor irresistible i algú capaç de nedar a contracorrent en l’actual panorama musical català i sortir-ne victoriós. Sorprèn veure’l amb vint anys animant l’Estadi Olímpic de Montjuïc a la “Festa dels Súpers” davant de milers de nens i famílies; saltant sobre el públic i donant-se una “bona nata” que li va fracturar diverses costelles; organitzant concerts metòdicament; desplegant el seu do de gents amb altres músics o plorant per haver assolit fites que semblaven impossibles.

El documental se centra sobretot en els dos macroesdeveniments del 2024: primer, el concert al Palau Sant Jordi davant de 16.000 persones, amb tots els detalls de la preparació, els assajos, les llàgrimes en tocar la primera cançó al piano, els banys de multitud fins a fer que dos desconeguts es fessin un petó i el seu “salt al buit” proposant repetir el concert a Sant Sebastià, París o Madrid. Finalment va ser Madrid la ciutat que va acollir el directe del dissabte 26 d’octubre del 2024 davant d’11.000 fans, tot un èxit tenint en compte que totes les cançons són en català i que coincidia amb un Madrid-Barça. Dausà va sortir a jugar i va guanyar: va arrossegar els seus seguidors a passar el cap de setmana a la capital i a gaudir d’un xou amb moments com un duet amb Víctor Manuel, un altre amb Paula Koops, picades d’ullet al Clàssic i fins i tot un concurs de parelles sobre l’escenari. Un retrat d’un showman capaç d’anar més enllà de la música.

“IT’S NEVER OVER, JEFF BUCKLEY” (2025), dir. Amy Berg:

Amb l’aperitiu musical de Dani Vega (Mishima i Sr. Canario) a la guitarra, el documental arrenca amb força i fa justícia tant al músic com a la persona de Jeff Buckley. El film combina imatges d’arxiu, fotografies, paisatges, entrevistes, dibuixos i muntatges de vídeo per explicar una història coneguda però aprofundida fins al fons: l’abandonament del seu pare Tim Buckley, el paper clau de la seva mare, el refugi en la música, el descobriment del talent i d’una veu extraordinària, i la sensibilitat que el va convertir en un artista únic.

Escoltem testimonis de parelles, de la mare, de músics i d’amics com Ben Harper; descobrim les seves inquietuds, referents (Nina Simone, Led Zeppelin…) i veiem imatges de concerts mentre gaudim de la seva veu. Assistim a l’èxit de Grace (1994), però també a les comparacions constants amb el seu pare, les dificultats per crear un segon disc, l’aïllament final a Memphis i, finalment, la seva mort prematura al riu Wolf.

Minuts de patiment, però també de bellesa i sensibilitat: una història de joventut i eternitat. Un documental amb molta ànima.

Per Àlex Guimerà

Publicat en castellà a https://www.elgiradiscos.com/2025/11/in-edit-capturando-en-imagenes-el-alma.html

SLY LIVES! EL LEGADO DE UN GENIO (Questlove, 2025):

Para poner al lector en antecedentes: el director de este documental es Questlove (sobrenombre de Ahmir Thompson), el batería y líder de la banda norteamericana de hip-hop The Roots. Con “Sly Lives! El legado de un genio” confirma su exitoso debut tras las cámaras de “Summer Of Soul (...O cuando la revolución no pudo ser televisada)” (2021), un film con el que obtuvo el Oscar al mejor documental, un Grammy, un Sundance y un puñado de reconocimientos mas. Y la verdad es que el largometraje fue justo merecedor de tantos premios, ya no sólo por el testimonio que nos daba del festival de Harlem, sino por cómo lograba tocarnos el corazón a través de la música de genios negros inmortales como Stevie Wonder, Nina Simone, Mahalia Jackson, Gladys Night o Sly and The Family Stone. Y precisamente tomando el testigo de ese gran genio, convertido en banda, ahora nos sumerge en su carrera con esta película de 112 minutos de duración.

Alternando entrevistas de archivo del propio Sly Stone junto con testimonios actuales de los músicos y miembros de la familia Stone, pero también de otros músicos de renombre como André 3000 (Outkast), Nile Rogers (Chic) o el gran George Clinton (Parliament-Funkadelic), las reflexiones, los recuerdos y las emociones son el eje de un documental cuyo planteamiento se centra en el clásico esquema al que muchos músicos acaban sucumbiendo, y del que Sly Stone no logró escapar: el ascenso de un talento hacia el éxito y el descenso en espirales autodestructivas, para la ocasión por culpa de las drogas. Pero ante todo nos quedamos con el convencimiento de que Sly Stone ha sido un genio, un visionario musical y un músico capaz de inspirar a otros genios como pueden ser los mismísimos Prince o Miles Davis. O como etiqueta Questlove, Sly ha sido “un genio negro” con todo lo que ello conlleva, con las dificultades que supone para los afroamericanos asimilar el éxito en los EEUU. Especialmente en el momento en el que le llegó la hora al bueno de Sly, con un país metido de lleno en la Guerra del Vietnam, mientras en sus calles lidiaba con las luchas por los derechos civiles y los abusos contra los de su raza.

                                

Pero primero el director nos lleva hacia sus orígenes en Texas, antes de que su familia se mudara a California, lugar donde el pequeño Sly se sumergió en la música a través del coro de su iglesia, y ya de adolescente montando su primera banda de Doo-Wop. Con la fiebre del rock and roll descubrimos cómo de muy joven fue un reconocido DJ en una radio local de San Francisco para después saltar a la producción musical trabajando con solvencia para gente tan dispar como la banda pop The Beau Brummels, el soulman Bobby Freeman o Grace Slick , antes de que se uniera a los Jefferson Airplane. Esta capacidad de adaptarse a distintos estilos, su prodigioso talento para la música y para los instrumentos, hizo que finalmente fundara los Sly and The Family Stone junto con su hermano Freddie, Gregg Errico (batería), Cynthia Robinson (trompeta) y Larry Graham (bajo), quienes van apareciendo y narrando una historia al lado de imágenes de archivo de actuaciones de la banda. Una formación imponente que fue capaz de desarrollar varios géneros como el Soul, el Funk, la psicodelia e incluso el Jazz eléctrico, todo ello impulsado por la genialidad de su líder y factótum Sly. Pero el éxito chocó con las dificultades y prejuicios raciales y sobre todo con la lacra de las drogas, lo que le llevó a deambular encima de los escenarios, con plantones a sus fans y la paulatina pérdida de sus capacidades creativas.

                                       

Es a grandes trazos el resumen de un interesante documental que recomendamos que no os perdáis, en el que se traza el retrato conmovedor de la carrera de uno de los grandes artistas de los años setenta, quien tuvo que luchar con todas las dificultades que supone ser un genio negro en su país y con sus problemas personales, pero que a pesar de todo nos ha dejado un legado musical imbatible que ahora nos llega a las pantallas no falto de reflexión social y personal.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2025/04/sly-lives-el-legado-de-un-genio-de.html

"L'home dibuixat. Una conversa amb Jaume Sisa", de Joan Celdran y Àngel Leiro :

Para los amantes del buen cine documental y de la música pop se presenta obligatoria la cita anual que desde hace 18 otoños se celebra en los cines de Barcelona, el In-Edit Festival. Para esta edición post-covid y ya plenamente presencial, una de las paradas interesantes ha sido este documental titulado “L’ home dibuixat”, en referencia a la canción que cubre la cara A del primer single de debut en solitario de Jaume Sisa de 1968. Largos años han pasado desde entonces y una singular carrera artística de este genio y personaje atípico en el panorama musical capaz de crear un lenguaje, una estética y un sonido propio que lo encumbran como uno de los músicos pop de culto de nuestro país. Por ello, el periodista y amigo personal de Sisa, Joan Celdran, junto con el realizador Ángel Leiro, han grabado este documental con el que hacen un breve repaso a la trayectoria personal y artística del músico catalán, partiendo de una entrevista con él mismo a la que han añadido imágenes de archivo de sus actuaciones y entrevistas históricas.

                                

Ya de buen inicio el bardo deja claro que “yo siempre he estado escondido”, para que no haya dudas que con la conversación que verá el espectador no se resolverán los enigmas y las verdades del protagonista. Y es precisamente con esta idea con la que fluye el metraje, pues a lo largo de los escasos 58 minutos que dura el mismo no logramos entrar en la intimidad ni en la más profunda esencia de su persona. Por el contrario nos vemos resignados (lo que no es poco) con sus reflexiones etéreas, anécdotas puntuales e imaginario personal.

                           
Se trata de un repaso personal (desde la melancolía) por su infancia en el Poble Sec, por su juventud en la agitada Barcelona de los años 60 y 70, con la explosión artística del post-franquismo y sus primeros pasos con Grup de Folk y Música Dispersa (1970) – que nadie se pierda este disco de vanguardia pop – . o su intento fallido junto a otro inconformista del arte como Pau Riba por tocar en el Palau de la Música. Vemos pinceladas de la escena independiente de la sala Zeleste y de la publicación de discos (y la canción) icónicos como “Qualsevol nit pot sortir el sol” (1975), de la mano de aquel greñudo miope que cantaba diferente y hablaba de galaxias y personajes de dibujos animados. También su paso por el Festival Canet Rock en el que fue vetado por las autoridades del régimen, sus entrevistas y actuaciones televisivas y su retirada como Jaume Sisa para su reinvención poco exitosa como cantautor melódico en castellano bajo la identidad Ricardo Solfa.

                                      

Una interesante combinación de imágenes de antaño junto con reflexiones de madurez septuagenaria desde nuestros días, a la que se echa de menos la presencia de voces de terceros que nos presenten otros puntos de mira. Ello deriva en un film que aunque no logra alcanzar al cantautor galáctico, quien reconoce sus trabas para salir de su “escondite”, termina siendo un bonito esbozo de su personaje.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/11/lhome-dibuixat-una-conversa-amb-jaume.html

Summer Of Soul (..Or, When The Revolution Could Not Be Televised) (Dir. Ahmir Thompson):

                  

                    

El verano de 1969 ha sido recordado por Woodstock, el primer paso del hombre en la luna y por la retirada del ejército norteamericano de la fatídica guerra del Vietnam. En aquellos años especialmente convulsos para los Estados Unidos, además, los problemas raciales habían azotado muy fuerte a la población afroamericana con especial saña en los asesinatos de JFK, Martin Luter King y Malcolm X, que derivaron en graves disturbios en la calle. Quizás por ello - con el fin de calmar tensiones- el aperturista alcalde de Nueva York de entonces, John Lindsay, impulsó el Harlem Cultural Festival, que a lo largo de seis semanas desde el 29 de junio hasta el 24 de agosto de aquel año, se celebró en el Mount Morris Park de Harlem.

                                                

 

Pero lo curioso del caso es que en un festival en donde desfilaron grandes leyendas de la música de todos los tiempos no hayan salido a la luz sus imágenes hasta pasados 52 años. Y es que si bien el evento fue grabado por Hal Tulchin, las imágenes nunca llegaron a editarse ni a difundirse, quedando guardados en un sótano hasta que hace un par de años el guionista Robert Fyvolent descubrió su existencia y propuso a David Dinerstein su producción para lo que llamaron a Ahmir "Questlove" (batería de The Roots) para su dirección.

El resultado es un maravilloso documental que retrata de forma emotiva un momento histórico irrepetible, una música fascinante, un barrio único y una población muy especial, lo que ha llevado al film a ser galardonado en el Sundance Film Festival de 2021 con los premios del Gran Jurado y del Público al mejor documental.

                                           

El visionado se hace trepidante, su narrativa ágil y entretenida combina las historias paralelas con las imágenes de las actuaciones y las opiniones de sus protagonistas y de algunos de sus asistentes (los verdaderos protagonistas) que repasan un hito que sólo fue posible por el entusiasmo de su promotor y presentador, Tony Lawrence, quien aparece ataviado de varias formas.

                                   

Y por allí vemos actuar a un joven emergente y talentoso Stevie Wonder, justo antes de encarar la década que lo encumbró como uno de los grandes genios del pasado siglo, o el entusiasmo de The 5th Dimension presentando el pop luminoso de “Aquarius/Let The Sunshine In”, recordado por sus protagonistas, o el talento incomensurable de Mavis Staple y el proyecto que lideró su padre The Staple Singers, donde fusionaban góspel y soul, el pop soul de Gladys Night, David Ruffin y la Motown a sus espaldas, la fuerza de la naturaleza que era Sly and the Family Stone con su alucinante puesta en escena soul-funk psicodélica, la diva del jazz Nina Simone y la diva del Góspel Mahalia Jackson, el blues intenso de B.B. King (quizás aparece demasiado poco), los ritmos latinos abrasadores de Mongo Santamaría o los discursos emotivos de un joven reverendo Jesse Jackson.

 

Pero más allá de estos extraordinarios músicos el largometraje transita por el alma del festival y por sus historias paralelas. Así el espectador puede ver el rechazo con el que se vivió el alunizaje en el barrio de Harlem en dónde se abogaba más por mirar los problemas en la Tierra como la pobreza o la segregación racial. También revivimos el entusiasmo con el que las familias del barrio vivieron el festival, los peinados que lucían y sus vestimentas más en boga, la presencia de los Panteras Negras, pero sobre todo la ilusión y emoción con la que los 300.000 asistentes que desfilaron por el parque Mount Morris.

Aunque el clímax del documental llega de la mano de la actuación de la gran Mahalia quien secundada por Mavis se desgañitan llenas de dolor y rabia cantando “Take my hand, precious Lord” para rendir homenaje a Martin Luter King tras las sentidas palabras del reverendo Jackson rememorando el asesinato del activista en su presencia un año antes en el hotel Lorraine de Memphis. En la misma senda reivindicativa le sigue Nina desplegando su arte inmenso al servicio de la lucha por los derechos civiles de la población negra. Pero el “Harlem Cultural Festival” no solamente fue un acontecimiento para la población negra, si no que los puertorriqueños y latinos del barrio tuvieron su presencia encima y abajo de los escenarios, reivindicándose a través de sus ritmos y su latin jazz.

                                      
Para poner un pero, decir que el título no casa con la realidad ya que son varios los géneros musicales además del soul los que flotaron por las calles de Harlem ese año del cambio, pues el góspel religioso tuvo su peso, como también lo tuvieron el blues, el jazz, el funky y el pop. Una amalgama de colores que iluminaron un barrio tan sufrido como lleno de talento y fuerza.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/07/summer-of-soul-or-when-revolution-could.html

FESTIVAL IN-EDIT 2020 - 5 documentales:

Este pasado domingo día 8 de noviembre finalizaba la edición más especial del festival de documentales musicales In-Edit  que desde 2003 viene celebrándose en Barcelona y desde hace unos años ha ampliado también a otras ciudades del mundo como Madrid, Lisboa o Brasil. Por desgracia para este 2020 su edición ha venido marcada por la pandemia y la ha limitado a las proyecciones on-line desde su plataforma web, manteniendo sus actividades paralelas focalizadas en el ámbito del cine documental musical. De nuevo, documentales para todos los gustos e inquietudes de los que hemos querido hacer una pequeña selección, en presentación a nuestro país, de los films que más nos llamaban la atención de su extensa oferta.

 

 

Hitsville: The Making Of Motown (Dir. Benjamin Turner, Gabe Turner, 2019, UK-USA):

Desordenado aunque aprovechable película sobre la historia y sobre el alma de uno de los sellos más míticos de la música popular americana del siglo XX. Hablamos de la Motown, auténtica factoría de éxitos pop-soul de Detroit . Partiendo de una simpática conducción a cargo de unos lozanos Berry Gordy  (empresario, factótum y compositor) y Smokey Robinson, la narración fluye con el punto de partida del esquema empresarial que hizo el primero antes de su fundación y con la simpatía y complicidad de ambos, quienes se pasean por la mítica casa "Hitsville" recordando parte de su historia. Desde sus primeros éxitos como "Dancing In The Street" de Martha Reeves, al desubrimiento de auténticos genios como  Diana Ross, Stevie Wonder o Michael Jackson. Como también el éxito definitivo de "My Girl" con The Temptations o cómo Marvin Gaye rompió los esquemas de la discográfica y de la música popular en general para publicar un excelso "Whats Goin On", que da pie a rememorar la lucha de los derechos civiles de finales de los sesenta principios de los setenta. Por allí pasan también imágenes de archivo de sus protagonistas y entrevistas actuales con los hermanos Holland, los Jackson, Stevie Wonder, Mary Wilson o auténticos fans como Neil Young o John Legend. Por poner una pega, quizás la historia está demasiado sesgada y limitada a los ojos de Berry Gordy y se echa en falta cierto orden cronológico y narrativo, lo que queda suplido con la cercanía de la historia narrada por el creador de esta maravilla llamada Motown.

 

My Darling Vivian (Dir. Matt Riddlehoover, 2020, USA):

De obligado visionado para los fans del "hombre de negro" y altamente recomendable para todo aquel que haya visto el oscarizado biopic "En la Cuerda Floja", pues aquí descubrirán la verdad oculta de la vida privada del gran Johnny Cash. Y es que este emotivo y entretenido documental trata sobre la vida de Vivian Liberto, la primera esposa y madre de cuatro hijas del  autor de "Ring Of Fire".  Precisamente son ellas quienes van contando una historia fabulosamente ilustrada mediante videos caseros y fotografías inéditas que nos acercan a la realidad familiar de una Vivian que sufrió toda la vida por culpa de la soledad que suponía el ausentismo de su marido por las incesantes giras, por las humillaciones públicas y el ninguneo y por el divorcio y la versión pública que impuso la segunda esposa June Carter. Un metraje que no dejará indiferente a nadie y que logra hacer justicia con Vivian Cash.

 

 

Phil Lynott: Songs for While I'm Away (Dir. Emer Reynolds, 2020, Irlanda):

Otra de las maravillas de las que hemos podido gozar estos días en el festival es el flamante documental del que es uno de los grandes genios del rock e ídolo local de la patria irlandesa: Phil Lynott. Un largometraje que repasa de forma dinámica y entretenida la vida y carrera de este joven mestizo que marcó época con Thin Lizzy en los setenta gracias a unas letras que eran todo sentimiento, una música entregada y unas melodías que clavaba. Desde su infancia criado por su abuela, a sus inicios musicales buscando el éxito por las calles de Dublin, a su crecimiento londinense, sus historias de amor y sus eternas e intensas giras. Veremos las conexiones de una vida con unas canciones, las difíciles relaciones humanas en el sí de una banda, la soledad del genio y al padre ausente. La historia la perfilan impactantes imágenes de archivo, testimonios directos (sus hijas, Eric Bell, Scott Gorham o Darren Wharton) o indirectos (James Hetfield, Suzi Quatro o Adam Clayton) de la vida y carrera de este músico a reivindicar.

 

Rockfield: The Studio on the Farm (Dir. Hannah Berryman, 2020, UK):

Muchos la recordarán por ser la granja en la que Queen gravó Bohemian Rhapsody, pero Rockfield es mucho más que este episodio. Es la historia de la granja de Monmouth (Gales) que los hermanos  Kingsley y Charles Ward adaptaron en estudio de gravación a mediados de los sesenta. Desde sus inicios con unos jóvenes Black Sabath y Hawkwind, a la década de los ochenta con Simple Minds o Iggy Pop (quien trajo de visita a Bowie). La larga estancia de los Stone Roses y el desfile de bandas en plena explosión del Brit Pop de los noventa  como Oasis, The Charlatans (quienes perdieron allí a uno de sus miembros por accidente) o los Bo Radleys hasta el paso más reciente de los primeros Coldplay. De ritmo ágil y atractivo el visionado combina música, imágenes de archivo, entrevistas divertidas con sus protagonistas (Ozzy, Robert Plant, Liam Galagher, Chris Martin, ....) y anécdotas varias como la gestación de varios himnos para la posteridad. Un muy logrado testimonio de la curiosa historia de este lugar en el que transitaron tantas y tantas estrellas del rock entremedio de vacas, cerdos y tractores.

 

 

The Go-Go’s (Dir. Alison Ellwood, 2020, USA):

El documental presenta a The Go-Go' s como la primera banda de rock formada íntegramente por chicas capaz de alcanzar el número 1 del Billboard con sus propias composiciones. A través del relato de todas sus protagonistas vemos cómo en plena movida punk de Los Angeles un grupo de chicas decide armar su propio grupo y como con el tiempo logran alcanzar un nivel instrumental y cierta repercusión que captó la atención de la discográfica IRS - la del hermano de Sewart Copeland de The Police, ambos salen por cierto- y les hizo telonear a  The Specials, Madness y a unos exitosos Police a los que acabaron desbancando de las listas de ventas. Con grandes éxitos como "We' ve Got The Beat" o "Our Lips Are Sealed", el film muestra los problemas habituales del mundo del rock como las luchas de egos, las adicciones a las drogas o el desgaste de las giras, para concluir cómo sus componentes sobrevivieron para reencontrarse más de 15 años después de su disolución conservando la magia que les hizo especiales.

 

LEONARD COHEN: BIRD ON A WIRE- Director Tony Palmer (1974):

Un año después de la muerte del genio canadiense, seguimos echándolo de menos y para honrar su recuerdo que mejor que recordar este impactante documental de 1974. Genio y figura hasta la muerte, siempre con nosotros.

Cuando tienes una cámara permanentemente grabando tu vida vas a estar pendiente de todo lo que haces y dices...solo las primeras horas porqué si la cámara te acompaña durante semanas acabarás por olvidarla y por volver a ser tu mismo.Este es el caso de lo que le pasó al gran Leonard Cohen en su gira de 1972 y este es el caso de este maravilloso documental del prolifero director Tony Palmer.

“Bird On A Wire” recoge estas valiosísimas gravaciones y nos las trae de nuevo a nuestras pantallas mas de cuarenta años después, para recordarnos no sólo que el bardo un día fue joven sinó para mostrarnos sus múltiples caras y facetas. Hablamos del falso pudoroso, del seductor implacable, del místico mordaz, del maestro de ceremonias juguetón, del taciturno rapsoda, del improvisador ocurrente, del tierno compungido, fumador compulsivo o del dandy con porte. Entre muchos otros.

Son los primeros planos los que muestran el auténtico Leonard Cohen, que llega a desnudarse (en ocasiones literalmente). Pero también sus respuestas ocurrentes y reflexivas a las entrevistas que va recibiendo pacientemente, o los pasajes del día a día, viajando, relajándose en los camerinos (sensacional escena del lunch con canciones tradicionales), lidiando con mil y una dificultades, encandilando a bellas grupies, ironizando a la vida o escribiendo poesía.

Pero sobre todo encima de las tablas, jugueteando en el Berlín occidental antes de cantar a la libertad, denunciando la contundente seguridad en Tel Abib, haciendo de visionario de futuro en Manchester, disculpándose noche tras noche con los problemas con los equipos de sonido. Unos problemas que obligan a suspender conciertos por los que las reclamaciones llevan a un mercadeo delirante.

Aunque por encima de todo está su música. Con interpretaciones de los temas de sus tres primeros álbumes como son “Suzanne” (de la que recuerda como le robaron los derechos de autor) , “Sisters Of Mercy”, “Chelsea Hotel” o “Avalanche”, que se escuchan a las mil maravillas para el deleite del espectador (aquí no hubo problemas de sonido) gracias en parte a la banda de lujo de acompañamiento cuya conexión con el front-man es patente en todo el visionado.

                                          

Para la última media hora, la traca final con el concierto final en Jerusalén, con sus cruces de religiones y culturas y con el estallido de sentimientos de Cohen quien después de aguantar varios temas – proyectados en retales de acertados primeros planos que reflejan el intimismo de la la ocasión - , se derrumba y bloquea para continuar. Malas sensaciones consigo mismo que son relatadas y discutidas en el camerino con el ansioso y festivo respetable esperando. Después de un rato de incertidumbre la vuelta con “Hey That’ s No Way To Say Goodbye” y una celestial interpretación “So Long Marianne” con la que el canadiense se pierde entre lágrimas para acabar con el concierto definitivamente. Es la victoria de la melancolía y del cansancio por la gira, el llanto a las emociones del cantante que alcanza a contagiar a la banda de vuelta a vestidores. El punto y final lo pone el canto íntimo a la pieza que dá título al documental con un hombre que ha dado todo de si. Sincerely L. Cohen.

Por Alejandro Guimerà

FREDDIE MERCURY: THE GREAT PRETENDER (documental):

Hoy Freddie Mercury hubiera cumplido setenta años (nació un 5 de septiembre de 1946) y qué mejor modo que recordarlo con el visionado de este documental que os recomendamos que fue proyectado por la BBC hace unos años y que tiene su edición física y en plataformas digitales. ¡ Larga vida a la Reina!

Dir. - Rhys Thomas- UK 2012 (85 Min).

El director de este documental musical, Rhys Thomas, asistió con 13 años al concierto homenaje de Freddie Mercury de Wembley quedando tan impactado con la música del recién fallecido y su banda que desde entonces ha estado coleccionando material de todo lo relacionado con Queen, produciendo grabaciones de sus conciertos, editando libros, escribiendo para los libretos de sus cedés y dirigiendo este documental "Freddie Mercury: The Great Pretender". 

                                    
El largometraje repasa el periodo en solitario del líder de Queen a través de una entrevista - en la que se le ve muy cómodo, por cierto - y partiendo del momento en que decide componer y grabar música sin sus compañeros. A partir de allí empieza un viaje por su vida y obra, desde su infancia en un internado en Bombay como Farrokh Bulsara, a sus inicios con Queen y el camino hacia el éxito, a sus colaboraciones con un joven Michael Jackson, hasta su poco rentable disco de debut en solitario "Mr. Bad Guy", el cual fue gestado lentamente en su prolongada estancia en Munich. 

O cuando en 1987, viendo a Luciano Pavarotti cantar junto a la soprano Montserrat Caballé, quedó tan impresionado por ella que la llegó a considerar " la mejor voz que he escuchado nunca”. El resultado fue el nacimiento de una gran amistad y la grabación del exitoso disco "Barcelona", siendo el primer dueto entre un cantante de ópera y un solista de rock.

                             
También se reviven pasajes de su vida privada, apareciendo la figura de Mary Austin como su confidente y amiga del alma, y su pareja en sus últimos años Jim Hutton o las sórdidas imágenes que relatan sus fiestas en locales y entornos gays.

Para el final, la narración de la trágica desaparición del artista a manos del virus VIH, cómo afectó la noticia y cómo la prensa se ensañó con él y su vida sexual hasta sus últimos suspiros. Un final lleno de tristeza de un documental que cuenta con entrevistas a un sentido Roger Taylor y a un racional Brian May, que entre otros van desgranando la personalidad de uno de los últimos iconos del rock.

                                       
IDEAL PARA: los fumadores empedernidos, los amantes de la ópera, los gatos, los ambientes gay y la música rock en general.

                                     

Por Àlex Guimerà

ESPECIAL PULP: 20 años del Different Class:

Tal día como hoy de hace 20 años la banda inglesa PULP sacó al mercado el disco "Different Class", en medio de la fiebre del Brit Pop. Pero ellos ya hacía desde 1978 que se habían formado como grupo con un historial musical y reivindicativo en la Shefield de finales de los setenta y principios de los ochenta.  Aunque a decir verdad no es hasta 1983 cuando publican su disco debut "IT" como Pulp.
Desde entonces la carrera de Pulp arrojó siete buenos discos de estudio, y una popularidad a mediados de los noventa hasta su disolución de 2002 después de la edición del que es hasta la fecha su último disco "We Love Life" (2001). Casi diez años después, en 2010 volvieron a dar una serie de directos hasta finales de 2012 en el que dieron un concierto en su ciudad natal Sheffield, que quedó retratado en el fabuloso documental "Pulp: A film About Life, Death And Supermarkets".

Aprovechando la efeméride vayamos a repasar su carrera a través de sus discos de estudio y a través del mencionado documental, que ningún fan de la banda debería perderse.

1983 - IT

1987 - FREAKS

1992 - SEPARATIONS

1994 - HIS ' N HERS (#9 UK)

1995 - DIFFERENT CLASS (#1 UK)


1998 - THIS IS HARDCORE (#1 UK, #114 US)


2001 -  WE LOVE LIFE  (#6 UK)

PULP : A FILM ABOUT LIFE, DEATH AND SUPERMARKETS.

Dir.- Florian Habicht- UK 2014 (90 Min).

Maravilloso homenaje audiovisual que la banda de Jarvis Cocker regaló a sus fans y a su ciudad natal Sheffield para conmemorar el concierto que dieron en aquella ciudad justo antes de su retirada a finales de 2012. Con un precioso inicio que te deja clavado en la butaca, el resto del metraje dan voz a distintos personajes  anónimos de la ciudad que van narrando sus vidas cotidianas y su relación con la banda del “Different Class”, junto con entrevistas a sus miembros, imágenes de archivo y secuencias del concierto. Un concierto, dicho sea, grabado de una forma magistral que logra hacerte sentir como si estuvieras allí.

Con momentos destacables como el “Help The Aged” cantado por unos ancianos fabulosamente afinados o las coreografías y bailes histriónicos de Jarvis, el visionado nos muestra la cara mas humana de la banda a la vez que nos acerca sus éxitos como “Disco 2000”, “This Is Hardcore”, “Babies” o  “Felling called L.O.V.E.”.

Por el camino descubrimos el carácter excesivamente presumido de Jarvis, la artrosis crónica de Candida Doyle, el patrocinio de Pulp al equipo de fútbol de la hija de Nick Banks (batería) o a un humilde Mark Webber (guitarra) que no parece que haya tocado nunca en una banda con semejante revuelo.

Y el final con “Something Changed”, como guinda a un excelente documental que muestra la grandeza de un grupo  pop de “gente común” con un legado musical para no olvidar.

IDEAL PARA: La tercera edad, los carniceros, quiosqueros, las enfermeras de Atlanta, los fugitivos de Londres, quienes quieran aprender a cambiar una rueda de un coche, los teenagers y, en general, la gente corriente.

Frank Zappa. Phase II . The Big Note (IN-EDIT):

Dir.- Frank Sheffer- USA 2002 (89 Min)

En cada una de las anteriores ediciones del Beefeater In-Edit se ha ido homenajeado a un director proyectando algunas de sus películas en el festival. Para la edición de este año, ha tocado el turno del holandés Frank Séller, metiendo en el programa títulos como “Conducting Mahler” (1996), “Hellicopter String Quartet” (1995) o este “Frank Zappa. Phase II . The Big Note” sobre el controvertido genio pop.

El film busca comprender el proceso creativo y compositivo de Frank Zappa a través de los testimonios de los músicos que colaboraron con él (miembros de los Mothers Of The Invention o Captain Beefheart), familiares suyos y entrevistas rescatadas a él directamente. No tienen desperdicio algunas imágenes de actuaciones de sus distintas épocas, sus interminables solos de guitarra, las performances de su banda, las hilarantes letras y sobre todo el espectacular e infinito archivo con sus grabaciones.





Con buenas harmonizaciones de imágenes y música del ecléctico músico, el film no ofrece pasajes ni anécdotas - por muchos es conocido que la letra de “smoke on the water” narra la historia de un incendio en un concierto suyo - de la vida del artista que hubieran podido ser mucho mas interesantes para el espectador.




Por el contrario Frank Séller opta por saciar su pasión por la música clásica y la experimental, mostrando la que quizás no es su cara mas atractiva, pero si que es la que retrata mejor el alma artista del interesado.


IDEAL PARA: Los fans de Edgard Varese, los anti-hippies y quienes se pregunten cómo puede emplearse una bicicleta como instrumento musical.


Publicado en http://notedetengas.es/in-edit-beefeater-2014-frank-zappa-phase-ii-the-big-note/


Por Àlex Guimerà

SUPER DUPER ALICE COOPER (INEDIT):

Dir.- Reginal Harkema, Scout Mc Fadyen, Sam Dunn- Canada 2014 (87 Min)

Super Duper Alice Cooper narra la historia de cómo el nombre de una banda pasa a ser el de un personaje, y de cómo este personaje devora atrozmente a la persona de detrás, hasta que ésta supera los obstáculos hasta aprender a cargar con él. 

A principios de los cincuenta Vincent Damon Furnier, un joven muchacho de Phoenix (oriundo de la fría Detroit) e hijo de un pastor, empieza a interesarse por el arte y por el surrealismo (la figura de Dalí captará su atención) hasta que decide imitar a sus ídolos Beatles,  lo que le lleva a subirse junto a unos amigos encima de los escenarios. Tras el subidón que siente decide formar con ellos la banda de Earvings,  que posteriormente pasará a llamarse Spiders hasta adoptar el definitivo Alice Cooper, este último decidido mientras jugaban a la güija. 

                                        

Tras ganarse cierta fama en Arizona la formación decide marcharse hacia Los Angeles en busca de la fama. Allí conocerán a un grupo de chicas (GTOs) que cambiará su estética y actitud e introducirá en el mundo de las drogas y la bebida. Vecinas de Frank Zappa, los muchachos graban su primer disco con el sello de aquel mientras conocen a su manager Shep Gordon y comparten porros con Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison. Pero la California hippie no encaja bien su dureza sonora y su agresividad escénica. 

Rendidos, los Alice Cooper emprenden una precaria gira por todos los EEUU hasta que reciben una oferta para actuar en Detroit junto a MC5 y los Stooges. Y allí empieza su fortuna. Su rock duro viene a las mil maravillas para las tendencias de la ciudad de la Motown de finales de los sesenta, en donde empiezan a cosechar cierta fama gracias a singles como I’ m Eighteen y School’ s Out. Con el éxito vienen los conciertos donde los números provocadores y sorpresivos se van incrementando, focalizados en el personaje de su frontman y vocalista Vincent cuyo carisma será absorbido por los medios de comunicación.  Serpientes encima del escenario, asesinatos de patos, batallas campales sobre las tablas, ahorcamientos simulados, falsas guillotinas, y un sinfín de recursos más para el fervor del respetable. 

                        

Con ello, la banda poco a poco va perdiendo una identidad que pasa a su cara visible hasta que ésta se disuelve en beneficio de la carrera en solitario del solista. Casado con una bailarina con quien tiene una hija, el bueno de Vincent, o Alice, entra/cae en las redes de la popularidad y se refugia en el alcoholismo hasta que tiene que parar para desintoxicarse en un manicomio. Aparentemente curado de su adicción decide volver al ruedo y entra en contacto con Bernie Taupin con quien escribe canciones sobre sus experiencias en el sanatorio. Pero su nuevo socio le introduce a la cocaína empezando una nueva espiral adictiva. 

                                          

Después de largas luchas y con la ayuda de su familia el bueno de Vincent resurge de sus cenizas para encarar una década de los ochenta en el que se erige de padrino del heavy-metal, movimiento en auge por entonces que lo recibe con los brazos abiertos. Desde entonces lejos de las drogas y la bebida, la persona ha sabido compaginar su vida privada con el personaje público. Su tormenta había terminado. 

Esta historia centra un ágil y entretenido documental que utiliza muy bien las imágenes, crea ilustrativos montajes, introduce trozos de vetustas películas de serie B de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, a la vez que conecta con comentarios de los protagonistas y de artistas invitados como Elton John, John Lydon o Iggy Pop sin aparecer sus entrevistas. 

                                    

El gran "pero" del film lo encontramos en la parte musical, con una pésima utilización de las canciones, un nulo repaso de los discos cardinales y sobre todo en el hecho de que se centra injustamente en el relato personal y elude el relato de la trayectoria artística-musical y de la formación original de los primeros años de la década de los setenta, periodo fundamental de la banda e imprescindible para comprender la evolución del hard-rock. Un colectivo cuya grandeza fue más allá de las extravagancias y del irrefutable carisma de su líder y usurpador del nombre. 

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2014/10/super-duper-alice-cooper.html#more

Alejandro Guimerà

FREDA KELLY: Good Ol' Freda Dirigida por Ryan White (2013):

En las últimas ediciones del festival IN-EDIT han destacado los documentales de rock cuya narración de historias sobre  los valores, la honestidad y la personalidad han sido el eje central para hablar sobre las vidas extraordinarias de determinados personajes. En este sentido,  "Still Bill" (sobre Billy Withers) o la oscarizada "Sugar Man" han dado muestra de personas cuya integridad ha superado las tentaciones del famoseo y el dinero fácil.

                                                       

La última de esta estirpe de documentales nos llega directamente desde el Mundo Beatles - disponible en iTunes -, para narrarnos la extraordinaria historia de su secretaria Freda Kelly, una auténtica desconocida hasta el momento. El documental transcurre a través del relato de la protagonista, una corriente secretaria sesentona con una vida común, que tras nacer su nieto decide dejar constancia de su insólito pasado. Entremedio imágines conocidas e inéditas, música emotiva de la banda y de grupos paralelos ("Love Letters" se atraganta con la emoción), entrevistas con testigos, recreación de lugares,...

                                       

Todo empezó cuando una joven Freda de quince años alternaba su trabajo de mecanógrafa con los conciertos  de los Beatles en The Cavern. Luego fundaría su club de fans que fue absorbido por el engranaje de Brian Epstein quien la fichó como secretaria de la banda y del club oficial. En ese puesto estuvo desde 1962 hasta 1973, momento en el que ya estaba disuelta la banda, y por ende el propio club de fans. A lo largo de aquellos once años sus tareas de responder la correspondencia torrencial de los seguidores de la banda o de hacer de enlace entre los familiares de los cuatro cuando aquellos se encontraban de gira. 

                                   

No faltan las anécdotas, desde sus cortos y sucesivos enamoramientos con cada uno de los Fab Four - incluso tuvo una aventura con uno de ellos aunque se resistió a desvelarlo! - , los vínculos emocionales con la madre de Ritchie (Ringo) con quien mantuvo una larga e intensa amistad, su paciente y serena relación con el jefe neurótico que era Brian Epstein, cuando John se puso de rodillas para pedirle perdón y que no abandonara el grupo,...

La humildad, la naturaleza entrañable de la protagonista, su sentido del humor, afabilidad y serenidad se perciben perfectamente a través de la pantalla, hasta que al final con ojos llorosos recuerda con nostalgia cuánta gente de aquella época ha ido desapareciendo. Todo queda ya tan lejos.

Un documental imprescindible para los fans de la prodigiosa formación y altamente recomendable para los laicos, pues en él verán un relato emocionante de una  persona discreta y leal, que ha preferido vivir a la sombra guardando secretos en lugar de enriquecerse y aprovecharse de un pasado que muchos envidiamos. 

Por Alejandro Guimerà

Publicada en http://www.paisajeselectricos.com/2014/02/13/good-ol-freda-de-ryan-white/