DISCOS DE 2022: Charmed Life. The Best Of The Divine Comedy:

Recientemente han (mejor dicho ha) girado por nuestras salas. Unas salas que van recuperando la actividad tras el parón pandémico y que lo hacen con más ganas que nunca. Para los fans de la banda The Divine Comedy aún había más ganas ya que el tour se centraba en repasar los éxitos de una carrera que arrancó a principios de los noventa y que gozó de cierta popularidad con el apogeo del “Brit Pop”. Aunque de hecho los Divine se encontraban bajo la sombra de Blur, Suede, Pulp o Oasis, quizás porque su propuesta era menos inmediata y más refinada que la de aquellos, lo que bien les sirvió para sobrevivir al fin del fugaz movimiento y encarar la entrada del nuevo milenio con solvencia.

Pero vayamos al grano, la banda es el vehículo artístico personal de un “rara avis” llamado Neil Hannon, quien ha ido cambiando de músicos a su antojo y tomando cada una de las decisiones creativas y musicales del proyecto. Y es que el de Irlanda del Norte es el responsable único de unas letras irónicas y audaces, del sonido barroco y del pop de cámara de claras influencias Scott Walker, y lo mejor de todo, es el dueño de esa garganta única y poderosa que da el definitivo empaque al asunto.

Ahora, tras doce álbumes de estudio y un recorrido continuado y coherente, se ha publicado este doble recopilatorio “Charmed Life, que lleva nombre de un tema del álbum “Absent Friends” de 2004 y que muestra el sentimiento de gratitud del propio Neil quien se “siente afortunado por poder dedicarse a lo que más le gusta”. Si bien “A Secret History... The Best of the Divine Comedy” (1999) abarcaba la primera década de sus mejores canciones, lo nuevo lo amplía a lo siguientes 23 años.

Dentro de la colorida portada en la que se ve al dandy del pop tumbado, encontramos dos galletas con 12 temas cada una que recuperan parte de lo mejor de su trayectoria e incorporan un tema nuevo como es la triunfal “The Best Mistakes”. En la selección se recuperan piezas de discos imprescindibles como “Absent Friends” (hasta cuatro temas encontramos), “Casanova” (1996) o “Fin de Siècle” (1998). Hablamos de la pegadiza “National Express” y sus “papaparapás”, la delicadeza folk de “Songs Of Love”, el pop letal de “At The Indie Disco”, los bailoteos de “Becoming More Like Alfie”, el clasicismo crescendo de “Our Mutual Friend”, la optimista “Perfect Lovesong” o los trotes de “Tonight We Fly”. Y por encima de ellos, “Absent Friends”, que es una perfecta convergencia entre música clásica y pop, el triunfalismo del desamor de “Everybody Knows (Except You) “ y la cínica y letal “Generation Sex”.

                            

Unos temas que ya son legendarios y parte del imaginario pop de la generación que pasamos ya de los cuarenta, un sonido único en el que los violines, los violoncelos, las trompetas y los instrumentos de orquesta son protagonistas, junto con la elegancia de un tipo de traje y corbata que mira hacia las melodías del pasado, de gente como el mencionado Scott (y con él Jacques Brel) o Burt Bacharach, pero también de clásicos como los Beatles, Beach Boys o David Bowie.

Para los que sean de difícil conformar, existe una edición triple con el disco “Super Extra Bonus Album”, formado por grabaciones nuevas e inéditas en el que se incluyen joyas como “Te amo España”, que gravó Hannon bajo el nombre de Eduardo Maldonado Castellano De La Cruz para un especial benéfico de 2020 en el que se simulaba una falsa Eurovisión, el villancico “Home For The Holidays” o la revisión “Perfect Lovesong 2021”.

“Charmed Life” es en definitiva un buen disco, idóneo para los fans con el que resumir la interesante carrera del norirlandés, pero también un buen modo para introducirse para los neófitos. Imprescindible.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2022/03/the-divine-comedy-charmed-life-best-of.html

DISCOS EN DIRECTO IMPRESCINDIBLES- Especial Rolling Stones:

Una de las mejores formaciones en directo ha sido la de los Rolling Stones, quienes han publicado docenas de discos y dvds en directo oficiales más los piratas que ya tenemos perdidas las cuentas.

Como muestra de ello os mostramos cuatro discos de conciertos que han ido sacando al mercado a lo largo de su carrera - éstos porqué son nuestros favoritos pero podrían ser otros - en los que Jagger, Richards & co dan rienda suelta a su energía encima de las tablas. En esencia los Rolling Stones:

Got LIVE If You Want (1966):

Publicado justo después del glorioso Aftermath (1966), éste álbum fue gravado en octubre de 1966 en sus conciertos de Bristol y Newcastle (excepto dos temas grabados el 63 y 65)   y muestra a los primeros  y más jóvenes Stones de los sesenta con sus éxitos iniciales como "Under My Thumb", "Get Off Of My Cloud" o "Satisfaction" (por citar algunos) combinados con clásicos de Otis Redding, Buddy Holly y el "Time Is On My Side". La energía, la chulería y el espíritu blues no faltan en este disco que por medios de grabación suena algo primario pero que es un gran testimonio de lo que fueron los RS en sus inicios.

Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert (1970):

Este álbum de icónica portada con el burro y Charlie Watts desatado, fue el segundo disco en directo oficial editado en 1970 y grabado un año antes en New York y Baltimore ya sin Brian Jones en la banda - de hecho acababa de fallecer -. El disco muestra el sonido más duro de aquellos años y el ambiente de la maldita gira norteamericana de 1969, no en vano, las actuaciones corresponden a finales de noviembre justo días antes del desgraciado concierto de Altamont en el que un fan fue asesinato delante de los rockeros por un Hell' s Angel que se encargaba de la seguridad del festival. En cualquier caso este disco presenta un repertorio glorioso de los Stones con clásicos surgidos de esa época como "Jumping Jack Flash", "Honky Tonk Woman" o "Sympathy For The Devil" junto con dos versiones de Chuck Berry y una de Robert Johnson. Casi nada.

Flashpoint (1990):

El primer disco en directo de los 90 incluye un extenso repertorio con 17 canciones clásicas que van desde clásicos de estadio como el "Brown Sugar" o el "Start Me Up" junto con piezas más lejanas como "Paint It Black" grabadas entre noviembre de 1989 y julio de 1990 en la gira "Steel Wheels/Urban Jungle Tour" en EEUU, Europa y Japón. Un disco reflejo de sus macro-giras mundiales por macro-recintos a los que añaden dos nuevos temas de estudio "High Wire" y "Sex Drive" y la participación de Eric Clapton en  "Factory Girl" y "Little Red Rooster". 

Rock' n Roll Crcus (1996):

Curioso experimento este "Rock ' n Roll Circus", un concierto grabado en video también el 11 de diciembre de 1968 (con Brian Jones aún en sus filas) pero que no fue editado hasta casi trenta años por problemas con la discográfica. En él los Rolling Stones se reúnen con otras leyendas como los Who, Jethro Tull, Marianne Faithfull (por entonces pareja de Jagger) y John Lennon y Yoko Ono en distintas y espectaculares  actuaciones adornadas por la estética y puesta en escena circense que culminan con la de los anfitriones. El directo además presenta la super-banda de rock  The Dirty Mac con Lennon, Jagger, Richards, Eric Clapton y Mitch Mitchell batería de la Jimi Hendrix Experience. Casi nada!

5 DISCOS 5 MUJERES (V Parte):

Para celebrar el "Día Internacional de la Mujer" os dejamos la quinta entrega de nuestro repaso a los mejores discos de siempre firmados por mujeres.

41.- ODETTA- Sings Balad And Blues (1957):

FOLK.- Cantante Folk y ferviente luchadora de los derechos civiles y raciales, Odetta fue admirada por el mismísimo Martin Lutter King y también por Barack Obama. Su energía y particular forma de cantar semi-operístia, junto con la fusión del blues y sonidos negros de raíces con el folk del Greenwich Village le hacían especial. Con su segundo álbum cargado de piezas tradicionales desplegó su sentimiento como nunca en una crudeza y fuerza interpretativa que marcó tendencia.

Temas favoritos: Santy Anno, Booked And Scorned, Joshua. 

42.- JACKIE DE SHANON- Jackie (1972):

COUNTRY.- Llegó del mundo del Country descubierta por Eddie Cochran. Autora de éxitos en los sesenta para los Byrds y los Searchers,  se codeó con los mejores compositores del momento como Burt Bacharach y Randy Newman, fue novia de Elvis, teloneó a los Beatles y los Led Zeppelin le dedicaron "Tangerine", antes de irse a Los Angeles y fichar por la Atlantic Records quienes le produjeron este sensacional "Jackie" en donde alterna temas propios con versiones de Neil Young y Van Morrison.

Temas favoritos:  Paradise, Only Love Can Break Your Heart, Paceful In My Soul.

43.-  SUZI QUATRO- Suzi Quatro (1973):

GLAM.- En pleno auge del Glam, esta bajista y cantautora de Detroit debutaba con un homónimo disco (la edición australiana se titula "Can The Can") formado por doce fabulosas píldoras Glam-rock en las que alternaba composiciones propias como las magníficas "Glyserine Queen" o "Get Back Mamma" con logradas revisiones  como "All Shock Up" (de Elvis Presley) o "I Wanna Be Your Man" (de los Beatles). Un disco cargado de riffs, electricidad y una actitud descarada de la que es una de las mujeres pioneras del rock duro. Chaqueta de cuero, chulería y potencia para romper barreras de género.

Temas favoritos: 48 Crash, Glyserine Queen, Get Back Mamma.

44.- JOAN JETT & THE BLACKHEARTS- I Love Rock' n Roll (1981):

ROCK.- The Runaways fueron una de las primeras bandas de rock formadas íntegramente por mujeres, arrojando un sonido punk rock a mediados y finales de los setenta y de la que surgió otra y exitosa formación femenina de la siguiente década: The Bangles. Tras su disolución, Joan Jett, guitarrista y voz, debutó para hacer carrera en solitario con este disco que tomó prestada (de The Arrows banda inglesa de los 70) la canción que lo titula y que lo petó en las listas de éxitos, convirtiéndose en un himno imperecedero del rock. Pero el álbum contenía también composiciones a cargo de la propia Jett que la confirmaban como una gran rockera, que además supo rodearse formidablemente con este pedazo de músicos llamados los Blackhearts. Para amantes del puro rock' n roll.

Temas favoritos: I Love Rock' n Roll, I' m Gonna Runnaway, Crimson And Clover.

45.- NORAH JONES- Feel Like Home (2003):

SOUL-FOLK-POP.- Hija del gran Ravi Shankar, Norah heredó el talento musical del genio del sitar para debutar con un excelso "Come Away With Me" (2002)  de tono jazzy aunque con alguna incursión en el soul. Para su continuación el soul tomó mayor protagonismo junto con el country, el pop y el folk para dar forma a este disco que la encumbró como diva mundial y en el que colaboraba ni más ni menos que Dolly Parton. Y es que la voz y la presencia de la americana-indú cautivó a público y crítica para llevar los sonidos añejos al mainstream del siglo XXI.

Temas favoritos: What Am I To You?, CReepin' In, Be Here To Love Me.

MOR PAU RIBA:

 Pau Riba i Romeva (Palma 7 d' agost 1948- Tiana  6 de març de 2022)

Pel racó de l'hora baixa
al seu cor es pongué el sol
els seus ulls ja no respiren
i els seus llavis s'han glaçat.
Erta i blanca com un ciri
tot cremant els seus cabells
s'allunyà com les gavines
quan pujava dalt del cel.
De tant en tant es girava
fent-me adéu amb una mà
amb les flors de la mirada i
la cançó dels seus ulls morts.
Ahir es va morir la besàvia
l'àvia també s'ha de morir
la mort de la mare es prepara
i tu, more't pels teus fills!

("Ja s' ha mort la besàvia", 1970 del disc DIOPTRIA)

ESPECIAL 35 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE ANDY WARHOL: Warhol en las portadas de discos:

Artífice máximo de la cultura pop que asedió a los EEUU a partir de finales de los 50, Andy Warhol estuvo muy involucrado con la música popular como forma de arte. Como todo el mundo conoce, desde The Factory apoyó a artistas emergentes de distintas especialidades como cine, pintura o música. Así se erigió en mecenas de The Velvet Underground a quienes en 1966 pagó la grabación de su álbum de debut e impuso a la cantante modelo alemanda Nico. Pero su mayor aportación fue el diseño de la portada de la icónica banana con el «Peel slowly and see» que al pelarlo mostraba la banana desnuda y de color rosado con reminiscencias fálicas. Una forma de arte que cualquier joven seguidor del rock' n roll de aquellos tiempos podía poseer la auténtica obra de arte en su casa.

Pero hacer portadas de discos no era nada nuevo para Warhol ya que años atrás había hecho algunas para prestigiosos músicos de Jazz. En los años setenta y ochenta se codearía con muchos músicos, pintaría retratos suyos y firmaría muchas otras portadas para los discos de celebridades del pop-rock como los Rolling Stones, John Lennon, Aretha Franklin o el cercano Miguel Bosé. Vayamos a entrar, pues, en esta colorida galería de portadas firmadas por el maestro del "Art Pop":

Velvet Underground and Nico -Velvet Underground and Nico (1966):

Maravillosa portada de la banana antes y después de pelarse. Dentro un vinilo con piezas inmortales como "I' ll Be Your Mirror", "Heroin" o "Fame Fatal" lanzados por el propio artista antes de llegar a las diferencias con el propio Lou Reed que alejaron a la banda, ya sin Nico, de The Factory.

Sticky Fingers - The Rolling Stones (1971)

Censurada en la España franquista, esta portada incluía una cremallera de verdad en los vaqueros ajustados (marcando paquete), de otro de los mejores discos de la historia del rock con portada del maestro de peluca albina. 

Love You Live - The Rolling Stones (1977):

La segunda de las colaboraciones de los Stones con Warhol es este álbum en directo en el que aparece el rostro de Mick Jagger mordiéndose la mano. 

Menlove Ave, John Lennon (1986):

Seis años después de que Mark Chapman acabara con la vida de John Lennon,   Yoko Ono publicaba este disco póstumo formado por canciones descartadas de las sesiones de grabación de "Rock' n Roll" que su marido grabó bajo la supervisión de Phil Spector. De nuevo Warhol pintaba a un mito de la cultura popular.

The Academy in Peril-  John Cale (1972):

John Cale fue la cabeza más vanguardista de la Velvet y quien siguió en contacto de su mecenas "Drella" (así lo apodaron él y Lou Reed), por lo que siguió con su arte en sus portadas como este fotomontaje para el disco que precede a su mejor álbum "Paris 1919" (1973).

Honi Soit-  John Cale (1981):

Casi una década después, John Cale repetiría con esta portada que ilustra un pasaporte británico para su álbum "Honi Soit", un trabajo que rompía un silencio discográfico de seis años en unos tiempos en los que el multi-instrumentista galés se dedicaba más a labores de producción.

Theolononius Monk- Monk (1954):

En unos años en los que la música con más seguimiento entre la población era el Jazz, Warhol compuso portadas para ilustres del género como el pianista Theolonius Monk quien en 1954 grabó este álbum con otros grandes como Sonny Rollins y Frank Foster. Formidable composición con las letras "MONK".

Count Basie And His Orquestra - Count Basie Orquestra (1955):

Años antes de protagonizar el mítico disco con la rompedora portada (Atomic Basie, 1958), Count Basie tuvo esta magnífica portada con el dibujo de su rostro tras el que se esconde uno de sus grandes tratados Jazz.

Blue Lights Vol. 1 - Kenny Burrell (1958):

Otras portadas de Jazz a cargo de AW  fueron las de este álbum del guitarrista de Detroit Kenny Burrell que no son más que unos preciosos esbozos de su figura tocando las seis cuerdas y de una mujer tumbada.

This is John Wallowitch- John Wallowitch (1964):

Dos años antes de codearse con la nueva música popular de la juventud, el rock' n roll, y dotarla de una fuerza con los audiovisuales de la mano del cineasta Paul Morrisey, Warhol creó esta fabulosa portada a base de fotografías sesgadas para  este álbum del músico y compositor cabaretero John Wallowitch.

Det brinner en eld- Roland & the Flying Albatross Band (1984):

Este disco de esta casi desconocida formación sueca está muy cotizado entre los coleccionistas de arte y de discos ya que se considera una rareza pues únicamente se hicieron 300 copias del LP. 





Silk Electric- Diana Ross (1982):



En los años sesenta Diana Ross se convirtió en un icono social con su liderazgo con las Supremes. Años más tarde y fuera de la formación, la cantante emprendió una carrera que no acabó de despegar hasta su homónimo trabajo "Diana" (1980) y que le llevó de vuelta a las primeras páginas de la prensa musical y a ser retratada por Warhol en este disco que contienen una canción compuesta por otro icono como fue Michael Jackson.

Aretha - Aretha Franklin (1986): 

Otra de las grandes Divas que Warhol quiso inmortalizar con su arte es la Reina del Soul Aretha Franklin quien a finales de los ochenta publicó este álbum que quizás no es de sus mejores trabajos en el ámbito musical pero que seguro que tiene una de sus mejores portadas (si no la mejor).

Made in Spain-  Miguel Bosé (1983):

Décadas antes de perder la cabeza, Miguel Bosé era uno de los cantantes pop más famosos de España lo que le llevó a protagonizar una portada pintada por la leyenda de New York. Cabe decir Warhol no fue el primer pintor famoso con el que el cantante se codeó ya que en su infancia éste había compartido muchos momentos con el mismísimo Pablo Picasso, íntimo amigo de sus padres.

The Painter- Paul Anka (1976):




El autor de "My Way" protagoniza esta sensacional carátula en la que aparece vestido con un gorro vaquero en este disco en el que el Crooner introdujo elementos electrónicos a sus canciones ligeras.






Billy Squire- Emotions In Motion (1982):

Con menos éxito que los protagonistas de las otras portadas, éste rockero oriundo de Boston, gozaba de cierto nombre a principios de los ochenta, llevándolo a protagonizar esta portada con su imagen multi color.

Liza Minnelli- Live at Carnegie Hall (1981):

Amiga personal de Andy de la movida de "Studio 54" de los años setenta, Lizza Minelli protagonizó unos populares retratos del pintor, pero también esta portada para su disco en directo de 1981 grabado en el prestigioso Carnegie Hall de Nueva York. 

DISCOS DE 2022: MILES KANE- Change The Show:

                               

No es complicado repasar la carrera de Miles Kane. Con un sólo álbum editado con The Rascals -los británicos, no confundir con los imprescindibles Young Rascals americanos- en 2009, los abandona para centrarse en su carrera en solitario, de la que con el actual sólo ha publicado cuatro álbumes de estudio. A lo que hay que añadir los dos elepés con The Last Shadow Puppets, junto con su amigo Alex Turner. Digamos que el de Merseyside a sus 35 años ha querido ir madurando su carrera artística disco a disco.

Y eso es lo que nos encontramos en este "Change The Show", un álbum muy bien pensado y trabajado donde nada está de más y que supone un punto y aparte en su carrera y una evolución pareja a la de su "alma gemela" líder de los Arctic Monkeys. Con la constante mirada hacia el pop inglés clásico, del que a menudo se le ha nombrado abanderado, para las nuevas canciones relaja el rasgueo de las guitarras eléctricas y apunta hacia la complejidad instrumental a base de vientos, pianos, sintes o incluso voces femeninas, éstas a cargo de la cantautora de Leeds, Corinne Bailey Rae, con especial protagonismo en el soberbio dueto "Nothings Ever Gonna Be Good Enough".

                            


Sorprenden también los esfuerzos de Miles buscando las similitudes en su voz con la de Marc Bolan, aunque musicalmente luego se desvíe hacia otros derroteros que se parecen más a los que su admirado "Modfather" tomó con sus Style Council o los del Bowie de la época plastic soul. Sólo hace falta poner la aguja al vinilo para encontrar el espíritu de los T. Rex en la inicial "Tears Are Falling", y para escuchar plastic soul en esencia, con la que titula el paquete, con desgarros vocales "lennonianos" incluidos.

El espíritu celebrativo pop-funky impregna todo el álbum y es latente en piezas como "Caroline", "Never Get Tired Or Dancing" o "Take Me What You' re Feeling". La dulzona "Comming Of Age", en cambio, nos remonta hacia las "girl bands" de los sesenta, y "Constantly" nos trae efluvios del "Tranquility Base Hotel + Casino" (2018) de los "monos del ártico", algo parecido a la final "Adios Ta- ra ra ra" cuyos coros son dignos del mejor Bolan.

                                

Las grabaciones de estas canciones tuvieron lugar a lo largo del verano pasado en los estudios londinenses Snap, aunque antes arrancaron durante la colaboración de Miles Keane con la banda Sunglasses For Jaws en el propio estudio del dúo experimental de la capital inglesa. Canciones cargadas de letras críticas con la realidad política y un sonido con el que el rockero pisa donde otros más grandes pisaron antes, acabando seduciéndonos a base de soul pop americanizado de traje y corbata. Elegancia británica.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2022/01/miles-kane-change-show.html

BRYAN ADAMS EN CONCIERTO: 2 de Febrero Palau Sant Jordi (Barcelona):

Poco a poco vamos vislumbrando la luz tras dos años de pandemia y sus constantes limitaciones. Muestra de ello lo encontramos en el amplio cartel de conciertos que hay previstos para la nueva temporada, en la que los artistas internacionales han comenzado a reemprender sus giras ante la satisfacción de unos fans ávidos de espectáculos y de la vuelta a cierta normalidad.

                                

De este modo fue como el pasado día 2 de febrero la Ciudad Condal estrenaba temporada de grandes conciertos con la presencia de un Bryan Adams que hacía parada en la gira europea tras su paso por Lisboa y Madrid. Con las inseparables mascarillas, asientos a pie de pista y distancia de seguridad (no siempre respetada), más de diez mil espectadores llenaron un Palau Sant Jordi que esperemos poco a poco vuelva a la normalidad. Después de ver unos motivadores videos de presentación, las luces se apagaron y los seis músicos entraron al escenario del que iba a ser un sensacional show de rock and roll, luces y sonido. Sin apenas mediar palabra el carismático sexagenario atacó la cañera "Kick Ass", single del aún no estrenado nuevo disco, "So Happy It Hurts", para acto seguido darnos la bienvenida en un perfecto catalán ante el fervor del público barcelonés que agradece mucho estos gestos. Era el arranque a una velada que iba a ser frenética y en la que se encadenarían una tras otra hasta casi una treintena de canciones de su larga trayectoria sin dar tregua alguna.

                                

Liderados por un Bryan Adams pletórico de voz, simpatía y energía, le acompañaba su habitual banda de las últimas dos décadas formada por un virtuoso (y divertido) Keith Scott a la guitarra, un más reciente Solomon Walker al bajo, Mickey Curry pegando fuerte a la batería y Gary Breit tras el piano de cola y los sintes. Cinco músicos capaces de desplegar pura artillería rockera para aferrarnos al concierto desde la declaración de intenciones que es el clásico "Can' t Stop This Thing We Started" o "Shine A Light", con la que las linternas de los móviles iluminaron el pabellón. Por allí desfilaron también "It's Only Love", que Bryan presentó como un dueto con una de las mejores cantantes de siempre, antes de bromear con dar entrada a escena a Tina Turner; una "Cloud Number Nine" que sonó algo acelerada con las nubes en las pantallas; una distorsionada "Baby When You' re Gone"; la dulce "Have You Evere Really Love A Woman?", con el famoso videoclip de fondo rindiendo homenaje al gran Paco de Lucía y el verso final "Have You Evere Really Love a Catalan Woman?", o la reciente "You Belong To Me", con la que invitó al respetable a bailar mientras salían en pantalla.

                                      

Pero los momentos para recordar los trajeron esas baladas de toda la vida como son "Heaven", "Please Forgive Me" o "Everything I Do I Do It For You", ésta con todo su desarrollo instrumental lacrimoso. También el sensacional mediotiempo "Back To You" (directo del "unplugged") y los rocks fornidos "18 Till I Die", "The Only Thing That Looks Good on Me Is You", pero sobre todas ellas el himno generacional "Summer Of 69", cuya letra pudimos seguir en la pantalla a modo de tatuaje. Del mismo disco "Reckless" (1984), sonó una pieza menos conocida pero formidable también como es "One Night Love Affair" para contentar a los más fanáticos del canadiense.

                                  

Otra concesión que tuvimos, y que viene haciendo en la recién estrenada gira, es tocar canciones a petición. Fue de este modo como abordó "Somebody" o "Do I Have To Say The Words?" antes de cerrar con "Cuts Like A Knife" que alargó para un falso despido. Tras el parón, y los selfies para instagram, la vuelta de la banda con la flamante y marchosa "So Happy It Hurts" , ideoclip de fondo incluido (en el que sale la madre del rockero por cierto), se sumó a unas "Straight From The Heart" y "One For Love", interpretadas por Adams en solitario a la acústica y harmónica, poniendo rúbrica al generoso directo.

Aunque había costado y se nos había hecho largo, gracias a este concierto de nuevo pudimos volver a escuchar a más de diez mil personas coreando una melodía al unísono, ver los mosaicos de luces en las gradas ante la enésima balada, desgañitarnos con los "oeeé oeeés" previos a los bises, ver ríos de personas felices a la salida... Recuperar esos maravillosos momentos de un pasado que a lo largo de dos años han permanecido congelados.

 

Por Àlex Guimerà

Publicado en  http://www.elgiradiscos.com/2022/02/bryan-adams-regreso-al-espectaculo-del.html

                        

                       

DISCOS DE 2021: Robert Plant/Alison Krauss- "Rise The Roof":

                            

A pesar de que existen muchas colaboraciones artísticas, solo unas pocas son capaces de funcionar desde el primer instante. Como si alguien hubiera dado con la tecla adecuada, la magia surge de forma espontánea y los resultados de la combinación de talentos resulta realmente formidables. Este es el caso del dúo que forman Robert Plant y Alison Krauss. Se juntaron en el lejano año 2007 con el excelso "Raising Sand", en el que abordaron clásicos de algunos de los nombres más relevantes del country-rock (Gene Clark, Sam Phillips o Townes Van Zandt) y gracias al cual lograron ganar hasta seis premios Grammy. Posteriormente, viendo el éxito obtenido, los dos músicos se metieron de nuevo en el estudio para preparar una continuación que se aplazó quizás porque ambos tenían la mente en otros horizontes.

Y así fue como los caminos de Robert y Alison siguieron con sus cursos naturales. Mientras que el solista británico abrazó de nuevo el country-folk grabando "Band Of Joy" (2010), junto con su homónimo grupo que recuperó de los años sesenta de la época pre-Led Zeppelin, la violinista y cantante de Illinois reemprendió su carrera junto a su banda de acompañamiento Union Station con el disco bluegrass "Paper Airplane" (2011).

                               

Los años pasaron, sus trayectorias fluyeron con notable fortuna hasta que se juntaron de nuevo para repetir fórmula en este nuevo trabajo a dos voces. Dirigidos por el productor T-Bone Burnett -para muchos guitarrista de Bob Dylan en la Rolling Thunder Revue, para otros productor de "The Union" de Elton John y Leon Russel- y acompañados por un puñado de músicos excelentes como Marc Ribot (Tom Waits o Elvis Costello), David Hidalgo (Los Lobos) o Jay Bellerose (Elton John, Suzanne Vega, Regina Spektor), el dueto registró doce canciones (14 para la edición deluxe) que abarcan versiones no tan evidentes del género country-folk de gente como Everly Brothers, Allen Toussaint, Bert Jancsh o Calexico junto con un tema propio coescrito a cuatro manos. Se trata de "High And Lonesome", un blues cargado de inquietantes y electrizantes guitarras.

                                 

Me atrevo a decir que la cooperación sin embargo funciona de pleno cuando se dedican a revisar o versionar temas ajenos, dándoles una vuelta de tuerca y llevándolos a su propio terreno. Ejemplo de ello es "The Price Of Love" de los hermanos Everly a la que quitan las armónicas y aserenan para sonar mucho más mística de la mano del vozarrón de soprano de Alison. Una voz que combina a la perfección con la del otrora frontman más famoso del rock, quien modula adaptándose a las necesidades del disco, ya sea susurrando unas segundas voces o liderando la parte vocal en piezas como "Go Your Way" de Anne Brigs, en el ejercicio pop soul que es "Searching For My Love" o en "You Led Me The Wrong", que encajaría en los discos étnicos del de West Bromwich.

El protagonismo vocal de Krauss lo encontramos en piezas más delicadas y etéreas como el blues pantanoso de Allen Toissant "Trouble With My Lover", en "Going Where The Lonely Go", de maravilloso slide, o en el folk barroco británico de "It Don' t Bother Me" de Bert Jansch. Y sobre todo en la pureza country de la celestial "My Heart Would Know" en la que se luce especialmente. Por su parte "Can' t Let Go" es rescatada (y refrescada) del imprescindible "Car Wheels On The Gravey Road" de Lucinda Williams y contiene los coros de la de Lake Charles mientras que "Somebody Was Watching Over Me", de Maria Muldaur, viene acompañada de un piano colosal. Y es que hay que destacar el brillante trabajo instrumental que ocupa las dos caras del vinilo con acústicas, percusiones, mandolinas y un largo etcétera que complementan la formidable misión de reinventar el cancionero seleccionado.

Éste es en resumen el viaje a través de este sensacional "Raise The Roof", un trabajo que ejerce de perfecta continuación de su antecesor y que nos muestra lo que deberían ser los duetos y las versiones.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2022/01/robert-plant-alison-krauss-raise-roof.html