DISCOS DE 2016: TEENAGE FANCLUB- HERE:

El décimo disco de estudio de los escoceses Teenage Fanclub se ha hecho esperar. Pues desde el  notable "Shadows" de 2010,  Norman Blake, Raymond McGinley y Gerard Love  han estado metidos en sus proyectos personales - New Medicants, Jonny (Blake), Snowgoose (McGinley) y Lightships (Love) -  dejando reposar debidamente su banda de hace más de 25 años. Así llega,  "Here" de preciosa portada y con 12 temas compuestos equitativamente por los tres miembros (cada uno aporta cuatro temas).

Gravado entre la Provenza (Francia)  y  la casa de Raymond en Glasgow, "Here" fue mezclado en Hamburgo por David Henderson, habitual en la banda, y masterizado en el templo que es Abbey Road. 

El fuego lo abre "I' m In Love", infalible y pegadizo single  que nos adelanta que los de Glasgow siguen por el sendero que abrieron al pop décadas antes y de los que son unos auténticos maestros. Guitarras enérgicas, voces armonizadas y estribillos redondos, y por encima de todo mucha herencia de The Byrds y de Big Star, en un power pop que en sus inicios contenía muchas distorsiones de guitarras pero que con el tiempo se ha vuelto más meloso e inofensivo. Si bien en la anterior entrega el sonido aparecía más directo y simple, para la ocasión las labores de producción nos regalan cierto efecto etéreo y menos ruidoso, con guitarras menos potentes y más precisas, voces susurrantes y melodías no tan evidentes y algo hipnóticas.  Son texturas a base de capas de guitarras perspicaces, vientos comedidos, teclados sutiles y percusiones vaporosas, construcciones trazadas por un lúcido Gerard Love.

Es la muestra de una madurez elegante de quienes han digerido los aprendizajes de largos años de carrera  y que siguen cantando de forma melancólica sobre la vida y el amor ahora desde ojos cincuentones .

Es así como aparecen "Thin Air" o "It' s A Sign" con sus guitarrazos y segundas voces nadando entre sus melodías, la triunfal "The Darkest Part Of The Night" que seguro que haría las delicias de Roger McGuinn y los suyos adornada por unos violines soberbios o la creciente "The First Sight".  "I Have More Nothing To Say" es  pop naif que recuerda a sus compatriotas Belle And Sebastian , de teclados ambientales y oníricos,  mientras que "I Was Beautiful When I Was Alive" juega inocentemente con la psicodelia, y  la ensoñadora "With You" llega con un Hammond cautivador y una guitarra quebradiza.

Y es que aunque Norman Blake hace tiempo que se mudó a vivir al Canadá lejos de sus compañeros, "Here" no es una simple reunión de una banda consagrada, es la evocadora y experimentada continuación de un largo camino que emprendieron una adolescente banda que ha envejecido y que nunca ha dejado de estar aquí entre nosotros.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2016/09/teenage-fanclub-here.html

FREDDIE MERCURY: THE GREAT PRETENDER (documental):

Hoy Freddie Mercury hubiera cumplido setenta años (nació un 5 de septiembre de 1946) y qué mejor modo que recordarlo con el visionado de este documental que os recomendamos que fue proyectado por la BBC hace unos años y que tiene su edición física y en plataformas digitales. ¡ Larga vida a la Reina!

Dir. - Rhys Thomas- UK 2012 (85 Min).

El director de este documental musical, Rhys Thomas, asistió con 13 años al concierto homenaje de Freddie Mercury de Wembley quedando tan impactado con la música del recién fallecido y su banda que desde entonces ha estado coleccionando material de todo lo relacionado con Queen, produciendo grabaciones de sus conciertos, editando libros, escribiendo para los libretos de sus cedés y dirigiendo este documental "Freddie Mercury: The Great Pretender". 

                                    
El largometraje repasa el periodo en solitario del líder de Queen a través de una entrevista - en la que se le ve muy cómodo, por cierto - y partiendo del momento en que decide componer y grabar música sin sus compañeros. A partir de allí empieza un viaje por su vida y obra, desde su infancia en un internado en Bombay como Farrokh Bulsara, a sus inicios con Queen y el camino hacia el éxito, a sus colaboraciones con un joven Michael Jackson, hasta su poco rentable disco de debut en solitario "Mr. Bad Guy", el cual fue gestado lentamente en su prolongada estancia en Munich. 

O cuando en 1987, viendo a Luciano Pavarotti cantar junto a la soprano Montserrat Caballé, quedó tan impresionado por ella que la llegó a considerar " la mejor voz que he escuchado nunca”. El resultado fue el nacimiento de una gran amistad y la grabación del exitoso disco "Barcelona", siendo el primer dueto entre un cantante de ópera y un solista de rock.

                             
También se reviven pasajes de su vida privada, apareciendo la figura de Mary Austin como su confidente y amiga del alma, y su pareja en sus últimos años Jim Hutton o las sórdidas imágenes que relatan sus fiestas en locales y entornos gays.

Para el final, la narración de la trágica desaparición del artista a manos del virus VIH, cómo afectó la noticia y cómo la prensa se ensañó con él y su vida sexual hasta sus últimos suspiros. Un final lleno de tristeza de un documental que cuenta con entrevistas a un sentido Roger Taylor y a un racional Brian May, que entre otros van desgranando la personalidad de uno de los últimos iconos del rock.

                                       
IDEAL PARA: los fumadores empedernidos, los amantes de la ópera, los gatos, los ambientes gay y la música rock en general.

                                     

Por Àlex Guimerà

Crónica del Concierto: Joan Dausà + Kings of Convenience en el Festival de Cap Roig ( 1/8/16):

El Festival de Cap Roig arrancó con el mes de Agosto en su jornada mas alternativa. Y es que el evento estival de Calella de Palafrugell está centrado hacia un público pudiente mainstream. Así, este verano han desfilado por el escenario del Castillo del Cap Roig gente como Rod Stewart, Status Quo, Amaral, Sergio Dalma o The Corrs.

En este contexto y en un inmejorable y frondoso entorno frente al mar, los más acérrimos fans del dúo noruego se juntaron con el pijerío mas aborrecido que se dejó caer por el lugar sin conocer a los protagonistas del show que iban a ver.

Tras una rápida cena en la glamurosa zona lunche, Joan Dausà abrió la velada solo y a la guitarra para “aprovechar los 20 minutos” que tenía y demostrar su simpatía y tablas con el público al que contó su actual proyecto de revisar su cancionero traducido al inglés. Fue de este modo como su vozarrón y entrega dejaron caer cinco temas anglosajones al son de una acústica que sonaba muy depurada y cercana. Según contó Joan era la primera vez que interpretaba estas canciones en inglés ante su gente tras haberlo hecho antes en Inglaterra e Irlanda. Fue de este modo como salieron los “nuevos temas” los poderosos ” Talking about you and me”, ” Leave me here for ever” o la favorita de su padre “The beautiful song” que reflexiona sobre la muerte. También tuvo tiempo de saludar a su profesor de inglés presente, un tal Eddie Murphy, contar que aunque muchos de sus temas son tristes él es una persona alegre y bromear con el técnico de luces por la potencia de sus efectos. La fugaz actuación terminó con ” I never ever” (“Jo mai mai ” en la original) y ” Call me”.

Un interesante y breve concierto de un prometedor cantautor catalán que intenta abrirse fronteras. Talento no le falta.

Después de cinco minutos de parón, llegó el plato principal de la velada con Kings Of Convenience. El dueto de Bergen (Noruega) formado por Erlend Øye – el de las gafas – y Eirik Glambek Bøe, con tan solo tres discos de estudio desde principios de milenio se han hecho un nombre en el panorama indie a través de su folk-pop con influencias de otros géneros (bossa-nova, música barroca, synth pop,…). Con un set minimalista dispuesto para los dos guitarristas, los dos cuarentones nórdicos se adentraron sigilosamente al escenario para presentarse tímidamente con un escueto ” somos Kings Of Convenience y venimos de Bergen, Noruega”. Ya de seguida un plato fuerte con la melancólica “Winning A Battle Losing The War”, preciosa y delicada, quedó harmonizada con el cálido anochecer mediterráneo. Luego la siguió “Toxic Girl”, también del disco “Quiet Is The New Loud” de 2001. Para la siguiente, “Singing Softly To Me” comenzaron las primeras conexiones con el público cuando invitaron entre bromas a chasquear los dedos con el fin de marcar el ritmo.

Tras ella, el directo comenzó con dinámicas perezosas, hasta que en la recta final despegó gracias a grandes temas y al carisma y simpatía del dueto en cuestión. A destacar el sentido de humor de Erlend que gracias a su gesticulación teatral, bailes histriónicos y chistes, que animaron a una audiencia que acabó muy entretenida, a pesar del immobilismo de su compañero Erlik.

Con ello, llegó la bossa-nova de “24-25”, “Know How” y “Mrs. Cold” (fabulosa la sudadera que vendían con los logos de Mr. y Mrs. Cold en el puesto de mercadotecnia). También la coreada “Boat Behind” o las estupendas “Misread” y “I’ d Rathee Dance With You”, con todos los allí presentes puestos de pie bailoteando al son del mini piano y de la guitarra.

Para los bises la joya de la corona, la sensacional “Homesick”, un tema que no solo tiene los ingredientes deSImon & Garfunkel – guitarras, segundas voces y melodía – sinó que también lleva algo de magia de aquellos. Y el cierre, con “Little Kids” que cumplió perfectamente con su papel de fin de fiesta.

En cuanto el show terminó, el dúo se acercó a la mesa de merchandising a firmar camisetas y libros, y a hablar con los fans, con un Erlend que se atrevió a bailar durante un buen rato entre ellos. Una nota curiosa para rubricar el buen sabor de boca con el que abandonamos el bucólico lugar costero.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://notedetengas.es/cronica-del-concierto-joan-dausa-kings-of-convenience-festival-cap-roig-1-816/

GRANDES DISCOS: Revolver (1966) por THE BEATLES (50 Aniversario):

Otra de las grandes efemérides de este 2016 es que se cumplen 50 años desde el lanzamiento del disco "Revolver", el disco que lanzaría a los Beatles hacia nuevos terrenos musicales (avanzado con "Rubber Soul") que cambiarían el rock para siempre dándoles infinitas posibilidades antes desconocidas y encumbrándolo a la categoría de arte. Un paso del entretenimiento juvenil a forma artística que llegó con la madurez de este cuarteto irrepetible.

En 1966 John, Paul, George y Ringo llevaban mas de tres años de frenético  estrellato mundial. Sesiones de grabación maratonianas, constantes ruedas de prensa, películas, galas  institucionales, giras agotadoras, incesante agobio de las fans quinceañeras y exigencias de su discográfica Capitol (EMI) de publicar dos discos anuales con hits inmediatos.

Exhaustos de ese modo de vida, a la vez que inquietos e inconformistas con su música, decidieron que había que poner fin a unos conciertos en los que la música era lo de menos, al quedar ahogada por los chillidos de un público que les adoraba cual atracción de feria.  De este modo fue como decidieron de cancelar las giras para centrarse en tareas de composición y producción de discos - donde mas cómodos se sentían -, motivados además por las enseñanzas de otros rockeros como Dylan, los Byrds o los Stones.

Para empezar con el nuevo disco eligieron una portada vanguardista obra del amigo de la época de Hamburgo Klaus, el alemán Voorman (por entonces bajista de los Manfred Mann) y barajaron varias propuestas de título antes de dar con el definitivo. Desde "Abacadabra", descartada por haberla usado otra banda, "Free Wheelin' Beatles", "beatles On Safari" o "Magic Circles".

"Revolver" fue gravado entre abril y junio en los estudios Abbey Road y bajo la supervisión del quinto Beatle George Martin y del ingeniero de sonido Geoff Emerick, en unas sesiones en los que la experimentación, las dificultades y las diversiones se repartieron en partes iguales y en las que la introducción de la doble pista fue la principal novedad.

                            

El disco lo abre "Taxman" de George Harrisson, con su voraz crítica al sistema de impuestos británico, una sección rítmica impagable con un bajo de Paul en estado de gracia y unos riffs de escándalo, como el que causó George al citar de modo expreso al primer ministro y al líder de la oposición.

Le sigue "Eleonor Rigby", una auténtica oda a la soledad a cargo de McCartney, que se acompañó de un cuarteto de cuerda - es el primer tema del rock en el que no aparecen ni guitarras ni baterías - y unos coros sobervios

Mas clásico es "I' M Only Sleeping" de Lennon que retoma los discos anteriores en el apartado musical, a escepción de las guitarras invertidas que complicaron las cosas a George Martin, pero que trae una poesía introspectiva  y personal que tanto explotaría su autor en el futuro.

Otro salto titánico de  la banda viene nuevamente de la mano de Harrisson quien da rienda suelta a su fascinación por la cultura hindú con "Love You To" en el que el uso del sitar indú es introducido en la música popular occidental y con la que da un mensaje de amor universal preámbulo del hippismo.

La ternura llega de la mano de "Here, There And Everywhere",  inspirada en "God Only Knows" del Pet Sounds y compuesta por Paul en poco mas de una hora tumbado en la piscina de John. En el estudio la deliciosa melodía se engordó con delicadas voces en armonía. Es la cara cándida de la psicodelia.

                             

El contrapunto desenfadado la trae la simpática e inmortal "Yellow Submarine", cantada por la voz nasal de Ringo y dedicada al público infantil a pesar de las especulaciones de mensajes ocultos.  De estribillo facilón, trompetas y efectos sonoros cómicos, de la canción surgió una película de dibujos con su banda sonora. Amén que en ella participaron Donovan, Marianne Faithful y Brian Jones, entre otros cantando o en los efectos sonoros.

Mas oscura es "She Said She Said" ideada tras un viaje con LSD de John en Los Angeles con Peter Fonda en la que aquel le contó una experiencia suya cercana a la muerte.

                             

La cara B se abre con un divertimento de Paul "Good Day Sunshine", que compuso con los Lovin Spoonful en la cabeza y que grabaron con un piano, bajo y baterías dobladas.

"And Your Bird Can Sing" podría encajar con el repertorio anterior del grupo por letra y música a no ser de la forma con la que John la canta poniendo toda su alma y casi desgarrándose las cuerdas vocales. Al parecer el tema fue una imposición para llenar el cupo y John la escribió odiándola.

                      

"For No One" es una de esas joyas minimalistas que Paul nunca ha dejado de regalarnos. Tierna y frágil, su belleza viene acompañada por una simple instrumentación y por una corneta inglesa lacrimógena.

Una de las últimas composiciones a cuatro manos entre John y Paul trata de un médico de clases  acomodados que recetaba a sus pacientes drogas a diestro y siniestro. De guitarra memorable, ritmo lisérgico y un puente onírico-somnoliento (como el efecto de las drogas).

Otra de las creaciones del benjamín del grupo George es " I Want To Tell You" con la que vuelve a rehibindicarse tras la dupla John-Paul quienes la habían descartado. Afortunadamente Paul accedió a incluirla para poder experimentar con ella tras los mandos.

                                    

Lo mismo hizo con su "Got To Get You Into My Life", de base jazzística y alma psicodélica, con unos vientos cuyos instrumentsitas fueron elegidos por el propio Paul tras patearse varios  locales de Jazz del Soho.

El disco concluye con uno de los mejores ejercicios de psicodelia de la época, "Tomorrow Never Knows" surgida de la mente de John regada de LSD, de ritmo hipnótico y batería de Ringo memorable, con ella experimentaron en el estudio, dando con nuevos efectos sonoros, gravando guitarras al revés, reverberando la voz, jugando con el multipistas....

                            

A pesar de lo atrevido de la nueva propuesta de los de Liverpool, el elepé estuvo varias semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos en ambos lados del Atlántico y su influencia en los grupos de la época fue letal, pues tras "Revolver" se sucedieron los discos innovadores y las bandas creativas en un año 1967 que quizás es el mas cosechado que haya tenido el rock, pues entre otros, fue el año de la continuación de este, el extraordinario "Sgt Pepper' s Lonely Hearts Club Band" y el año en que comenzaron las discrepancias y desunión de los cuatro. Pero bueno, esto es otra historia.     

Por Alejandro Guimerà

Tomorrow Never Knows

Turn off your mind, relax and float down stream
It is not dying, it is not dying

Lay down all thoughts, surrender to the void
It is shining, it is shining

Yet you may see the meaning of within
It is being, it is being

Love is all and love is everyone
It is knowing, it is knowing

And ignorance and hate mourn the dead
It is believing, it is believing

But listen to the colour of your dreams
It is not leaving, it is not leaving

So play the game "Existence" to the end
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning
Of the beginning, of the beginning

FATHER JOHN MISTY VS. CAT STEVENS: "Trouble"

Father John Misty (aka Joshua Tillman otrora batería y voz de los Fleet Foxes) está recogiendo este 2015 los éxitos de su fabuloso segundo disco “I love you honeybear” que a bien seguro se postulará entre lo mejor del ejercicio. Por si fuera poco, y además de ser un gran compositor, ha demostrado ser un gran versionador de temas ajenos atreviéndose con Nirvana (“Heart-Spaped Box”), Arcade Fire (“The Suburbs”) , Ryan Adams (“1989″) y Taylor Swift (“Blank Space”), dándoles a estos dos últimos un toque a la Velvet Underground.

Pero nuestra favorita es la versión desgarradora de “Trouble” de Cat Stevens, una versión que se incluyó en la Banda Sonora del documental “Once I Was: The Hal Asby Story” (2014) basado en el malogrado director de cine. La canción original, precisamente surgió en 1970 cuando el director dirigió su primer largometraje, momento en el que el ahora llamado Yosuf Islam (el nombre musulmán de Cat Stevens) publicó “Mona Bone Jakon“. El cantautor escribió la canción en un momento en el que se encontraba convaleciente por haber contraído la enfermedad de la Tuberculosis de la que se recuperó para afrontar los años mas prodigiosos y exitosos de su carrera (1970-73).

Por Àlex Guimerà.

Publicado en http://notedetengas.es/versioname-otra-vez-31-trouble-father-john-misty-vs-cat-stevens/

GRANDES DISCOS: The Undertones (1979) por THE UNDERTONES:

Nacidos en Derry (Irlanda del Norte) a mediados de los setenta, publicaron su homónimo debut unos años mas tarde. A pesar de ser coetáneos del surgimiento del punk británico su propuesta se asemejaba mas a los Ramones que a los Sex Pistols, Damned, Clash y compañía, siendo catalogados como Pop-punk.

                               

En sus orígenes, los hermanos John y Vincent O' Neil (guitarras), Michael Bradley (bajo), Billy Doherty (batería) y Feargal Sharkey (solista) se juntaban en casa de los primeros para tocar canciones pop clásicas, siendo sus bandas favoritas los Beatles y los Small Faces. Luego Damian sustituyó a su hermano Vincent y llegaron los discos punk a sus manos. De este modo fue como poco a poco fueron perfilando un sonido que tendía hacia las canciones cortas e inmediatas, buscaba  los estribillos pegadizos y que anudaba la fuerza del garage de los sesenta y la energía del punk.

Fue entonces cuando empezaron a dar sus primeros conciertos en pequeños locales, escuelas, parroquias y salas de "boys scouts"organización a la que pertenecía el cantante Feargal Sharkey.
Si bien comenzaron bajo el nombre "The Hot Rods" fue el batería Billy Doherty quien propuso "The Undertones", nombre que había descubierto en un libro de Historia.

                                  

 Su popularidad fue creciendo paralelamente a la inclusión de material propio en su repertorio, hastaq que a principios de 1977 llegaron a ser banda residente de la sala The Casbah (de Derry) cobrando por sus actuaciones. Entonces John O' Neil compuso "Teenage Kicks" y la cosa se disparó con sus primeros conciertos y giras fuera de la ciudad. Ello hizo que el quinteto comenzara a mandar maquetas a distintas discográficas para poder editar sus canciones, sin obtener ninguna aceptación hasta que una de las copias cayó en manos de John Peel de la BBC quien se enamoró de "Teenage Kicks" hasta el punto de pasarse horas y horas radiándola y de financiarles la grabación de un EP de debut con el hit en los estudios Wizard Sound (Belfast). De este modo la canción fue todo un éxito, además de ser considerada por el propio Peel como "la mejor canción de todos los tiempos".

                                       

Finalmente la compañía Sire records les ofreció un contrato por el que grabaron este debut a principios de 1979 en los estudios londinenses Eden. Bajo la batuta del productor Roger Bechirian, se grabaron los temas habituales de los conciertos de los que se incluyeron 14 cortes en el disco original - en las reediciones en CD se ampliaron hasta 26 - en unas sesiones que duraron dos semanas. 

El resultado, fue un disco en el que eran evidentes las influencias del punk, del garage y de la nueva ola, pero que también incluía elementos del glam, del surf y  del post-punk. Con un protagonismo de unas guitarras perfectamente acopladas de los hermanos O’Neill, herederas del garage-rock de los 60 y de los New York Dolls,  y de una arrebatadora y carismática voz de Sharkey que siendo temblorosa y pasional acaba sonando vitalista y luminosa.

                                       

Otra de las señas de identidad de la banda fueron unas letras que, a pesar de surgir en un contexto tan politizado como la Irlanda del Norte de la época y a diferencia de los grupos de la escena de Belfast como los Stiff Little Fingers, acabaron versando en la temática universal de los problemas juveniles: la vida en la calle, los desengaños amorosos, la ansiedad, ....

                                

El resultado es una colección inigualable de hits punk para teenagers llenos de color y frenesí. Píldoras como la impetuosa “Jimmy, Jimmy”, la celebrativa “Here comes the summer”, sin olvidarnos de "Teenage Kicks" con su estribillo redondo, sus guitarrazos pluscuamperfectos y Sharkey interpretando con toda su alma. Las Otras de las anfetaminas pop que hay son "Family Entretainment" con sus campanas rítmicas adornando, "I Gotta Getta" y "Listening In" con los teclados surf a tope o "Male Model" con unos coros que podrían pasar por los Clash si tuvieran reivindicaciones políticas. En "Girls Don' t Like It" se ven unos solos robados de los Dolls, lo mismo que - mejor dicho, sobre todo- en "Get Over You" que suena como una versión descafeinada de la banda de Johnny Thunders.

O "Jump Boys" con su riff inicial y la declamación a lo Sex Pistols roto por su vuelta y coros popies, "(She' s A) Runaround" con los Small Faces rondando por allí, o la fugaz "Casbah Rock" homenaje a sus inicios y al rock clásico.

Tras "The Undertones", la banda publicó tres larga duración mas con elementos de la música soul de la Motown hasta que Sharkey decidió abandonar en 1983 por no compartir el rumbo artístico de sus compañeros. Por si fuera poco Sire records rescindió el contrato por la ausencia de éxitos y "The Undertones" se separaron hasta 1999 en el que volvieron a reunirse sin su voz y líder para publicar nuevo material y dar giras para los mas nostálgicos. Si bien, la imagen de cincuentones cantando sobre angustia juvenil deja claro que su momento quedó atrás con la madurez y sobre todo con la distancia de este disco catalogado como una auténtica obra maestra del pop-punk.

Por Alejandro Guimerà

TEENAGE KICKS:

A teenage dream's so hard to beat
Every time she walks down the street
Another girl in the neighbourhood
Wish she was mine, she looks so good

I wanna hold her, wanna hold her tight
Get teenage kicks right through the night

I'm gonna call her on the telephone
Have her over cos I'm all alone
I need excitement, oh I need it bad
And it's the best I've ever had

I wanna holdher, wanna hold her tight
Get teenage kicks right through the night
Alright

A teenage dream's so hard to beat
Every time she walks down the street
Another girl in the neighbourhood
Wish she was mine, she looks so good

I wanna hold her, wanna hold her tight
Get teenage kicks right through the night

I'm gonna call her on the telephone
Have her over cos I'm all alone
I need excitement, oh I need it bad
And it's the best I've ever had

I wanna hold her, wanna hold her tight
Get teenage kicks right through the night
Alright

I wanna hold her, wanna hold hertight
Get teenage kicks right through the night
Alright

DISCOS DE 2016: THE JAYHAWKS - PAGING MR. PROUST:

Tras las giras de repaso de la trilogía “Sound Of Lies” (97) “Smile” (00) y “Rainy Day Music” (03), la banda de Gary Louris y Marc Perlman vuelven a la carga publicando un nuevo disco “Paging Mr. Proust ” tras el “Mockingbird Time” (2011) en el que participó el miembro original de la banda Mark Olson. Un disco en el que se mueven en su sonido habitual Americana y Country-Rock y en el que se meten alguna pincelada de Alt- Country y Lo-Fi.

Co-producido por el propio Louris con Peter Buck (REM) y el ingeniero Tucker Martine (The Decemberist o My Morning Jacket), los nuevos 12 cortes han sido grabados en Portland (Oregon) y enfundados con una futurista foto de portada del aeropuerto de JFK.

El disco arranca notablemente con “Quiet Corners & Empty Spaces” con la que recuperan el tono fresco que les hace recordar a los Byrds, a Tom Petty o a Big Star. En cambio los efluvios a REM los encontramos en “Leaving The Monsters Behind”, en la enérgica “The Dust of Long Dead Star” y en “Isabel’ s Daughter”, esta última con unos preciosos punteos de guitarra-mandolina.

Mas rockera y oscura – baja fidelidad inclusive – es “Lost The Summer”, mientras que en “Ace” se vuelven experimentales en la onda de My Morning Jacket y Wilco. En “Lovers of Sun” a quienes evocan es a losTeenage Fanclub mas melifluos y a los Yo La Tengo del agradable “Fade”.

A destacar “The Devils In Her Eyes”, un medio tiempo que suena como a una mezcla entre los Geroge Harrison y Neil Young de los setenta con unos coros marca de la casa. Y “Lies in black & white” con una armónica titánica.

En cambio en “Comeback Kids” se meten en trajes indie-rock que no les sientan nada bien, no sé si es por las guitarras, los sampleos o la melodía irreverente. Con la balada final “I’ ll Be Your Key” recuperan el tono por el sendero fácil de la calma.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://notedetengas.es/the-jayhawks-paging-mr-proust-gira-espanola-septiembre/

Neil Young y la luna: crónica del concierto de una noche de verano (20/06/16) en Poble Español (Barcelona)

El verano de 1967 se estrenó en California con solsticio y luna llena, con un batallón de hippies rindiendo pleitesía pagana a la madre naturaleza. Años más tarde el solsticio de verano y la luna llena volvía a coincidir en otro punto del planeta tierra, Barcelona, con una multitud adorando a uno de los hippies más legendarios. Hablamos, como no, de Neil Young y de su concierto del pasado día 20 de junio en el Poble Espanyol de Barcelona.

A plena luz del día y con la expectación de los seguidores de una ciudad a la que sólo había visitado una vez (en el Primavera Sound de 2009 junto a los Crazy Horses), el septuagenario apareció a escena de la Plaza Mayor del recinto turístico barcelonés bajo un misterioso sombrero y enfundado con una de sus habituales camisas de cuadros. Sigilosamente comenzó a abordar al piano "After The Gold Rush", enorme baladón que dejó a la audiencia congregada enmudecida a las primeras de cambio. Por si fuera poco, inmediatamente nos regalaba el tema que le comenzó a dar fama allá por 1972 "Heart Of Gold" con el único apoyo de su guitarra y esa armónica que tan magistralmente sabe tratar. Sin abandonar ambos instrumentos, del mismo disco siguió con la angustiosa "The Needle And The Damage Done" y la también lejana "Comes A Time".

                                   
En medio de los destellos del atardecer mediterráneo, con la brisa cálida del fin del día y con las gaviotas revoloteando como si danzaran al son de las dulces melodías, daba la sensación de que la naturaleza se alineara a favor del veterano guitarrista para enmarcar un directo con las mayores de las bellezas posibles. Precisamente una naturaleza reivindicada en la oda "Mother Earth" atacada solo al órgano y sin los coros que aparecen en la edición del disco "Ragged Glory" (1990), para una vez terminada ofrecer una particular performance con unos operarios desinfectando el escenario y contaminando la Tierra.

Así se ponía punto y final a la parte solitaria del concierto, una templada y entrañable entrada que dio paso a una segunda fase en la que acompañado por los Promise Of The Real, transitaría entre medios tiempos y áureas Country hasta alcanzar la noche.

Resaltar que los POTR son una auténtica bandaza formada por hijos del mismísimo ídolo Country Willie Nelson. Dos guitarristas, bajo, batería y percusionista que cumplen su papel a la perfección y nos hacen olvidar (por largos momentos) a los Crazy Horse. Quizás no son tan sucios ni salvajes como los "caballos locos", pero su sentir musical, virtuosismo y entrega les asemeja, a lo que añaden ese plus de inocencia y juventud que le sienta de maravilla al viejo Neil quien parece vivir, junto a ellos, su enésima segunda juventud.

Fue en este segundo acto cuando Neil a la acústica y los suyos dieron entrada a "Out On The Weekend" (¡ya iban tres del disco Harvest!), "From Hank To Hendrix" y "Unknown Legend" (ambas del notable Harvest Moon) o "Human Highway" (del Comes a Time), hasta que el canadiense agarró el mástil de su rickenbacker blanca para abordar "Alabama". Y la cosa despegó, vaya si lo hizo.

Poniendo toda la carne en el asador el concierto alcanzaba su fase mas rockera y enchufada, con desarrollos eléctricos despampanantes, solos alargados a la Gibson y una energía y dinamismo escénico febril, la banda fue disparando cañonazos como "Words", "Love To Burn", "Mantion on The Hill", o dos de los tres blues del "On The beach" ("Revolution Blues" y "Vampire Blues") alcanzando un frenesí musical sin parangón, en el que las seis cuerdas de Young cobraron vida y evocaron múltiplicidad de sentimientos: rabia, enajenación, pasión, euforia, .... No hay palabras para describir la energía que lleva este hombre de 72 años en sus entrañas y como la canaliza tocando la guitarra y expresando emociones como nadie.

                     
Y el clímax llegó con uno de sus grandes himnos, la abrasadora "Rockin' In The Free World", alargada para el delirio de los fans y perfecta traca final de tal maravilloso derroche de energía rockera. Para el Bis, se encomendó a la luna e interpretó el que es uno de sus mejores temas del que es quizás su mejor disco Zuma. Hablo de "Cortez The Killer" un tema que denuncia la colonización americana y el trato a los nativos. Sentimental, reflexiva y taciturna la llama se fue apagando al son de una guitarra hipnótica como el sueño de una noche de verano. Pura naturaleza.

Por Alejandro Guimerà

DISCOS DE 2016: NADA SURF- YOU KNOW WHO YOU ARE:

Nada Surf nacieron en la década dorada del indie rock americano explotando una propuesta power pop plasmada en un single, "Popular", que les hizo caer en el estigma del "one hit wonder". Afortunadamente el trío de New York tenía argumentos para rato, lo que les dio una carrera que han alargado más de veinte años con notables discos (hasta siete álbumes de estudio sin contar el nuevo) en los que las guitarras robustas, la vitalidad y su innata sensibilidad pop les ha ido consolidando en el panorama independiente.

Así llegan a este año con "You Know Who You Are" en el que Matthew Caws (guitarra y voces), Daniel Lorca (bajo y voces) e Ira Elliott (batería y voces) han incorporado una cuarta pata con la guitarra de Doug Guillard, ex miembro de los Guided By Voices, para mostrarse sólidos y maduros de la mano de sus argumentos de siempre.

                               
Si bien en lo nuevo la producción brilla más que nunca, las voces llegan más pulidas, las guitarras son finas y delicadas para un tono general melancólico, nostálgico, a la vez que bello y no falto de cierto tono esperanzador. Es como si los de Brooklyn hubieran perdido algo de frescura y poderío juvenil para adoptar cierta relajación que te dan los años y la experiencia. Así, logran doblar las guitarras a la perfección, introduciendo solos, y alternar los temas excitados con otros más relajados.

Con el single de adelanto, "Believe You' re Mine", aparecen a medio camino, conectando con la parte más dulce de losDeath Cab For Cutie, lo mismo que "Friend Hospital" que podrían haberla firmado la versión más reciente de los deBen Gibbard . El otro single es "Cold To See Clear", en el que explotan su parte melódica y cool con sus cambios de tono bajo-alto asemejándose a lo que nos tenían acostumbrados: su power pop parejo a otras grandes bandas americanas de los últimos tiempos como Fountains Of Wayne o Spoon. No le va a la zaga "New Bird", donde las baterías redoblan más que nunca, las guitarras crecen y la energía vuelve a la palestra. Maravilloso medio tiempo el de "Out Of The Dark", dedicado al triste fenómeno del aislamiento de los chicos asiáticos (hikimori) con unas guitarras arrebatadoras y unas trompetas que anudan la épica de los Calexico y el sentimiento de la Stax.
                           
En "Rushing" y "Animal" tiran de lo íntimo y lo delicado, de melodía y notas bien puestas. La que nombra el disco, por el contrario, arranca con unas sucias guitarras grunge para acabar nadando en la cara poderosa del pop. "Gold Sounds", de título parecido a una canción de Pavement, contiene voces Byrds-Teenage Fanclub, que sin llegar a arrancar del todo es un acierto de tema. El disco concluye con "Victory' s Yours" en donde lucen más que nunca las segundas y terceras voces aunque la composición no termina de cuajar.

Es el resumen de esta octava entrega de los Nada Surf en el que quizás no arriesguen y acaban tirando de sus propias recetas, pero no por ello deja de ser notable con momentos de absoluta brillantez logrados con los galones que da el tiempo y con unos ingredientes que ellos manejan a la perfección. Porque estos tipos tiene claro quiénes son.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2016/03/nada-surf-you-know-who-you-are.html

CITAS DE ROCKEROS (VI): DROGAS:

Yo nunca he tenido problemas con las drogas, con quien los tengo es con la policía (KEITH RICHARDS)

Lo que te hace sentir bien no te puede causar ningún daño (JANIS JOPLIN)

La Ganja (Marihuana) sale de la tierra, así que no puede ser mala (BOB MARLEY)

Hubo una etapa en mi vida que me estaba metiendo una tercera parte de la economía colombiana por mi nariz (STEVE TYLER-AEROSMITH)

La droga es una parte de mi vida de la que no estoy nada orgulloso. Es tan poderosa como el diablo (KURT COBAIN)

Es cierto, antes de que nos recibiera la Reina nos metimos en el lavabo y nos fumamos un porro ( GEORGE HARRISON)

No tienes que estar drogado para disfrutar de nuestra música...pero ayuda (ROGER WATERS-PINK FLOYD)

Creo que la gente necesita ser educada con el hecho de que la marihuana no es una droga. La marihuana es una hierba y una flor. Dios lo puso aquí. Si Él lo puso aquí y Él quiere que crezca, Qué le da al gobierno el derecho a decir que Dios es malo? (WILLIE NELSON)

Gran parte de mi gran mala suerte han sido relacionados con las drogas. Si eres menor de 30, lo que sea, pero una vez que estás pasado 40 es sólo feo (COURTNEY LOVE)

El verdadero rostro del tabaquismo es la enfermedad, la muerte y el horror - no el glamour y la sofisticación de los traficantes en la industria del tabaco intenta retratar (DAVID BRYNE-TALKING HEADS)

Empecé a beber en 1970 y terminé en 1985, fue un trago muy largo (ALICE COOPER)

Yo he dicho no a las drogas, pero ellas no me escuchan (MARILYN MANSON)

En ese tiempo estábamos todos colgados en ácido. Acabamos discutiendo con los árboles, pero lo peor es que a menudo ganaban ellos la discusión (LEMMY- MOTORHEAD)



He visto la aguja y el daño causado, sólo una pequeña parte de él (el daño) en todo el mundo. Sin embargo, cada adicto es como una puesta de sol (NEIL YOUNG)

Desde que tenía 16 años, he sentido que una nube negra flota sobre mi. Desde entonces, he tomado pastillas para la depresión (AMY WINEHOUSE)

La cosa más importante a recordar sobre los alcohólicos es que son mucho más inteligente que los no alcohólicos. Ellos gastan mucho tiempo hablando en Pubs, a diferencia de los adictos al trabajo que se concentran en sus carreras y ambiciones, que nunca desarrollan sus valores más altos espirituales, que nunca exploran dentro de su cabeza como un borracho hace (SHANE MACGOWAN-THE POGUES)
                               

El origen de todos los males de la droga posiblemente sea la prohibición (ANDRES CALAMARO)

La cafeína es la mejor droga para escapar (EDDIE VEDDER-PEARL JAM)

Periodista: "¿Tienes problemas con el alcohol? Ozzy: "Si, no encuentro ningún bar" (OZZY OSBOURNE)

No se puede beber en un vuelo de ocho horas y luego subir al escenario (ROBERT SMITH-THE CURE)

El porro es para fumar, no para lanzar (JOEY RAMONE-RAMONES)

En este momento puede que reciba mas de las canciones que de las drogas. Pero es mas fácil conseguir drogas que componer una canción (PETE DOHERTHY-THE LIBERTINES)

Beber a largo plazo es mucho peor que la heroína. El alcohol es un verdadero veneno (AMY WINEHOUSE)

                                      

He vuelto de la muerte para joder a los medios de comunicación (PHL ANSELMO-PANTERA) Frase dicha en el Hospital tras despertarse de muerte clínica por sobredosis.


No quiero ver lágrimas de drogas en esta banda (AXL ROSE-GUNS' N ROSES)


"Plug In Baby" fue compuesta bajo los efectos de las setas (MATT BELLAMY-MUSE)

Periodista: ¿quiere que sus fans consuman drogas? Lou: sí, porque es mejor que el Monopoly (LOU REED)


Una vez compartí estada en rehabilitación en la clínica Betty Ford con el papá de los Kings Of Leon, él era el manager de las giras de sus hijos, y como estaba borracho todo el tiempo lo mandaron a rehabilitación. Fue la mejor compañía (STEVE TYLER-AEROSMITH)