GRANDES DISCOS: Remain In Light (1980) por TALKING HEADS:

Talking Heads siempre fue el proyecto de David Bryne, aunque la agrupación se disolviera en 1991 y él prosiguiera en solitario, se me antoja que tuvo una perfecta y coherente continuidad artística dentro y fuera de los “Cabezas parlantes”. Por algo él era el único que gozaba de ingenio capaz de dejar huella para la posteridad.
Impredecible y hábil para crear infinitas texturas rítmicas, siempre ha estado dotado de un sinfín de recursos melódicos que a menudo pueden llegar a parecer extravagantes pero que contienen siempre un elemento de adicción. Su sentido del ritmo no tiene parangón y para construirlo bebió de múltiples fuentes que iban desde el funk negro de grupos por él contemporáneos como Funkadelic o Parliament, hasta músicas africanas y latinas de raíz, pasando por el pop de su tocayo y luego íntimo amigo David Bowie.
Oriundo de Escocia pero residente en Nueva York a mediados de los setenta decidió formar una banda junto con sus compañeros de instituto Chris Frantz (batería) y Tina Weymouth (bajo) a la que llamaron The Artistics. El trío se hizo con un nombre en la escena neoyorquina gracias sus directos en el club CBGB, hecho que les llevó a telonear al grupo de moda, los revolucionarios“Ramones”. Pero antes pasaron a denominarse “Talkin Heads” e incorporaron al guitarrista Jerry Harrison.
Poco después ficharon por el sello “Sire Records” y gravaron su disco de debut “Talkin Heads: 77” (1977) en el que demostraban cómo letras de lo mas intelectuales podían coexistir con los ritmos de lo mas irreverentes.
Eran los comienzos de la “New Wave”, un nuevo movimiento rupturista parido a la vez que el punk pero con el que mantenía grandes diferencias. Mientras que el punk buscaba la inmediatez de sonido tomando como referencia el pasado más primitivo del rock, la “Nueva Ola” tenía más pretensiones experimentales y miraba directamente hacia el futuro.

Fue en “Remain In Light”, su cuarto trabajo, cuando los Heads tocaron su cenit creativo, para lo cual contaron con la ayuda de otro genio en la producción como es Brian Eno, quien había abandonado –o mejor dicho sido expulsado de- Roxy Music debido a sus desavenencias con Bryan Ferry seis años atrás. Para entonces Eno había adentrado a Bryne en el jazz afrobeat de Fela Kuti y su multinstrumentalismo, quedando tan prendado que quiso adaptarlo para su nuevo disco.
A esto, se añadió el hecho de que dos de los miembros de los Heads (Chris y Tina) se fueron al Caribe a contraer matrimonio y a desconectar de la agotadora gira de su anterior disco “Fear Of Music”. Allí la pareja exploró los ritos nativos hamaicanos y sus percusiones ancestrales, y también tuvo tiempo de ir a Jamaica a instruirse en los ritmos del reggae. Terminada la luna de miel se reunieron con sus otros dos compañeros en Nassau (Bahamas) dónde la banda ya había grabado con anterioridad.
De este modo el cuarteto realizó unas jam seassions para experimentar las nuevas propuestas rítmicas que traían el Sr. y la Sra. Frantz, a lo que Bryne no solo tuvo que ceder cotas de protagonismo en su banda sino que además tuvo que realizar un ejercicio de humildad y de aprendizaje que resultó fundamental para el devenir de la agrupación.

El resultado lo encontramos en un álbum insólito e innovador que introducía poliritmos tanto africanos como caribeños junto con los samplers y la alquimia de Eno, todo ello regado con la particular poesía del propio Bryne. Las ocho canciones de “Remain In Light” fueron elaboradas con la variación de un mismo acorde tras horas de ensayos y grabadas con la participación de un sinfín de músicos de apoyo e ingenieros de sonido a caballo de los estudios Compass de Nassau y Sigma Sound de Nueva York.
“The Overload” nos adentra a una auténtica selva rítmica y sonora, en la que los ingeniosos versos antigubernamentales de Bryne son complementados deliciosamente con la teatralidad de su interpretación y unos coros que rezan adorablemente “The Heat Goes On”. Una combinación constante que se repite en la desalienante “Crosseyed And The Painless”, en “Listening Wind” cuyos coros melosos se esconden tras unos irritantes sonidos o en la pieza central, la reconocible“Once In A Lifetime”, que fue el primero de los singles incluidos aquí omnipresente en todas las radios del momento. En el otro single “Houses In A Motion” se escuchan unos sonidos electrónicos arábigos casi irritantes que se rompen con la suavidad del estribillo.
Mas calmadas son “Seen And Not Seen” en que Bryne ejerce de perfecto rapsoda o “The Overboat” con destellos de sus coetáneos Joy Division.

Para rematarlo la obra venía empaquetada con una portada de lo mas chic en que bajo las giradas letras del nombre del grupo aparecen las cuatro caras de sus componentes escondidas detrás de un basto pixelazo de color rojo.
“Remain In Light” no solo alcanzó buenos puestos en las listas de ambos lados del Atlántico sino que fue auténtico hito musical que se adelantó a sus tiempos y que acrecentó la fama de un cuarteto cuyo éxito se forjó en ambientes universitarios e intelectuales de la costa Este de los EEUU que quedaron seducidos con su vanguardismo y alternativo concepto del arte, pero también con aquel lirismo enfocado a la crítica de su sociedad estática y carente de valores. Nos situamos en 1980 y la nueva década nada mas había hecho que comenzar.

Por Àlex Guimerà



Once In a Lifetime

You may find yourself living in a shotgun shack
And you may find yourself in another part of the world
And you may find yourself behind the wheel of a large automobile
You may find yourself in a beautiful house, with a beautiful wife
You may ask yourself, "Well, how did I get here?"

Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground

And you may ask yourself, "How do I work this?"
And you may ask yourself, "Where is that large automobile?"
And you may tell yourself, "This is not my beautiful house"
And you may tell yourself, "This is not my beautiful wife"

Letting the days go by, let the water hold me down
Letting the days go by, water flowing underground
Into the blue again, after the money's gone
Once in a lifetime, water flowing underground

Same as it ever was, same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was, same as it ever was
Same as it ever was, same as it ever was

Water dissolving and water removing
There is water at the bottom of the ocean
Under the water, carry the water
Remove the water from the bottom of the ocean
Water dissolving and water removing

Letting the days go by, let the water hold me down

HOY FREDDIE HABRÍA CUMPLIDO 65 AÑOS...

FREDDIE MERCURY (5 de septiembre de 1946 – 24 Noviembre de 1991)




Nacido en Tanzania en el sí de una familia parsi (de la India británica) ya de bebé tenía un carisma arrollador.


Pasó su infancia en internados y escuelas de Bombay (India) hasta que la revolución Zanzíbar le llevó a Inglaterra a los diecisiete años. Para entonces ya había desarrollado una habilidad especial para la música, ya fuera cantando o tocando el piano.


Freddie adolescente y estudiante de arte, estudios que le sirvieron para hacer los logos de su futura banda "Queen".


A finales de los sesenta y principios de los setenta formó parte de distintas bandas. Aquí con "Sour Milk Sea", quizás la primera un poco seria.


Aquí aparece junto a unos también jovencísimos John Deacon, Brian May y Roger Taylor. Era "Smile" precursores de Queen.


Uno de los grandes impulsores del Glam Rock en los setenta. Se ha hablado mucho de Bowie o Marc Bolan, pero Freddie Mercury es uno de los grandes iconos del movimiento.


Con un traje arlequinado. Estaba claro que su lugar era encima de los escenarios.


Los éxitos no tardaron en llegar con Queen de la mano de grandes discos en los setenta como "Queen II", "Sheer Heart Attack", "A Night At The Opera" o "News Of The World".


Componiendo uno de los tantos himnos que le han hecho inmortal. Si bien la autoría de Queen se repartía entre sus cuatro componentes, Freddie firmó muchos de los mayores éxitos de la formación como "Bohemian Rhapsody", "We Are The Champions", "killer Queen", "Somebody To Love" o "Crazy Little Thing Called Love".


Los años iban pasando y Freddie entraba en los ochenta pisando fuerte con memorables discos como "The Game", "The Works" o "A Kind Of Magic".


Su sola presencia llenaba grandes estadios en los ochenta.


En la actuación de Queen en el Live AID ante 72.000 personas. Se ha dicho de esta actuación que fue el mejor directo de la historia del rock.


Con su gran amor Mary Austin a quien conoció en el año 1970 y con quien convivió durante varios periodos. Aunque Freddie era gay y tyvo muchos novios y amantes, Mary fue para él como una esposa.


Mary lo acompañó a lo largo de toda su vida y a ella le dedicó la canción inmortal "Love Of My Life".


Con Elton John.


Con John Deacon y Michael Jackson. Estamos en los años 80 y si el rey del pop era Jacko, Queen reinaba como nadie en el rock.


Pecho lobo y tenista. Aunque su vida privada fue controvertida siempre quiso mantenerla fuera de la opinión pública.


Freddie era un auténtico enamorado de los gatos.


En la época del último disco oficial de Queen y quizás uno de los mejores: Innuendo. Para entonces Freddie utilizaba el maquillaje para ocultar su enfermedad.


Con su gran amiga Montserrat Caballé. Con ella nos dejó el discazo "Barcelona" con la homónima pieza que adornó los Juegos Olímpicos de la Ciudad Condal. En solitario y sin abandonar Queen sacó tres maravillosos discos (a parte del mencionado, "Mr. Bad Guy" y "The Freddie Mercury Album").


Una de sus últimas fotos antes de fallecer. Hasta el final no hizo público tener Sida y lo hizo en un comunicado escrito cuando ya estaba avanzado el proceso.


El funeral. Tal y como quería Freddie lo incineraron y nunca se ha sabido que fue de sus cenizas, si están en el lago Ginebra o en su mansión de Londres.


Su estatua en Montreaux- Suiza. Allí pasó grandes periodos en sus últimos años de vida y allí compuso muchas de las canciones que se publicaron postumamente. Para él Suiza era una especie de paraíso.


Su estrella de la fama en Hollywood. Nunca una estrella brilló tanto en el mundo de la música.



Ficción de como sería Freddie a día de hoy ¿Se habría jubilado hoy mismo?

GRANDES DISCOS: No Dice (1970) por BADFINGER:

Perfectamente podrían haber sido el grupo de los setenta, en cierto modo tenían todos los elementos para conseguirlo: vitalidad, talento para los instrumentos, infinita capacidad para la composición, los padrinos mas famosos del planeta rock, y lo mejor de todo, un puñado de canciones realmente buenas.

Incomprensiblemente ni la fama ni la crítica nunca estuvieron a su altura, y si bien tuvieron una cierta notoriedad no se les hizo justicia a lo mucho que aportaron a la música, ni décadas mas tarde podemos afirmar que gocen de un reconocimiento debido.
Pero empecemos un poco desde el principio porqué su historia es de las mas novelescas que se hayan escrito en el mundo del rock, una historia repleta de grandes luces pero también de pasajes sombríos, con un desenlace digno de la mas espeluznante de las tragedias griegas.

Nos encontramos al final de los sesenta, la década que cambió el rock y la década de los Beatles. En esa época los genios de Liverpool idearon una sociedad que les permitiría invertir sus descontrolados caudales y a la vez poder dar oportunidades a artistas que empezaran. De este modo se constituyó “Apple Records” cuyo primer fichaje fueron cuatro jóvenes galeses llamados The Iveys que tenían un potencial que les llevó a ser etiquetados como los “nuevos Beatles” incluso por aquellos mismos.



Después de publicar un álbum de debut que transcurrió sin pena ni gloria, The Iveys pasaron a llamarse Badfinger y gravaron su segundo álbum “Christian Magic” (1969) en el que contaban con un éxito que Paul Mc Cartney les había regalado “Come And Get It” y con el que alcanzaron sus primeros éxitos a la vez que presentaban sus credenciales.

Especial 30 aniversari de la mort de Bob Marley (II) (continuació):

The Waily Wailers - la banda fundada per Bob Marley, Bunny i Peter Tosh, que van incloure a Junior Braithwaite, Beverley Kelso, Cherry Smith i als germans Aston i Carlton Barrett- va publicar el 1964 el seu primer single “Simmer Down”, el qual va revolucionar a tota Jamaica, i no cal dir que també va arribar al número u de les llistes d´ aquell país.
Malgrat que el grup va assolir certa popularitat a l´ illa caribenya, els anys que van seguir a aquest debut van ser força complicats per ells, tant per l´ abandonament d´ alguns dels seus membres com per la ruptura amb productors i discogràfica, així com pels constants problemes econòmics que van haver de patir.
És en aquella època quan en Bob va casar-se amb Rita, una cantant cubana afincada a Kingston ( l´ enllaç va ser el 10 de Febrer de l´ any 66) amb qui va emigrar cap als Estats Units per a poder estar a prop de la seva mare que aleshores vivia a Delawere. L´ estada, però, va ser curta i al tornar en Bob ja no va mirar enrere i els anys que van seguir va obtenir una seqüència d´ èxits que no va aturar-se fins a la seva mort. En primer lloc el 1969 torna a reunir la seva banda Bunny, Tosh i els germans Barrett sota el nom de The Wailers.
Estem a la dècada dels setanta i la seva figura comença a tenir ressò internacional mercès a un seguit de elepés meravellosos com són “Burnin´ “ (1973) , “Catch A Fire” (1973), “Exodus” (1977) o els imprescindibles “Natty Dread” (1974) i “Live” (1975). Els hits els tenim tots al cap i dubto puguin sortir d´ allí. Cançons com “One Love”, “Could You Be Loved?” , “No Woman No Cry”, “Jamming”, “I Shot The Sheriff” o “Redemption Song” formen part de la cultura popular d´ arreu del món. Al marge que sovint s´ identifiquin aquests himnes amb les rastes i amb el cannabis i amb la frivolització de tot el que va suposar (i suposa avui dia) les lluites del moviment rastafari, hem de rendir-nos davant d´ una música i d´ un artista que van obrir les portes del rock a les músiques ètniques, en un territori monopolitzat pel món occidental i sobre tot per l´ anglosaxó.

De la vida personal de Bob Marley s´ ha dit de tot: que si era masclista, gelós i agressiu amb les dones, que amb l´ èxit mundial va tornar-se bastant materialista i superficial, que ai preferia relacionar-se amb gent de classe alta, o inclús que va violar a la seva pròpia dona.
El que sabem del cert és que va deixar al món un total de dotze fills: tres de Rita, dos d´ adoptats i set de relacions extra-maritals, alguns dels quals va haver-los de criar la seva pròpia esposa. No sols això, sinó que aquesta va haver de cohabitar en la mansió en que vivien de Kingston amb algunes de les amants que tenia en Bob.
En qualsevol cas nosaltres ens quedem amb la figura musical i en el símbol que representa i en el fet que a dia d´ avui la seva música segueix tant en voga i actual malgrat que ja hagin passat tres dècades des del dia de la seva mort .

R. I. P. Nine Miles 6-02-1945 / Miami 11-05-1981
Per Àlex Guimerà

CLARENCE CLEMONS (11/01/42 Virginia - 18/06/11 Florida)

Rest In Peace Big Man....

JOHN CALE - PARIS 1919 a l´Auditori del Forum (Primavera Sound) 28-5-11

Després de gravar l´ obra mestra “White Light/White Heat” (1968), la segona de la Velvet Underground, John Cale va haver d´ abandonar la banda. Sembla ser que la coexistència dins la magistral formació amb l´ altre geni Lou Reed va desencadenar que l´ autor de “Transformer” - diuen que pres de la gelosia del talent del gal·lès -posés entre l´ espasa i la paret a la resta de l´ agrupació al fer-los escollir qui dels dos havia de plegar.

Un cop fora, el multinstrumentalista va centrar la seva atenció musical en la producció d´ altres músics amb treballs tant notables com van ser el debut dels Stooges, alguns discos de Nico o de Nick Drake i més endavant el “Horses” de la Patti Smith, fent palesa la seva capacitat creativa. No obstant, durant aquest període també es dedicaria a la composició i a la gravació de material propi. Com quan al 1970 va treure al mercat “Vintage Violence”, un disc de marcat caràcter folk, i un any després un complexa i vanguardista “The Academy In Peril” , totes dues antesales de la seva obra magna i del que és un dels millors tractats pop-rock que mai s´ han fet. Estem parlant del “Paris 1919” (1973).

Reconec que no he profunditzat en la seva obra en solitari però si que he de dir que aquest disc en majúscules està entre els meus preferits de sempre, havent-me enganxat des del primer dia que vaig tenir la fortuna de poder-lo escoltar.

A “Paris 1919” Cale explota les seves qualitats no sols compositives sinó també instrumentals. Estem parlant d´ algú que als cinc anys ja s´ iniciava a l´ estudi de la música clàssica i als vuit ja composava. I és precisament classicisme el que revessa al disc. Amb una instrumentació altament treballada que fa lluir cada un dels vuit talls amb la veu poderosa i afinada de l´ ex Velvet com a fil conductor.

Aixímateix, els textos que acompanyen les dolces melodies denoten l´ intel·lectualisme del seu creador, el qual amb aquest disc intentava rememorar el Paris de principis de segle XX. Resulta evident que en l´ època en que va composar-lo, el denominat enfant terrible del rock es trobava en un període d ´ especial inquietud i d´especial interès per tot el que tenia a veure amb la filosofia o la poesia. A tot això hem d´ afegir els abusos d´ absenta i d´algunes drogues que l´ influenciaven en les seves produccions preminenment experimentals. En aquest cas, però, Cale va aparcar la recerca de noves formes per moldejar un disc més convencional i inspiradament bonic que concentraria cada un dels seus aprenentatges clàssics sense semblar excessiu i superflu, quelcom que havia sovintejat els anys anteriors en les denominades òperes-rock.

Però centrem-nos en com vam reviure aquest “Paris 1919” a l´ Auditori del Fòrum el dia 28 de maig passat dins del Festival Primavera Sound:



Havent pagat el peatge d´ esperar i fer cua a primera hora de la tarda d´un dissabte calurós, els escassament 3.000 espectadors que teníem cabuda a l´ Auditori vam anar poblant les nostres localitats. Després d´ un preludi irritant pels nostres oïdes gràcies a un so de viola distorsionada (només un autèntic esnob podria exaltar-ho!) les llums es van abaixar i a l´ hora assenyalada amb la puntualitat britànica que era d´esperar van començar a aparèixer músics damunt l´escenari, fins a un total de dinou, majoritàriament clàssics (l´orquesta BCN216) però alguns de la banda rock. I darrera de tots ells un John Cale sorprenentment vestit amb armilla i faldilla escosesa entrant amb tota la parsimònia i situant-se al darrere dels teclats. El silenci expectant era preludi del que havia de venir...

Des de les primeres notes de l´ autobiogràfica “Child's Christmas In Wales” vam poder comprovar com la intensitat, l´ optimisme i els curats arranjaments amb els quals va ser gravada seguien intactes al pas del temps. Malauradament la veu no n´ havia sortit igual d´ indemne, i amb “Hanky Panky Nohow” la gola del gal·lès va haver de tirar d´ ofici per poder mantenir les virtuts originals. Amb “The Endless Plain of Fortune” el deleit del seu particular pop de cambra avançava i el disc se´ns escorria de les mans. És el que va passar amb l´ esperada “Andalucia” una preciositat de cançó on la metàfora de l´ amor serveix per lloar a unes terres encisadores. Ens trobàvem a l´ autèntic clímax del concert (i del festival) junt amb la que la va seguir, l´explèndida “Paris 1919” amb els seus violins lluminosos i la seva tornada mítica a to de “You´ r A Ghost laralarala”. Per tornar-se boig.

La literària “Graham Greene” i la històrica “Half Past France” evidenciaven encara més la magnitud del disc i el nostre privilegi de poder-lo paladejar en directe amb tots els seus matisos instrumentals. I després d´ aquestes “Antarctica Starts Here” que enlloc de murmurejar-la com va fer en el disc Cale la va cantar a viva veu. Té sentit el canvi si atenem que mentre que en el vinil era la última peça, en el directe va ser la penúltima abans de “Macbeth” que havia estat saltada del seu ordre. Aquesta darrera, un rock´ n roll festivaler, em va semblar ideal per concloure la part de la interpretació del disc, alegre i rítmica, probablement la més típica de totes les del “Paris 1919”, pop de tota la vida.

En acabar l´ èxtasis em va venir la incògnita de si ja havia finalitzat l´ audició o bé si s´ afegiria alguna altre peça, tant debò fos alguna de la Velvet o la versió d´ “hallelujah” que li havia vist interpretar en directe en un homenatge a Leonard Cohen. El que va succeir aleshores va ser que l´ orquesta va abandonar l´ escenari, restant únicament la formació rockera amb en John al capdavant (guitarra electrica en mà), a la que s´hi va afegir un cor de tres veus femenines per interpretar una recent “Jumbo intha Mothernworld” (2006). En aquell moment qualsevol comparació resultava del tot odiosa i d´ alguna manera havíem de retornar a trepitjar de peus a terra després del que acabàvem de gaudir. També vindrien dues de noves “Hey Ray“ i “Sentimental”, per aquesta darrera havien retornat els músics clàssics. Tot plegat evidenciava la irregular trajectòria d´ un rocker que ha estat capaç de mirar als ulls a les muses de la inspiració i després caure en el més trist anonimat de la ma de la mediocritat. Ho confirmaven les següents “Secret Corrida” (1996) i “Hedda Gabler “ i la final “Captain Hook” ambdues del disc “Sabotage” de 1979. Si bé no podem dir que totes elles siguin cançons insuportables o indignes en si, si que podem afirmar que mai passaran sense pena ni glòria en els Ipods o aparells musicals dels qui després d´ escoltar els dos primers treballs de la Velvet Underground i aquest Paris 1919 vulguin aprofundir en la obra del majestuós John Cale.

Per Àlex Guimerà





SETLIST:

PARIS 1919 :

Child's Christmas in Wales
Hanky Panky Nohow
The Endless Plain of Fortune
Andalucia
Paris 1919
Graham Greene
Half Past France
Antarctica Starts Here
Macbeth

Bonus Tracks:

Jumbo intha Mothernworld
Hey Ray
Sentimental
Secret Corrida
Hedda Gabler
Captain Hook

PRIMAVERA SOUND 2011: PARC DEL FORUM (del 25 al 29 de Mayo el 2011):

Digerido un final de semana maratoniano de conciertos es hora de que haga un pequeño resumen de lo que pude ver :

Viernes:

- Avi Buffalo:
En su primera actuación en nuestras tierras, el jovencísimo cuarteto de Long Beach hizo un concierto en el que se limitó a interpretar dos canciones de su homónimo álbum de debut "Remember Last Time" y el single "What ´s In It For" completadas con composiciones inéditas que dejan entrever un próximo segundo álbum. Es digno de mención cómo su líder y factotum Avi Zahner-Isenberg tocaba los solos de guitarra como un poseso al lado de la pasividad y apatía de alguno de sus compañeros. Curioso contraste.

-Tennis:
Pop acaramelado con mirada puesta en los primeros sesenta. Los responsables, el joven matrimonio de Denver formado por Patrick Riley (guitarra) y Alaina Moore (teclados y voz) que nos engancharon rápidamente con sus alegres canciones minimalistas ideales para llenar la tarde en un escenarios menor como el ATP (nombre muy apropiado para el grupo, por cierto).

- Jason Collett:
El canadiense abandonó la pomposidad de Broken Social Scene para ofrecer un íntimo y agradable concierto en el recóndido escenario Adidas en el que sólo precisó de su guitarra acústica y melancólica voz. Folk de toda la vida para tomar un respiro en el festival.

- M Ward:
Con una carrera en solitario mas que consolidada y que trasciende a sus fabulosos proyectos "She And Him" y "Monster of Folk", M. Ward dio muestras en el escenario San Miguel de su poderío rockero de la mano de temas como "Chinese Translation" o una inmejorable versión de "Roll Over Bethoven" tras la cual eché en falta mas rock ´n roll en el Primavera Sound.

-The National:
A pesar de que los de Brooklyn fueron desterrados al lejano escenario Levante fue uno de los conciertos mas concurridos y esperados del viernes. Repasando de lo mejor que podemos encontrar en su exitoso último trabajo (“High Violet”) ““Bloodbuzz Ohio”, “Afraid of Everyone”, “Terrible Love” (estas dos últimas cantadas con Sufjan Stevens), “Sorrow” “Anyone's Ghost” y “Conversation 16” a las que alternó con algunos de sus anteriores éxitos como “ Fake Empire” o . Quizás se les pueda criticar que no son especialmente animosos o comunicativos con el público, pero a todos los que corrimos para verlos nos quedó claro que su directo es tan fresco y potente como lo es su propuesta.

-Belle And Sebastian:
El genial Stuart Murdoch y los suyos tienen tanto repertorio que van muy sobrados. Su capacidad para crear buenas canciones les permite poder hacer varios conciertos sin repetirse y aún así mantener el nivel. Por ello es normal que al acabar uno de sus conciertos todo seguidor comente que le faltó tal o cual canción. Y en su momento en el PS es cierto que faltaron muchísimas que nos hubiera gustado escuchar. Por suerte los escoceses abrodaron muchas de sus joyas centrándose en dos discos el “Write About Love” (2010) de reciente facturación - con “I Want The World To Stop”, “I'm Not Living in the Real World” – y el “Dear Catastrophe Waitress” (2003) que es el que les llevó a un público mas mainstream - con “Step into My Office, Baby”, “I´ m A cuckoo”, “If You Find Yourself Caught in Love”, “Lord Anthony” y la que da titulo al álbum”-. Pero personalmente para mi lo mejor de todo fue poder gozar de las mas antiguas como son “Judy and The Dream of Horses”, “If You're Feeling Sinister”, “Le Pastie De La Bourgeoisie” que nunca falta en sus directos, “The Boy with the Arab Strap” para la que Stuart hizo subir al escenario a bailar a unos eufóricos seguidores y la final “Sleep the Clock Around” una de mis preferidas que tras escucharla pensé “¿qué mas se puede pedir?”.

-Pulp:
Con toda la expectación y aglomeración del viernes concentrada ante sus pies, los ingleses hicieron todo lo que se esperaba de su regreso a los escenarios, repasar sus éxitos de siempre y dar muestras de su energía y carisma . Por el Parc del Forum desfilaron “Babies”, “Do You remember the First Time?” “Sunrise”, “This Is Hardcore y sobre todo un arsenal de melodías provenientes “Diferent Class”. Hasta ocho temas de su obra magna pudimos corear los mas de cincuenta mil fans que allí nos reunimos. Desde la bailonga “Disco 2.000”, hasta la emotiva “Something Changed”, pasando por la popular “Common People” que Jarvis utilizó para homenajear al campamento y a la lucha de los “indignados”. Y por si fuera poco dejó para el bis un “Razzmatazz” dedicada a la sala del mismo nombre de la Ciudad Condal tal como había hecho por el mismo aniversario de la misma. Ah! Y las luces con las letras P U L P reinando en el escenario. Simplemente memorable.

Sábado:

-Fleet Foxes:
Ya sabíamos que sus discos sonaban de maravilla, con sus voces harmónicas y sus arreglos instrumentales depurados, pero después de verlos vimos cómo su directo también está cuidado y no tiene fisuras. Las canciones mantienen su espíritu sin estar enlatadas ni encorsetadas. Tocaron de todo, del primer disco “Ragged Wood” , "White Winter Hymnal”, “Your Protector" y "He Doesn't Know Why" a las que añadieron “Mikonos”, del recién estrenado “The Cascades” , “Grown Ocean”, “Drops In The River”, “Battery Kinzie”, “Sim Sala Bim” y “Helplessness Blues”. Un grupo con una propuesta original y renovada, herederos de la música folk tradicional americana y con clara inspiración en el sonido de “Crosby, Stills, Nash & Young, su fuerte directo da otro argumento para quienes pensamos que los de Seattle y su rock pastoral tienen largo recorrido.

-P J Harvey:
Ataviada con un vestido blanco y un peinado de lo mas extravagante al mas puro estilo ninfa mitológica la Polly Jean dio un repaso a su último e imponente disco "Let England Shake" (2011) desgranando todas sus piezas a escepción de dos y alternando la guitarra con el autoharp. Acompañada de sus habituales colaboradores John Parish y Mick Harvey completó una notable actuación menos rockera de lo habitual y mas acústica en la que también dio cabida a clásicos como "C'mon Billy", "Meet Ze Monsta", "Pocket Knife", "Down By the Water" o "The Debil" de su anterior e igualmente imprescindible trabajo.

-Animal Collective:
Su sonido no es fácil para alguien que no es ni de lejos seguidor de la música electrónica. No obstante su propuesta experimental que tantea la psicodelia y el noise hicieron que me interesara en su momento por el “Merriweather Post Pavilion” (2009) mas aún después de haber recibido tantas buenas críticas. De este modo me acerqué al escenario San Miguel para ver cómo su puesta en escena no escatima en colorido, ya por sus indumentarias como por los videos alucinógenos que acompañaban en las pantallas, y como sus ritmos tribales y distorsiones no son precisamente santo de mi devoción, mas aún cuando el colectivo animal hizo un concierto demasiado experimental a mi modo de ver y para nada comercial, cuando realmente quizás hubiera sido lo conveniente al ser uno de los nombres fuertes del cartel.

-Mujeres (versionando a The Beatles):
Cuando los festivaleros se encontraban apurando sus últimas cervezas del fin de semana bailando al son de los temazos de DJ Coco (ya empieza a ser un clásico del evento) cuatro músicos trajeados interrumpieron la sesión para sorprender a la concurrencia con buenas versiones de los Fab 4: “I Saw Her Standing There”, “Please please me”, “She Loves You” y “I Should Have Known Better”. Los individuos en cuestión no eran otros que el grupo barcelonés “Mujeres” quienes revisaron los anteriores temas de modo fresco y con su particular punk-garage sesentero. Un acierto de la organización y una suerte mía por estar rondando por allí.

Texto Àlex Guimerà
Fotos Ana H. Janés (excepto la de la PJ)

PD: El concierto de John Cale del sábado merece un post aparte.
PD2: Gozar del directo de la PJ hizo que me perdiera al bueno de Dean Wareham de Galaxie 500 que era otra de las mejores propuestas del festival que por desgracia no se supo programar mejor.