MOR JERRY LEE LEWIS :

Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiana 29 de setembre de 1935 - Nesbit, Mississipí, 28 d' octubre de 2022)

I can't seem to say goodbye (1970)

Gone is the sunshine we knew once before
Now we're just living our lives
But when it comes time dear
To walk out the door
Well, I can't seem to say goodbye
I can say it's all right dear
We'll make it somehow
Let me hold you, try not to cry
I can whisper I love you
Till the day that I die
But I can't seem to say goodbye

I can whisper it's all right dear
We'll make it, make it somehow
Let me hold you, but try not to cry
I can say it's all right dear
Till the day that I die
But I can't seem to say goodbye

Rest in Peace The Killer Of Rock' n Roll...

EFEMÉRIDES CELEBRES DEL ROCK' N ROLL: El fatídico accidente que acabó con la vida de Eddie Cochran:

60 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE UNO DE LOS GRANDES ROCKEROS PIONEROS.

Escasos meses después que los ídolos Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Booper Richarson fallecieran en un accidente aéreo en Minnessotta, otro gran mazazo llegaba al mundo del rock' n roll. Y es que el 17 de abril de 1960, Eddie Cochran - quien había acompañado a los anteriores en una gira y para quienes compuso la fabulosa "Three Stars" - perdía la vida a los 21 años y con todo un porvenir artístico que nunca llegaremos a poder gozar.

                                 

Oriundo de Minnessotta (otra fatídica coincidencia con sus compañeros desaparecidos), alcanzó el estrellato a partir de 1958 con piezas memorables como "Summertime Blues", "C' Mon Everybody" o "Three Steps To Heaven" llevándolo a unas giras en el Reino Unido en que un joven George Harrison le siguió en varias ocasiones - la primera canción que Paul McCartney tocó a John Lennon es de Cochran -. Junto a su amigo y también estrella emergente Gene Vincent (famoso entre muchas por la canción "Be-Bop- A-Lula") viajaba en un taxi por la carretera que llevaba de Londres a Bristol también junto a Sharon Sheeley, novia de Cochran e importante compositora de rock and roll, y junto con el representante inglés Patrick Thompkins .


                                  

En un momento dado, Patrick se dio cuenta de que el chófer (George William Thomas Martin) se había equivocado de camino para ir hacia Bath, lo que advirtió al conductor que yendo a alta velocidad realizó un giro brusco que ocasionó el pinchazo de una de las ruedas y la pérdida del control del vehículo Ford Consul Saloon.

El resultado fue que Eddie Cochran salió despedido del vehículo, y aunque ello le causara heridas leves, la colisión le causó un daño cerebral grave, que empeoraron las primeras horas causándole la muerte a las 4:10 pm del domingo 17 de abril de 1960 que no pudieron evitar los médicos del Hospital St Martin Bath.


               


Por lo que se refiere al también rockero Gene Vincent, este se destrozó por segunda vez la misma pierna que cinco años antes ya se había dañado en un accidente de moto. En un primer momento los doctores le quisieron amputar la pierna a lo que él se negó, viviendo el resto de su vida - fallecería en 1971 - con una una fuerte dependencia de las drogas para paliar el dolor. Por su parte, Sharon Sheeley, de sólo veinte año, perdió a su novio y además se rompió la pelvis.

                         

Fue una desgracia que acabó con la vida de una leyenda de sólo 21 años que influenció a otros grandes nombres del rock como los Rolling Stones, Marc Bolan de T Rex, los Who, o el gran rockabilly de los 80-90 Brian Setzer que incluso se atrevió a interpretarlo en la película "La Bamba" (1987).

GRANDES DISCOS: Runaway Sue (1961) por DION:

A principio del siglo XX una oleada migratoria atestó los EEUU proveniente de Sicília y del sur de Italia, alcanzando en la actualidad más del 5 % de la población del país. Con el tiempo los descendientes de aquellos pioneros se alzaron en los primeros puestos de los negocios, la política, la ciencia o las artes.  Fueron las segundas y terceras generaciones de aquellos que abrieron camino, quienes aunaron el poso de sus raíces con la nueva forma de vida de la tierra de acogida.

Ese es el caso de Dion Francis DiMucci, hijo del Bronx nacido en 1939 cuya aportación a la evolución del rock debe de ser reconocida con letras de oro. Su padre Pascuale DiMucci artista de vodevil le inculcó de seguida la pasión por la música, y también se lo llevó de gira por la "América profunda" donde descubrió el blues, el country y el góspel. Así fue como entró en el mundo del Doo-Wop, una variante del blues y del góspel surgida entre las comunidades afroamericanas pero popularizadas en las ciudades hacia los años cuarenta. La gracia del Doo-Wop era que se interpretaba sin instrumentos con distintas voces armonizadas, por lo que los chicos de ciudad se reunían para ensayar y probar los temas.

                                

Con una facilidad vocal fuera de lo común, el joven Dion en seguida destacó entre su comunidad, tomando clases de canto y dando conciertos en distintas fiestas y en clubs del Bronx, hasta que a los 15 años apareció en un programa de televisión para cantar una canción dedicada a su madre.

                                           

En aquella época y tras el éxito desorbitado de un tal Elvis Presley, la proliferación de sellos discográficos nacidos para cazar nuevas talentos y catapultarlos hacia el estrellato del rock adolescente hizo que se buscara un perfil de joven artista en el que se vieran reflejadas las aptitudes y características del Rey. Fue así como el sello neoyorkino Laurie Records - descubridores entre otros del grupo femenino The Chieffons (las de la demanda por plagio de "My Sweet Lord", vamos) -encontraron en Dion a su joven promesa. Guapo, seguro de si mismo, dotado de una garganta privilegiada, encima supo adaptar el Doo-Woop al nervio del rock' n roll.

                                     
Primero llegó la edición de "Presenting Dion and the Belmonts" (1958) en los que el cantante se acompañaba de su grupo vocal The Belmonts (Carlo Mastrangelo, Fred Milano y Angelo D'Aleo), nombrados así por la Belmont Avenue lugar en el que ensayaban en plena calle. Con temas como "Teenager In Love"o "I Wonder Why" comenzaron a aparecer en las listas de ventas. Pero fue con este "Runaway Sue" y sobre todo con la canción que lo titula cuando su nombre se escuchó en todas las radios del país.

                    

La canción en cuestión firmada por el propio solista y por el compositor Ernie Maresca traía un ambiente festivo y un acompañamiento copiado literalmente de otro éxito de Laurie "Quarter To Three" de Gary "U.S." Bonds, ese carismático "operere-re re" de los coros. La voz desgarrada, la apasionada melodía, la energía teen y el saxo final dan en clavo con el tema perfecto para las pistas de baile. Al mega-hit le acompañan otros de propia creación, sobre todo "The Wanderer", también del propio Ernie, quien se atrevió a grabar su propia versión y del cual tenemos versiones de todos los colores (Status Quo, Gary Glitter, The Beach Boys, Johnny Cash con U2, Springsteen,...) . El canto apasionado y los coros melódicos aparecen presentes en esta y en gran parte del disco. Como en la sentimental "Lonely World" y en el baladón de fiesta de fin de curso "In The Still Of The Night" popularizada por los Five Satins unos años antes que carga de personalidad y romanticismo. En la misma línea "Life Is But A Dream", mientras que la canción melódica de corte clásico llega con "Take Good Care Of My Baby" y "Runnaway Girl", y en "Little Star" se avanza lo que poco tiempo después harían los Beach Boys más sosegados.

Los ritmos llegan de la mano de "Dream Lover" de Bobby Darin con un Dion dominando los tempos vocales como nadie, con "Kansas City" de Leiber y Stoller dando su cara rockabilly y "The Majestic" con sus palmadas y ecos Do-Woop.

Curioso que las dulces e inocentes letras que trataban del amor adolescente las cantaran por y para unos tipos, los italoamericanos, cuyas vidas pasaban por las peleas, los malos modales y la vida al límite de la ley. Sus raíces italianas, con su tradición por la música melódica y con la aparición en la primera mitad de siglo de superestrellas de la canción italoamericanos como Frank Sinatra, Dean Martin o Tony Bennet, quedan marcados en cierto modo en el sonido de Dion. Es por ello que podemos afirmar que si Elvis, Chuck Berry o Little Richard trajeron los sonidos negros (Blues, Góspel y Soul) al rock, Ritchie Valens los aires mejicanos o Bo Diddley los ritmos africanos, Dion trajo la dulzura y la melodía latina. 

                                

Luego, los años pasaron y su carrera derivó en discos que han pasado bastante desapercibidos, con una fase cristiana mística que le duró más de 15 años,  entre los que se encuentra el notable "Born To Be With You"de 1975, un intento para relanzar el artista con la ayuda de un Phil Spector que acababa de producir a Lennon y Harrison exitosamente.

Pero lo que está claro es que son los primeros pasos de Dion DiMucci con esos discos magistrales a reivindicar entre los que destaca "Runaway Sue", que pusieron los cimientos de la música popular americana moderna dotándole de colores dulces, amables e inocentes.

Por Alejandro Guimerà

RUNAWAY SUE:

Here's my story, it's sad but true

It's about a girl that I once knew

She took my love then ran around

With every single guy in town

Yeah I should have known it from the very start

This girl will leave me with a broken heart

Now listen people what I'm telling you

A keep away from a Runaround Sue

I might miss her lips and the smile on her face

The touch of her hair and this girl's warm embrace

So if you don't want to cry like I do

A keep away from-a Runaround Sue

Ah, she likes to travel around

She'll love you and she'll put you down

Now people let me put you wise

Sue goes out with other guys

Here's the moral and the story from the guy who knows

I fell in love and my love still grows

Ask any fool that she ever knew, they'll say

Keep away…

GRANDES DISCOS: "Sufrer' s Choice" (1962) por DICK DALE & HIS DEL-TONES:

Cuando hablamos de surf rock a todo el mundo le vienen a la mente los Beach Boys y a los más avispados quizás les suene Jan & Dean o The Ventures, pero antes de aquellos es justo hablar de un guitarrista zurdo llamado Dick Dale que puso los cimientos de una forma de rock y de un modo de tocar la guitarra eléctrica, de la que fue pionero su primer disco: "Sufrer' s Choice" de 1962.
Pero pongámonos en contexto. A finales de los cincuenta la juventud bienestante de la soleada California había adoptado como forma de vida un deporte proveniente de Hawaii, el surf, consistente en desafiar las olas del Pacífico subidos encima de una tabla. Todo encajaba pero al "surf life style" le faltaba banda sonora, pues el emergente rock n roll no acababa de encajar. 

Muy lejos de allí y unos años antes,  concretamente en Boston y en 1937, nacía bajo el nombre de Richard Anthony Monsour (luego auto nombrado Dick Dale porqué le sonaba a cantante Country) en el sí de una familia con raíces eslavas y libanesas, raíces que fueron decisivas en la construcción de su sonido. Como también lo fueron el hecho que su familia se trasladara a Quincy (también en Massachussets) dónde el joven Dick aprendió a tocar el piano, se prendó por la música Country y por Hank Williams, comenzando a tocar también el ukelele y acabando con una guitarra con la que se metió de lleno aprendiendo todas sus técnicas. Luego en su último año de instituto sus padres le llevaron hacia El Segundo (California) en dónde comenzó a surfear con gran pericia cuando no estaba tocando. 

                           

Seguidor de los nuevos sonidos del rock' n roll, el joven Dick se obsesionó con el volumen del sonido de su guitarra, para lo que se dotó de un amplificador de 100 vatios, como también introdujo la púa en el uso de las seis cuerdas, instrumento que acabó dominando con un virtuosismo fuera de lo común.

Tras forjar una carrera discreta a mitades de los cincuenta con singles como "Let' s Go Trippin", llamando finalmente la atención de Deltone Records con quienes grabó en directo junto a sus Del-Tones y bajo la producción de Jim Monsour en los estudios de Rendezvous Ballroom de Balboa Beach los 18 cortes de su larga duración de debut "Surfer' s Choice" para revolucionar la música rock del país. Unos Del-Tones que estaban formados por los guitarristas Art Munson y Nick O' Malley, el bajista Bryan Dietz, el batería Jack Lake y los saxofonistas Armon Frank y Barry Rillera.

                     

El espíritu de la vida de los surfistas - del que él era un aguerrido practicante hasta que se popularizó - queda reflejado en la que es la primera portada del rock en la que aparece el surf, con la imagen del propio guitarrista deslizándose por una ola. Su contenido, el primer tratado surf rock y surf instrumental con esa reinvención del rock que daba a los surfers un sonido propio.

Son el Blues salvaje de  "Surfing Drums" con el ritmo robado de Boo Diddley,  la versión taciturna y roquestrada del clásico popular que luego nos encandiló de la mano del Pet Sounds (1966) "Sloop Johnny B", los doo-wops desgarradores "Fanny Mae" y "Night Owl" recordando al mejor Dion y los mediotiempos rockabillys "Peppermint Mind" y "Lovey Dovey", estos últimos inspirados en las enseñanzas de Gene Vincent o Eddie Cochran.

                              

Pero el eje del álbum lo encontramos en piezas instrumentales en los que las guitarras surfean sin parar. Son los"Surf Beat", "Take It Off", "Shake n Stomp" y más de bajada "Death Of A Greamnie". Luego "Misrelou Twist" que fue el paso previo de "Misrelou" con sus violines desgarrados. Y una formidable "Let' s Go trippin' " a toda marcha.

Quedaron fuera del álbum aunque luego añadidas en las futuras reediciones otras gemas instrumentales como "Del-Tone Rock", "Eight Till Midnight", "Run For Life" y sus aromas orientales, "Jungle Fever" con sus efectos sonoros pre-psicodélicos,  o el esplendoroso soul cantado poderosamente "Lovin' On My Brain.

Y la joya de la corona, "Miserlou" (también conocida como "Misrlou"), una pieza clásica griega convertida en una auténtica joya pop con unos arpegios memorables de guitarra, una estructura oriental y unas formidables trompetas mejicanas. De ella se han hecho muchas versiones, reinvenciones pero fue en 1994 cuando quedó popularizada para siempre gracias a la película de Quentin Tarantino "Pulp Fiction".

                     

Un disco influenciado por el rock, pero también por el Country, la música oriental y la mejicana, esta última íntimamente ligada con el surf rock. Si bien en sus continuaciones, y en especial en "King Of The Surf Guitar" de 1963, se adentró en la fusión de estilos y en los efectos de guitarra, es su debut el que marcó la senda a las nuevas bandas surferas.

Amigo de Leo Fender, con quien mantuvo una estrecha colaboración en el diseño y mejora de las guitarras y amplificadores y de quien obtuvo su letal Stratocaster con la que recorría las escalas con una velocidad de los dedos por el mástil inauditas, en una carrera que tuvo su esplendor en el periodo 62-66 y a la que luego quiso mantener fiel a sus ideas musicales, rebelde y alejado de la vida pública, su relación con la industria musical fue puntual - a destacar "Tribal Thunder" de 1993 - con discos de versiones y colaboraciones puntuales con gente como Steve Ray Vaughan, pero también forzado a dar giras por todo el mundo en salas pequeñas para poder pagar sus gastos médicos, para el deleite de una audiencia menor que le ha encumbrado con toda justicia como músico de culto y pilar fundamental de la primera década completa del rock. Con razón uno de sus más fervientes seguidores fue otro zurdo a la guitarra llamado Jimi Hendrix, como también más adelante inspiró al movimiento heavy Metal al que muchos le atribuyen su paternidad, al menos en los solos más difíciles de guitarra.

Por Alejandro Guimerà



SLOOP JON B:

We come on the Sloop John B
My grandfather and me
Around Nassau town we did roam
Drinking all night
Got into a fight
Well I feel so broke up
I want to go home
So hoist up the John B's sail
See how the main sail sets
Call for the Captain ashore
Let me go home, let me go home
I want to go home, yeah yeah
Well I feel so broke up
I want to go home
The first mate he got drunk
And broke in the Cap'n's trunk
The constable had to come and take him away
Sheriff John Stone
Why don't you leave me alone, yeah yeah
Well I feel so broke up, I want to go home
So hoist up the John B's sail
See how the main sail sets
Call for the Captain ashore
Let me go home, let me go home
I want to go home, let me go home
Why don't you let me go home
(Hoist up the John B's sail)
Hoist up…

GRANDES DISCOS: Live At The Regal (1965) por B. B. KING:

El sufrimiento siempre ha formado parte del ADN de la raza negra. Las injusticias sociales, la esclavitud y el trato degradante al que ha estado constantemente sometida por la mezquindad humana han convertido su lucha y supervivencia en un verdadero ejemplo e inspiración para todos. Desde ese dolor es desde donde surgió la música que dio origen al rock' n roll. Especialmente en los estados del sur de los EEUU bien entrados en el siglo XX, cuando a partir de una estructura de doce compases, emergió el blues que luego se afincaría hacia el norte en ciudades como Chicago. Y por el camino desfilaron leyendas como Robert Johnson (quien supuestamente vendiera su alma al diablo), Muddy Waters, Howlin' Wolf o nuestro protagonista, B. B. King.

                                  

Nacido bajo el nombre de Riley B. King en el seno de una familia dedicada a la plantación de algodón en Mississipi, su infancia estuvo marcada por la pobreza, la separación de sus padres y la pronta muerte de su madre cuando él tenía apenas 9 años. Aunque siempre fue su abuela Eleonora quién lo crió y quién lo metió en la iglesia baptista St. John Gospel de la que formó parte del coro. Luego a los 12 años aprendió los primeros acordes de guitarra y a los 14 se compró su primera guitarra por 15 dólares. Por entonces él ya trabajaba en la plantación de algodón.

Mostrando una espectacular facilidad para el aprendizaje de las seis cuerdas, su tío segundo el bluesman Bukka White le enseñó la que por muchos era considerada la "música del demonio" y ya el camino para él no tuvo retorno.

                                               

Desde formar parte del grupo Famous St. John's Quartet, a viajar hacia Memphis para ser DJ de un programa de la radio de Sonny Boy Williamson II, donde comenzaron a apodarle "The Blues Boy" (de aquí lo de B.B.), o cuando tenía que ir en bicicleta 150 km para ensayar. Y que decir cuando en una actuación suya en Arkansas dos hombres se pelearon por una mujer llamada Lucille y acabaron por prender fuego en el local quemándose su guitarra, hecho por el cual comenzó a llamar con ese nombre a todas sus guitarras.

                                                

En 1947 llegaron sus primeras grabaciones a cargo de Sam Philips antes de que este fundara la legendaria Sun Records, unos singles que fue metiendo por la radio lo que hizo crecer su popularidad hasta que lo llamaron para grabar para la discográfica Modern Records de Los Angeles (de los hermanos Bihari), con quienes logró el número uno de las listas de rythm' n blues con el single "Three o'clock Blues" en el que Ike Turner tocaba el piano.

                                              

En unos años cincuenta en los que prácticamente no bajó del escenario, poco a poco su caché fue creciendo en el circuito de los clubs de música negra, a la vez que alcanzaba los primeros puestos en las listas, lo que hizo que la famosa discográfica "blanca" ABC lo fichara para sacar varios discos con los que alcanzó el verdadero éxito.

                                      

Responsable de ello fue en especial este "Live At The Regal" que mostraba todas las esencias de su implacable directo. Un directo que tuvo lugar en 21 de noviembre en el Regal Theatre de la capital del Blues Chicago y que contó con sus, por entonces habituales, músicos Leo Lauchie al bajo, Sonny Freeman a la batería, Duke Jethro al piano y los saxofonistas Bobby Forte y Johnny Board.  

Presentado por E. Rodney Jones y Pervis Spann, el directo muestra al mejor y más pletórico B.B. : perfecto técnicamente a la guitarra y fornido vocalmente, en un momento en el que las cuerdas vocales le permitían hacer distintos registros y falsetes. La capacidad de connectar con el público es algo que ha conservado con los años y que ha sido santo y seña de su carrera, algo que se percibe en los surcos del álbum, en los que cada vez que el bluesman canta el público contesta de forma activa y pasional.

                          

Lo del set list, son también palabras mayores, pues con "Live At The Regal" Riley se sumerge en temas que luego serían habituales de sus directos en su larga trayectoria, destacando sus propias composiciones como  "Sweet Litle Angel" o "How Blue Can You Get?". Aunque el arranque perfecto llega de la mano de Memphis Slim, con la versión de la irresistible "Everyday I Have the Blues" que es toda una declaración de intenciones. Luego los lamentos de  "It’s Only My Fault" de John Lee Hooker o"Worry, Worry" marca el pico más alto del directo, cuando King se pierde en una improvisación letal de guitarra. Es la explosión del Blues como forma de expresión artística, con pasajes jazzísticos o rockerizados, King nos regala (nunca mejor dicho) su alma a través de sus dedos y su garganta en comunión con unos asistentes a los que mataríamos por ocupar su lugar.

Con éste álbum B.B. salió definitivamente del circuito de clubes para negros y apareció al lado de discos de pop, folk y rock, iniciando una serie de giras por todo el mundo que tuvieron incluso parada en el Festival de Jazz de Montreux y de Newport Folk en 1968 cosechando sendos éxitos. También llegarían el reconocimiento de sus discípulos del blues Rolling Stones y Eric Clapton, para acabar siendo quizás la mayor institución y leyenda del Blues de todo el mundo, con inclusión en el salón de la fama del Rock' n Roll, premios en los Grammys, un reconocimiento unánime de público y crítica y la fundación de una sala de conciertos en Manhattan que aún sin su presencia se encarga de preservar el alma del blues en la Gran Manzana.

Everyday I Have The Blues:

Everyday, Everyday, I have the blues

Ooooh, Everyday, Everyday, I have the blues

When you see me worryin' baby

Because it's you I hate to lose

Well nobody loves me, nobody seems to care

Oh nobody loves me, nobody seems to care

Well those worries and trouble darling

Babe you know I had my share

Everyday

Everyday

Everyday

Everyday

Everyday

Everyday, I have the blues

When you see me worryin' baby

Because it's you I hate to lose

Oh nobody loves me, nobody seems to care

Oh nobody loves me, nobody seems to care

Well those worries and trouble darling

Babe you know I had my share


PD: en 2005 el disco fue elegido por el Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos para que sea permanentemente conservado en la biblioteca del Congreso del país.

MUERE JOHNNY HALLYDAY, EL "ELVIS FRANCÉS" A LOS 74 AÑOS:

El gran Johnny Hallyday ha fallecido esta madrugada en París, a los 74 años de edad, víctima de un cáncer de pulmón que él mismo hizo público en las redes sociales el pasado mes de marzo pasado. La muerte se produjo en su casa de Marnes-la-Coquette, al oeste de París, dónde se encontraba tras haber estado internado seis días.

Jean-Philippe Léo Smet (así se llamaba) nació en la misma París, en el año 1943, en plena ocupación Nazi. Hijo de la modelo francesa Huguette Clerc y del artista belga de "music-hall" Léon Smet, quienes lo mandaron a vivir a Londres con sus tíos, tomando el apellido de aquellos.

                           

Con 17 años dio su primer concierto y una año después publicó su disco de debut "Hello Johnny" (1960) con hits como "Souvenirs Souvenirs" o "T' amier follement" saltando rápidamente a la fama sobre todo por su versión francesa de “Let’s Twist Again” ( “Viens danser le twist”) y ganándose merecidamente el sobrenombre de "Elvis francés".

Fue el comienzo de una carrera imponente que dejaría más de 100 millones de discos vendidos, conciertos multitudinarios, películas, codeos con estrellas del rock (Ray Charles,  Fats Domino, Jimi Hendrix,,...) y el paso por varias épocas y múltiples estilos (todos con fortuna): pionero del rock'n'roll en Europa, los años yeyé, música ligera, canción popular francesa.... para volver en los últimos tiempos a lo que mejor se le daba el blues y el rock.

                                         

Conocido también por su agitada vida amorosa, con matrimonios tormentosos con Sylvie Vartan y Nathalie Baye, intentos de suicidio, accidentes, excesos con las drogas y el alcohol, acusaciones de evación fiscal, y un largo etcétera que convirtieron en su vida en una auténtica montaña rusa. Atrás deja cuatro hijos y una viuda Laeticia Boudou, con quien se casó y permaneció a su lado desde 1996.


Y a modo de epílogo, y tomando las palabras de nuestro Loquillo - quienes grabaron juntos, por cierto-: "fue el personaje más grande que ha dado el rock en Europa" y " con su muerte se acaba la cultura del rock and roll" .


Descanse en paz  (París 15 de junio de 1943- París 6 de diciembre de 2017).

Fats Domino mor als 89 anys: Adéu al somriure del rock' n roll:

Duem una temporada llarga on les desaparicions dels icones del rock proliferen. Aquest cas ha estat la del gran Fats Domino, un dels grans supervivents del rock' n roll pioner que ens va deixar abans d' ahir (24 d' octubre de 2017) als 89 anys. Nascut un 2 de febrer de 1928 com Antoine Domino, i més conegut com a Fats Domino, va començar a tocar el piano i cantar en bars de la seva New Orleans natal als 14 anys, saltant a la fama l' any 1955 amb el tema coescrit per ell i Dave Bartolomew "Ain't That a Shame" i un any més tard amb "Blueberry Hill" de Vincent Rose.
                                  


Aquestes gravacions van suposar un èxit i el van situar a la lliga dels Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis,... marcant la diferència amb aquells gràcies a les arrels de la música mestissa de la seva ciutat d' origen.

                               
El seu carisma, la seva veu dolça i el seu piano d' estil boogie-woogie han marcat a moltes generacions d' artistes, des del propi Elvis, als Beatles (per Paul Mc Cartney era el seu referent juvenil), als moviments raggea i ska,...
                            


Des del 1980 no va abandonar la seva New Orleans, fent aparicions públicas puntuals i inclús arribant a quedar-se en el seu domicili en plenes inundacions de l' huracà Katrina.

Geni i figura i tot una llegenda que se' ns va en plena vellesa i que deixa un buit impossible d' omplir.

ESPECIAL CHUCK BERRY: "CADILLAC RECORDS" (2008):

Qué mejor homenaje a la pérdida del gran Chuck Berry que recordar la película Cadillac Records dedicada a la Chess Records, la compañía que lo catapultó hacia la fama. Un repaso a la película y a sus personajes.

                  
"Cadillac Records" és una pel·licula de l' any 2008 basada en la història de la icònica discogràfica de Chicago CHESS RECORDS. Dirigida per una semi-desconeguda Darnell Martin, el film narra la història de la companyia de discos de Leonard Chess - interpretat per un Adrien Brody (Oscar per "El pianista") - des de la seva fundació fins al descobriment i alça d' unes emergents estrelles del rythm 'n blues Muddy Waters, Chuck Berry, Etta James,... Entremig les relacions entre artistes i amb el seu mentor, així com els abusos d' alcohol i drogues, i les desavinençes per raons econòmiques. I els cotxes, en concret els Cadillac com a protagonista secundari de la història, regalats pel Leo als seus artistes cada cop que assolien els èxits esperats.

Cal dir que la pel·lícula omet (o passa de llarg) personatges tant rellevants per a la Chess com són el germà del Leo, Phil, força responsable en la història de la companyia, o músics imprescindibles com  Bo Diddley, Muddy Guy o Ike Turner.

A destacar els treballs de Jeffrey Wright (actor conegut també per aparèixer a la quarta temporada de Boardwalk Empire) al càrrec de Muddy Waters on canta les seves cançons i de Beyoncé Knowles que poc després d' interpretar un paper inspirat en Diana Ross a "Dreamgirls" (2007) es posa en la pell d' una altre gran solista dels seixanta.

Anem a veure quins són els personatges principals de "Cadillac Records":

Leonard Chess (Adrien Brody): Inmigrant polonès, l' ambició sempre hi és present en ell des dels seus inicis humils on somia poder-se comprar un Cadillac. De com munta el seu club nocturn (el Macomba Lounge)  amb música en viu i com topa amb el talent, fent-lo crear l' empresa discogràfica. La seva persistència, els soborns als discjoqueis y la lleieltat amb els seus artistes (moral que no econòmica), són narrats al llarg de la pel·lícula. Aparentment fidel a la seva dona, el film intueix una relació especial amb Etta James de qui se' n fa cura fins al final.



Muddy Waters (Jeffrey Wright): Un dels grans del blues de sempre. La seva història és explicada des dels seus inicis a les plantacions de cotó, passant als seus concerts al carrer, fins a arribar a ser una estrella popular amb totes les grandeses i tots els seus defectes (infidelitats, disputes...). La peli explica la relació amb la santa de la seva dona, la seva fidelitat al Leonard i al Little, de qui s' adona massa tard d' haver-lo abandonat. Cap al final es mostra com uns jovenets Rolling Stones (què ben caracteritzats!) el van a conèixer i se li declaren admiradors (el nom prové d' una cançó seva) abans d' endur-se' l a la Gran Bretanya on la seva carrera despunta per sempre.



Little Walter (Columbus Short): El veritable antiheroi del film és aquest virtuós de l' harmònica que es perd amb la violència i els abusos de l' alcohol i drogues. Amb un sol gran èxit a les llistes acaba mig indigent i de mala manera. Manté una relació amorosa-maternal amb la dona del Muddy.




Chuck Berry (Mos Deaf): Pioner del rock' n roll, artísticament va més enllà que els músics companys de segell, creant un nou estil que bebia també del country. A l' abscència d' adiccions, professionalitat i carisma se' l junta la seva debilitat: les jovenetes fans. És per aquest motiu que l' acaben detenint per transportar una menor fora de l' Estat. Financerament és el que manté a tota la Chess ja que és l´únic capaç d'arribar al gran públic trencant les barreres racials.



Etta James (Beyoncé): Intrusa en un món d' homes, Etta James mostra el seu talent ilimitat al món alhora que una fragilitat pels seus orígens familiars que l' empenyen als abusos de l' alcohol i les drogues. Això fa que en Leonard mantingui una relació " especial" i que la rescati del pou. El sentiment a l' interpretar les cançons - "At Last" és el gran èxit salvador de l' època en que Chuck és a presó - posen de manifest el talent vocal i expresiu d' una Beyoncé desaprofitada entre balls i cançons contemporànies superflues.





Howlin' Wolf (Eamonn Walker): Un altre dels grans del blues primitiu, referent de futures generacions de músics, apareix molt ben caracteritzat físicament i personalment, doncs el seu caràcter fort, de valors purs i serietat queda palesa, a l' igual que la seva rivalitat amb el Muddy, baralla per guitarrista d' acompanyament i tot. Gran escena quan apareix disparant en un concert del seu rival artístic.



Willie Dixon (Cedric The Entretainer): Baixista i compositor de molts dels èxits de la Chess, i nom seminal en els llibres del blues, té una participació secundària en aquest biopic, tot i que al final ens queda ben clar que va acabar sent recompensat econòmicament per haver signat un munt de temes essencials del blues de la època.






B.S.O. :


La seva Banda Sonora Original compta amb les interpretacions dels clàssics de la Chess que sonen a la pel·lícula a càrrec dels propis actors destacant les versions cantades per una Beyoncé en estat de gràcia, amb temes com "At Last" o "Once In A Lifetime", i del Jeffrey Wright que assumeix "I' m A Man" i "I'm Your Hoochie Coochie Man" com si es tractés del mateix Muddy . Mos Def versiona també al seu personatge Chuck Berry amb encert. Altrement també apareixen originals de Little Walter com " Last Night" en un homenatge al personatge menys conegut dels que apareixen.

Molt recomanable banda sonora pels amants del cine i pels col·leccionistes del rock' n roll i blues primitiu, Us deixem el llistat de cançons amb els seus intèrprets:

"I' m A Man"- Jeffrey Wright
"At Last" - Beyoncé
"No Particular Place to Go" - Mos Def
"I'm Your Hoochie Coochie Man" - Jeffrey Wright
"Once In a Lifetime" - Beyoncé
"Let's Take a Walk" - Raphael Saadiq
"6 o'Clock Blues" - Solange
"Nadine" - Mos Def
"The Sound" - Mary Mary
"Last Night" - Little Walter
"I'd Rather Go Blind" - Beyoncé
"My Babe" - Columbus Short
"Bridging the Gap" - Nas (feat. Olu Dara)

ESPECIAL CHUCK BERRY: El largo adiós (1926-2017):

                     




Entrados los años 50 un Big Bang azotó las cabezas de los jóvenes para arrojarles algo para la posteridad. El disc Jockey Alan Freed dio nombre al fenómeno y le llamó Rock’ n Roll. El nuevo sonido había llegado para quedarse, monopolizar las pistas de baile, incomodar a los conservadores, acabar con las segregaciones raciales y sobre todo, dar una nueva forma artística con la que expresarse a distintas generaciones de jóvenes disconformes.


Aunque nunca hemos tenido claro quién fue el inventor del género, ni su primera canción, ¿lo es “Rock Around The Clock” de Bill Haley y sus cometas? ¿ lo es “That’ s All Right Mama” de un chico blanco de Tupelo ? ¿ O el “Tutti Frutti del superviviente Little Richard? Puede que todos y otras lo sean a la vez.


Luego el invento se fue engrandeciendo, con un Elvis que se desató como la mayor fuerza de la naturaleza habida y por haber y que con su inmenso talento trasladó al fenómeno sureño hacia todo el planeta, junto con el surgimiento de otros fenómenos como el mencionado Little Richard y sus histriónicos espectáculos al piano, o los rebeldes Gene Vincent y Eddie Cochran, el carismático Fats Domino que ya empezara con el experimento a finales de la anterior década, un Bo Diddley cargado de ritmos tribales, el Buddy Holly impulsándolo hacia el pop, la gran bola de fuego de Jerry Lee Lewis (aún entre nosotros), Ritchie Valens y su latin rock’ n roll, el vudú y los aullidos de Screamin Jay Hawkins, Wanda Jackson reivindicando el papel de la mujer y otros tantos y tantos pioneros de una música incomparable.


Una música que no podría concebirse sin un nombre propio escrito en letras de oro: Chuck Berry. Suya fue la primera pieza de rock’ n roll de guitarra eléctrica de título “Maybellene”, grabada en 1955 al poco tiempo de “That`s All Right Mama” de Elvis Presley, y como aquella combinando el rythm and blues con el country. Con ella Berry demostró como el rock había nacido para ser tocado con solos de guitarra eléctrica o como la guitarra eléctrica – perdonen los fans de Jazz o del Blues – había sido hecha para el rock. Pero también había demostrado como el rock era capaz de transmitir historias reivindicando el papel del intérprete compositor.


                               


Todo empezó en Saint Louis (Mossouri) un 18 de octubre de 1926 cuando un bebé nació bajo el nombre de Charles Edward Anderson hijo de un contratista y sacerdote baptista y de una maestra y directora de colegio, cuarto de seis hermanos, vivió una infancia en la que no tuvo lujos pero tampoco abundancias. Desde bien pequeño ya tuvo interés por la música, aprendiendo a tocar con una guitarra de cuatro cuerdas con la ayuda de libros y de vecinos que le enseñaban, rápidamente fue aprendiendo hasta formar parte de una banda de blues con 10 años en la que también cantaba. Luego comenzaron sus problemas cuando yendo de viaje con dos colegas a Kansas lo detuvieron por haber realizado una serie de robos con pistola por lo que fue internado por tres años en un reformatorio.


Afortunadamente al salir siguió con la música con la que alternó con trabajos en la General Motors, en peluquería o de conserje. También se casó con Themetta Suggs con quien tuvo una hija Darlin, nacida el 3 de octubre de 1950.


Tres años más tarde entró a formar parte del Sir John Trio para tocar en el local de moda de Saint Louis Cosmopolitan. Su protagonismo fue a mas hasta que la banda pasó a llamarse Chuck Berry Combo y a tocar piezas de Country, Blues o incluso de Nat King Cole captando un público multiracial. Por aquella época su modo de tocar los riffs estaba influenciada por la técnica de un músico llamado T-Bone Walker a quien fue a ver en Chicago lugar donde conoció a uno de sus ídolos Muddy Waters, el gran bluesman quien le presentó a Leonard Chess y la cosa despegó.


                     


Fue con la Chess Records con quien grabó el single “Maybellene” vendiendo un millón de copias y alzándose en los primeros puestos de éxitos en distintas categorías (rythm’ n blues, country y pop).


Luego llegaron otros éxitos como “Too Much Monkey Business”, “Roll Over Bethoven”, “Carol”, “Sweet Little Sixteen”, “Rock’ n Roll Music”, “Johnny B Goode”, “Memphis Tenesse”, … y un largo sinfín descomunal.


                                    


Canciones de ritmos trepidantes, guitarrazos fogosos e historias inteligentes. La vida en la carretera, las actuaciones portentosas, los coches, la fama…. y las chicas jóvenes, su perdición. Pues si bien Chuck ni fumaba ni se drogaba sí que se dejaba llevar por la tentación de las grupies (preferiblemente jóvenes, blancas y rubias), lo que le llevó a estar cinco años en prisión cuando en diciembre de 1959 contrató a una menor que había recogido en Méjico para que trabajara en su club. Dudosos fueron el procedimiento y la condena – Chuck afirmó creer que ella era mayor de edad – especulándose que fue el stablishment tan contrario a los “mensajes nocivos” de la nueva música para la juventud quien lo apartaron de la vida pública.


Su carrera continuó al salir a la calle pero desafortunadamente sus mejores discos ya habían pasado, especialmente “One Dozen Berrys” (1958) y “Chuck Berry Is On Top” (1959) , que junto al resto de su legado le hicieron entrar en la primera edición del Salón de la Fama del Rock de 1986, así como tener su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood o a ser nombrado por la revista Rolling Stone entre los cinco nombres imprescindibles del rock de todos los tiempos.


                                


Considerado como el compositor más influyente del rock’ n roll inicial, sus letras han inspirado a monstruos como Bob Dylan (“Subterranian Homesick Blues” viene del “Two Much Monkey Bussiness”) o Ray Davies, y sus canciones han sido interpretadas por Jimi Hendrix, los Beatles, los Stones, David Bowie y toda gran banda que se tercie.


Pero no solo hablamos de un compositor sensacional sino también de un guitarrista virtuoso y cantante carismático que nunca ha abandonado los escenarios, como el 8 de abril de 2005 en Girona (Sala La Mirona) en la que algunos tuvimos el privilegio de comprobar su grandeza y la grandeza de sus canciones. En la retina de los fans ha dejado su paso de pato – tan imitado por el inigualable Angus Young de ACDC – , sus “rapeos” y una actitud rockera que solo los que llegaron de tan lejos en el tiempo llevaban en su ADN.


                                      


Su muerte el pasado sábado se produjo meses después de cumplir los 90 y del anuncio de su vuelta discográfica desde el lejano “Rock It!” (79) en un disco que se llamará simplemente “Chuck” y que contendrá mayoritariamente material original. Grabado y producido por él mismo en su ciudad nata: St Louis, dedicado a su mujer Thelmetta, y con sus hijos Charles Berry Jr., Ingrid Berry acompañándolo a la guitarra y armónica, respectivamente. La familia tras su muerte ha pedido a la discográfica que lo anticipe como mejor homenaje posible en una decisión que a buen seguro mitigará la pérdida.


Si bien se nos ha ido con la vejez y en un momento en que ya poco tenía que ofrecer (seguro que lo nuevo será continuista de su legado), no podemos dejar de sentirnos tristes pues se ha ido uno de los grandes pilares del rock que aún sentíamos que rondaba por aquí.


Por Álex Guimerà


Publicado en http://www.eldestiladorcultural.es/musica/rock/el-largo-adios-chuck-berry-1926-2017/