FALLECE EL LATIDO DE LOS ROLLING STONES CHARLIE WATTS:

Charles Robert "Charlie" Watts (London 2 de julio de 1941- London 24 de agosto de 2021) 

                                                

Summer Of Soul (..Or, When The Revolution Could Not Be Televised) (Dir. Ahmir Thompson):

                  

                    

El verano de 1969 ha sido recordado por Woodstock, el primer paso del hombre en la luna y por la retirada del ejército norteamericano de la fatídica guerra del Vietnam. En aquellos años especialmente convulsos para los Estados Unidos, además, los problemas raciales habían azotado muy fuerte a la población afroamericana con especial saña en los asesinatos de JFK, Martin Luter King y Malcolm X, que derivaron en graves disturbios en la calle. Quizás por ello - con el fin de calmar tensiones- el aperturista alcalde de Nueva York de entonces, John Lindsay, impulsó el Harlem Cultural Festival, que a lo largo de seis semanas desde el 29 de junio hasta el 24 de agosto de aquel año, se celebró en el Mount Morris Park de Harlem.

                                                

 

Pero lo curioso del caso es que en un festival en donde desfilaron grandes leyendas de la música de todos los tiempos no hayan salido a la luz sus imágenes hasta pasados 52 años. Y es que si bien el evento fue grabado por Hal Tulchin, las imágenes nunca llegaron a editarse ni a difundirse, quedando guardados en un sótano hasta que hace un par de años el guionista Robert Fyvolent descubrió su existencia y propuso a David Dinerstein su producción para lo que llamaron a Ahmir "Questlove" (batería de The Roots) para su dirección.

El resultado es un maravilloso documental que retrata de forma emotiva un momento histórico irrepetible, una música fascinante, un barrio único y una población muy especial, lo que ha llevado al film a ser galardonado en el Sundance Film Festival de 2021 con los premios del Gran Jurado y del Público al mejor documental.

                                           

El visionado se hace trepidante, su narrativa ágil y entretenida combina las historias paralelas con las imágenes de las actuaciones y las opiniones de sus protagonistas y de algunos de sus asistentes (los verdaderos protagonistas) que repasan un hito que sólo fue posible por el entusiasmo de su promotor y presentador, Tony Lawrence, quien aparece ataviado de varias formas.

                                   

Y por allí vemos actuar a un joven emergente y talentoso Stevie Wonder, justo antes de encarar la década que lo encumbró como uno de los grandes genios del pasado siglo, o el entusiasmo de The 5th Dimension presentando el pop luminoso de “Aquarius/Let The Sunshine In”, recordado por sus protagonistas, o el talento incomensurable de Mavis Staple y el proyecto que lideró su padre The Staple Singers, donde fusionaban góspel y soul, el pop soul de Gladys Night, David Ruffin y la Motown a sus espaldas, la fuerza de la naturaleza que era Sly and the Family Stone con su alucinante puesta en escena soul-funk psicodélica, la diva del jazz Nina Simone y la diva del Góspel Mahalia Jackson, el blues intenso de B.B. King (quizás aparece demasiado poco), los ritmos latinos abrasadores de Mongo Santamaría o los discursos emotivos de un joven reverendo Jesse Jackson.

 

Pero más allá de estos extraordinarios músicos el largometraje transita por el alma del festival y por sus historias paralelas. Así el espectador puede ver el rechazo con el que se vivió el alunizaje en el barrio de Harlem en dónde se abogaba más por mirar los problemas en la Tierra como la pobreza o la segregación racial. También revivimos el entusiasmo con el que las familias del barrio vivieron el festival, los peinados que lucían y sus vestimentas más en boga, la presencia de los Panteras Negras, pero sobre todo la ilusión y emoción con la que los 300.000 asistentes que desfilaron por el parque Mount Morris.

Aunque el clímax del documental llega de la mano de la actuación de la gran Mahalia quien secundada por Mavis se desgañitan llenas de dolor y rabia cantando “Take my hand, precious Lord” para rendir homenaje a Martin Luter King tras las sentidas palabras del reverendo Jackson rememorando el asesinato del activista en su presencia un año antes en el hotel Lorraine de Memphis. En la misma senda reivindicativa le sigue Nina desplegando su arte inmenso al servicio de la lucha por los derechos civiles de la población negra. Pero el “Harlem Cultural Festival” no solamente fue un acontecimiento para la población negra, si no que los puertorriqueños y latinos del barrio tuvieron su presencia encima y abajo de los escenarios, reivindicándose a través de sus ritmos y su latin jazz.

                                      
Para poner un pero, decir que el título no casa con la realidad ya que son varios los géneros musicales además del soul los que flotaron por las calles de Harlem ese año del cambio, pues el góspel religioso tuvo su peso, como también lo tuvieron el blues, el jazz, el funky y el pop. Una amalgama de colores que iluminaron un barrio tan sufrido como lleno de talento y fuerza.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/07/summer-of-soul-or-when-revolution-could.html

Muere Dusty Hill de los ZZ Top:

Joseph Michael "Dusty" Hill (19 de Mayo de 1949 – 27 de Julio 27 de 2021):

R.I.P.

DISCOS DE 2021: KINGS OF CONVENIENCE- Peace Or Love:

               

                           

Doce años hemos tenido que esperar para poder escuchar el cuarto larga duración del dueto noruego formado por Erlend Øye y Erik Glambek Bøe. Amigos de escuela en su natal Bergen en 1999, arrancaron su andadura encima de los escenarios de media Europa fogueándose en festivales estivales hasta que el sello independiente americano Kindercore les produjo Quiet Is A New Load (2001) que grabaron el Liverpool, una vez ya se habían instalado en Londres, y gracias al cual se presentaron ante el mundo indie como banda revelación.

Aquel mismo año se editaba Versus, un álbum en el que varios artistas remezclaban sus temas alejándolos de su versión original desnuda y minimalista. Pero el verdadero salto de calidad lo dieron con Riot On Empty Street (2004), donde emergieron joyas con luz propia como “Homesick”, que les hizo ganar buenas críticas de la prensa especializada y nuevos fans.

Mientras tanto Erlend Øye se había mudado a Berlín y se había metido en nuevos retos musicales en los que la acústica quedaba abandonada a favor del synth pop, fundando la banda The Whitest Boy Alive con quienes ha tenido cierto éxito.

A pesar de un parón de cinco años, múltiples proyectos paralelos y rumores de disolución, la colaboración entre Erlend y Erik continuó con una nueva y notable entrega en 2009 llamada Declaration of Dependence con el que profundizaron más aún en sus habituales tonalidades acústicas.

                                        

Poco material para los más de 20 años de carrera y para esa identidad artística propia basada en el folk acústico, en las voces sincronizadas, en una mirada hacia el legado clásico de Simon y Garfunkel y en la Bossanova más sosegada. Una formación que además ofrece un directo formidable capaz de transmitir como pocos climas sonoros y sentimiento.

Pero bueno, hablemos de Peace Or Love, con el que los escandinavos dan continuidad lógica a su legado dentro de esta preciosa funda en la que vemos a los dos músicos en un plano desde arriba mientras juegan plácidamente al ajedrez. Publicado por EMI, el álbum comenzó a grabarse en 2017 pero quedó aplazado hasta que su antiguo productor Robert Jonnum les dio el impulso que necesitaban para terminar de grabar estas nuevas composiciones basadas en las dificultades que suponen perseguir el amor y la paz.

                            

Con guitarras cristalinas y voces cálidas apareciendo de entrada en “Rumours”, lo mismo que unos deliciosos y trabajados violines hacen en “Rock Trail” . Más desnuda, y con un punteo de guitarra que parece rescatado del folk de los sesenta, fluye “Comb My Hair”, mientras que “Angel” luce con ritmos Bossanova. Los mismos que escuchamos en “Fever” y en “Catholic Country”, esta última cantada a dueto con la cantautora Feist. La canadiense, que ya había colaborado con los KoC en 2004 en el álbum Riot On An Empty Street, repite en la frágil “Love Is A Lonely Thing”. “Killers” y “Song About It” nos transmiten una placidez y una calma que sólo ellos son capaces de crear con sus notas.

Símbolo de la “slow life”, que reza que la vida no debería dejarse escapar por el estrés y la velocidad en la que vivimos, si no hacer las cosas en su momento correcto; la música de los Kings Of Convenience podría calificarse como “slow music” con la que merece la pena pararse de tanto movimiento, degustarla y dejarse llevar por sus paisajes llenos de amor y paz.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.eldestiladorcultural.es/musica/indie/kings-of-convenience-peace-or-love/

GRANDES DISCOS: The Doors por THE DOORS (1967):

Hoy se cumplen 40 años de la muerte de una de las personalidades mas controvertidas y geniales que ha dado el rock a lo largo de los años, hablamos del irrepetible e icónico Jim Morrison. Para ello que mejor que recordarlo con el disco debut de su banda que es para mi, su mejor y mas completa creación,  con perdón del L. A. Woman de 1971. Allí vamos.

Nos situamos en los EUA del año 1967, quizás el mas prolífico de cuantos haya habido para el rock. A lo largo de ese año salieron al mercado un elenco de obras maestras de entre los que encontramos los que son quizás los mejores discos de los Beatles,  Velvet Underground, Jimi Hendrix, Pink Floyd, los Cream de Eric Clapton, y de un larguísimo etcétera. 

 
El 4 de enero de ese mismo año la nueva banda “The Doors” (nombre recogido de un poema de William Blake “The Doors Of Perception”) sacaba su primer LP al mercado después de revolucionar la escena de clubes de Los Angeles con su rock ácido y antes de saltar directo hacia los primeros puestos de las ventas de todo el país.  El secreto del éxito, en una época en la que destacar ante tanto talento resultaba casi imposible, estaba quizás en la combinación de los cuatro músicos, cuya personalidad y formación e inquietudes artísticas resultaban del todo distintas.

                     

Pero la historia arrancó cuando un joven Jim Morrison, hijo de militar, estudiante de cine y gran amante de la poesía (Rimbaud y Baudelaire eran sus favoritos) conoció por casualidad en la playa de Venice (California) a otro universitario con ínfulas intelectuales como era Ray Manzarek,
Allí el cantante interpretó una “Moonlight Drive”, un tema que había compuesto él mismo, y que dejó tan impresionado al teclista que ambos decidieron armar una banda, para lo cual este último llamó a sus compañeros de meditación John Densmore (Batería) y Robbie Krieger (guitarra). Habían nacido los Doors.
Tras un periplo fogueándose en la mítica sala Whiskey A Go Go, en la que se fueron ganando un nombre entre los fans, llamaron la atención de la discográfica Elektra, una filial de la Warner hasta entonces especializada en Folk pero que estaba comenzando a fichar bandas rock californianas como Love o los Paul Butterfield Blues Band.

                   

Así surgió este debut, gravado a finales de Agosto de 1966 en los estudios angelinos de Sunset Sound Recorders y editado el 4 de enero del año siguiente con la legendaria portada lisérgica en la que el protagonismo es absorbido por el atractivo solista y letrista. En su interior una amalgama de sonidos crudos y oscuros con bases  blues pero también del jazz y la psicodelia, todo ello engalanado con una poesía que miraba hacia el lado más instintivo y salvaje del alma humana.

El hielo se rompe con “Break On Trought (To The Other Side)” una pieza estratosférica y que forma parte ya de la Banda Sonora de los años sesenta. Con su bajo marcando el irresistible e inquietante ritmo y Morrison gritando al final de la estrofa, la letra fue censurada por Elektra que quitó "high" por ver apología a drogarse (razón no les faltaba). La otra emblemática del disco es  “Ligh My Fire”  cuyo solo de teclado Manzarek al medio de la canción es una locura psicodélica que resultó un hito para la época.

El álbum se completa con blues de alta intensidad con piezas como las propias  "Soul Kitchen" y "Twentieth Century Fox" o la versión de Willie Dixon "Black Door Man" que ya habían recuperado el año anterior The Shadow Of Knight, pero que aquí suena bastante más salvaje. Otra versión que encontramos en el disco es la del clásico de Bertolt Brecht "Alabama Song (Whisky Bar)", un tema que destaca por su toque cabaretero, el uso de trombones y campanillas en una línia que la banda explotaría en discos venideros.

También tenemos piezas oníricas naifs como "The Christal Ship" o taciturnas "End Of The Night", interpretadas con toda la calidez vocal y los tempos pausados instrumentales. O las piezas "pop" "I Looked At You" y "Take It As It Comes", rítmicas y dinámicas pero también desgarradoras.

Para el final, la froidiana The End, una irreverente catarsis personal de Morrison de mas de once minutos en la que su eros y tanatos se entremezclan en una lucha de poder dónde quien  gana es la épica rock y donde su complejo de Edipo provocó las peores reacciones de la censura y pensamientos conservadores de la época. 

                                

Con su publicación los Doors adquirieron estatus de estrellas y sus apariciones en televisión  fueron memorables- Ed Sullivan les acabó vetando en su Show por su lenguaje soez en directo-, como también lo fueron sus conciertos en estadios ante miles de fans y con un Morrison cada vez más descontrolado por sus problemas con el alcohol y las drogas, con escándalos y problemas con la policía. Entre medio cinco buenos discos más hasta que la leyenda decidió retirarse momentáneamente a París, lugar donde halló la muerte en unas circunstancias que aún a día de hoy no aparecen claras.

Afortunadamente el mito nos dejó el debut y el cénit creativo de su banda y la particular revolución artística que trajo en aquellos años de mayor explosión social y cultural del siglo XX.

Por Àlex Guimerà

THE END

This is the end, beautiful friend
This is the end, my only friend
The end of our elaborate plans
The end of ev'rything that stands
The end


No safety or surprise
The end
I'll never look into your eyes again
Can you picture what will be
So limitless and free
Desperately in need of
some strangers hand
In a desperate land
Lost in a Roman wilderness of pain
And all the children are insane
All the children are insane
Waiting for the summer rain
There's danger on the edge of town
Ride the king's highway
Weird scenes inside the goldmine
Ride the highway West baby
Ride the snake
Ride the snake
To the lake
To the lake
The ancient lake baby
The snake is long
Seven miles
Ride the snake
He's old
And his skin is cold
The west is the best
The west is the best
Get here and we'll do the…

DISCOS DEL 2021: THE FRATELLIS – Half Drunk Under a Full Moon:

The Fratellis van ya para los 15 años de carrera, tiempo en los que han superado ser el Hype del momento y la enésima banda One-Hit- Wonder. Y lo han hecho publicando un puñado de discos interesantes en los que se han inspirado en el punk más melódico, en el glam rock de Bowie o T. Rex o en el power pop británico. Si bien sus inicios quedaron marcados por "Costello Music" (2006) y los estribillos para corear en una noche de borrachera de piezas como "Chelsea Dagger" o "Henrieta", el trascurso de los años y de sus canciones les ha otorgado una credibilidad musical que ha pasado a nuestro entender demasiado desapercibida. Especialmente incomprensible e injusto es el hecho que un excelente álbum como fue " We Need Medicine" (2013) repleto de grandes temas de rock ochentero de patrón clásico pasara sin pena ni gloria. A aquel le siguieron otros dos álbumes ciertamente notables como son "Eyes Wide, Tongue Tide" (2015) e "In Your Own Sweet Time" (2018), que preceden a este “ Half Drunk Under a Full Moon” en dónde parecen haber recuperado su mejor inspiración.

                       

El disco en cuestión ha sido grabado por este trío formado por John Lawler,  Barry Wallace y Gordon McRory (aka John, Barry y Gordon Fratelli) en Los Ángeles con la ayuda del artífice del sonido de su debut y de sus dos últimos trabajos de estudio, el productor Tony Hoffer (también de Beck, Kooks, Belle & Sebastian, Supergrass…) quien ha realizado una labor formidable recubriendo a las guitarras y batería con ricas capas de instrumentos clásicos.

 

Para la apertura, la que da título al paquete, un tema de estadios (o festivales veraniegos, más bien) cargado de triunfalismo y coros a pleno pulmón, ecos a Scott Walker y al “muro de sonido”, para dejarnos claro de buen comienzo que nos encontramos ante el trabajo de madurez del trío escocés. Lo confirman los ritmos setenteros de “Need A Little Love”, que presentan toda una declaración de sensualidad y pasión de quienes años ha fueran estandarte del rock británico más gamberro.

                         

Especialmente irresistibles son las que le siguen, “Lay Your Body Down”, himno pop dónde los haya con su toque melancólico  y unas letales capas de sonido y “The Last Songbird” luminoso canto al amor quizás algo edulcorado pero no por ello menos memorable.

 

La taciturna “Strangers In The Street” suena a puro Burt Bachanan con la orquesta deslizando su romanticismo, mientras que “Living In The Dark” de aromas sixties nos lleva directamente hacia la pista de baile.  Le van a la zaga otras marchosas como son “Six Days In June” y “Oh Roxy”, esta última con un ritmo de teclado monumental. 

 

El cierre lo pone la ensoñadora “Hello Stranger”, eso si no tienes la versión Deluxe en la que se añaden hasta ocho temas entre los cuales se atreven con una versión punk de “Runaround Sue” de Dion y revisan tres piezas del álbum.

                               

En estos tiempos grises y extraños, los hermanos Fratellis regresan directos del olvido de los fans, para arrojarnos algo de color a la vida con lo que mejor se les da: regar nuestros oídos con un ramillete de buenas canciones pop-rock de melodías infalibles y espíritu jovial. Necesarios.

 

Por Àlex Guimerà.

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TRILOGÍAS DEL ROCK: BLUR:

Con la mirada que da el tiempo hemos podido valorar lo positivo de aquello que se llamó como "Brit Pop" por los medios de comunicación y que las compañías discográficas supieron aprovechar en aras a la rentabilización de las ventas de discos.

Uno de los estandartes era la banda londinense Blur formada por Damon Albarn (voz y guitarra), Graham Coxon (guitarra y coros), Alex James (bajo) y Dave Rowntree (batería). Un carismático cuarteto que en tres años produjo una notable trilogía de discos con el que recuperaban la mirada crítica hacia la vieja Inglaterra que Ray Davies tanto había explorado en las décadas de los sesenta (también en su gloriosa y desconocida época power pop en los setenta) y lo hacía a través de un pop renovado y vitalista, a veces deprimente, que cautivó a toda una generación. Vayamos a recuperarla porqué merece la pena:



Modern Life Is Rubbish (1993):



El más desconocido de la trilogía no alcanzó el éxito de sus continuadores y quizás sea el que mayor crudeza y capacidad crítica alberga. Y es que este disco fue un gran salto respecto al debut "Leisure" con el que la banda ofrecía un pop psicodélico siguiendo la estela del Madchester ya que aquí el cuarteto tiró hacia las guitarras del pop británico clásico y abrazó cierta ironía que miraba hacia la realidad de la sociedad británica. Con piezas pegadizas como "For Tomorrow", "Sunday Sunday" o "Colin Zeal" alternadas con piezas más calmadas como "Blue Jeans" o "Miss America". Estaban prfilando su sonido. 

Una de las penas es que la versión original del álbum no incluyera el single "Popscene" un tema grunge-shoegaze que si bien desentonaba con el álbum se hizo famosa entre sus fans en sus enérgicos directos.




Parklife (1994):

La fama de la banda llegó con este trabajo y gracias a singles imbatibles que llenaron las discotecas de todo el mundo. Son los "Parklife", una pieza que era narrada por  y que venía acompañada por un divertido videoclip de la banda en dónde acorde con la letra se ironizaba en los pasatiempos y diversiones de los británicos. Y "Girls & Boys" con su ritmo de bajo saltarín y su inspiración en los viajes hacia las costas españolas de la juventud inglesa . Pero el disco albergaba mucho más, como las reflexiones de los baladones "End Of A Century" y "This Is A Low", la pieza musical de feria "The Debt Collector", los guitarrazos grunge de "Jubilee" y "Bankholiday", la melancolía de "Badhead", más pop saltarín con "Tracey Jacks" y "Magic America", una pieza por antonomasia de desamor com es "To The End", el pop ochentero de "London Loves" o los ejercicios de taciturnidad de "Far Out" con la voz de Coxon. Casi nada.

The Great Escape (1995):

Apenas un año después la banda nuevamente se zambullía con un nuevo éxito con este disco titulado en homenaje a la película de Steve McQueen y en la que los elementos electrónicos y syntes son introducidos junto a las guitarras potentes para seguir produciendo hits de calibre como "Charmlessman" (inmortal su"na-na-na-na-ná"), "Country House" o "The Universal" con su clip rememorando "Odisea 2001" de Kubrick. La crítica social no cesaba con letras potentes como "Stereotypes", "He Thought Of Cars"o "Top Man". Tampoco olvidemos las grandes melodías ("Best Days"), los guitarrazos ("Globe Alone"),  los ejercicios de irreverencia melodramática ("Ernold Same"), más pop lúcido ("It Could Be You") y muchos personajes inventados. Como "Dan Abnormal" alter ego y anagrama de Damon Albarn.

ESPECIAL 80 ANIVERSARIO DE BOB DYLAN: 5 Grandes Versiones de sus canciones.

Auténtico superviviente del rock de los sesenta, Bob Dylan aún se encuentra en plena forma tal y como demostró el año pasado con el "Rough And Rowdy Ways", un disco tan monumental como necesario para el "annus horribilis" que fue el 2020. Pero vayamos más lejos para retarle homenaje al bardo de Minnesotta en su cambio de dígito, para lo que repasaremos cinco grandes versiones de sus canciones realizadas por cinco mitos musicales. ¡Happy Birthday Bob!

1) BLOWIN' IN THE WIND- SAM COOKE:

Uno de los compositores más importantes de la música soul y activista pro derechos de los afroamericanos, Sam Cooke, supo apreciar las capacidades compositivas del nuevo cantautor folk de nueva york. Tanto que le llevó a versionar su pieza más famosa en una interpretación tan estremecedora como impactante y que además le inspiró a componer "A Change Is Gonna Come" en la que quiso expresar sus sentimientos respecto a la lucha racial. 

2) MY BACK PAGES- THE BYRDS:

Si bien nos hartaríamos de presentar versiones de Dylan de los Byrds, es realmente esta "My Back Pages" la que nos llama más la atención de todas. Y es que la formidable banda folk-rock aquí electriza la pieza del "Another Side of Bob Dylan" y le dota de un ritmo embriagador. Además, la versión fue tocada por el propio MCGuinn junto a su autor y otros grandes como Tom Petty, Eric Clapton o Neil Young en el concierto del 30 aniversario del músico. Memorable!

3) IF NOT FOR YOU- GEORGE HARRISON:

En 1970 el Beatle tapado publicó "All Things Must Pass" en el que dio rienda suelta a sus capacidades compositivas en un álbum triple. Parte de él es esta sensacional versión dylaniana a la que dota de aromas country y en la que el slide guitar y la sensibilidad de Harrison saben elevar. Inolvidable encuentro entre los mundos Beatle y Bob Dylan.

4) ALL ALONG THE WATCHTOWER- JIMI HENDRIX:

Emblema de la revolución social americana de los sesenta es esta versión que una fuerza de la naturaleza fugaz como fue Hendrix nos regaló unos años antes de desaparecer. Y es que la sección rítmica poderosa se cruza con los psicóticos solos del de Seattle y su profunda voz dando la vuelta completamente a la original. A finales del 67 Robert Zimmermann se quiso apartar del mainstream pero su disco "John Wesley Harding" llamó la atención a los grandes de su época.

5) MIGHTY QUINN- MANFRED MANN:

Cuando vas sobrado de composiciones pasan cosas como que regalas un tema a unos británicos desconocidos para que arrasen en las listas de ventas. Este es el caso de "Quinn the Eskimo (The Mighty Quinn)" que Dylan compuso y grabó para los "Baseman Tapes" y cuya original estuvo inédita hasta 1975 siete años de publicarse su versión. Una versión que suena popie, alegre y letal. Y es que el orden del factor no altera el producto.

DISCOS EN DIRECTO DEL ROCK IMPRESCINDIBLES (VIII):

VELVET UNDERGROUND- LIVE AT MAX' S KANSAS CITY (1972):

Grabado en el Max's Kansas City de Nueva York en agosto de 1970 y en la época final de la icónica banda con los originales Lou Reed y Sterling Morrisson (guitarra), Doug Yule que entró en la banda tras la huída de John Cale para tocar el bajo y su hermano Boby Yule a la batería para sustituir a Maureen Tucker quien se encontraba de baja por maternidad. El resultado es una banda sobreviviendo a las bajas pero tocando de forma compacta y dando rienda suelta al talento de Lou Reed a través de temas como "I'm Waiting for the Man", "Sweett Jane" o "Pale Blue Eyes". Una noche histórica en la que la Velvet volvió a sonar como nunca.

CURTIS MAYFIELD- CURTIS/LIVE (1971):

Poco después de dejar a los Impressions, y justo tras su homónimo debut en solitario "Curtis" (1970), el de Chicago se fue con sus nuevos músicos al "Bitter End nightclub" de New York a darlo todo para publicar su primer directo en solitario y uno de los mejores jamás publicados a pesar de recibir muchas críticas de la prensa especializada. El disco incluye letras con fuerte carga política y uno de los primeros (si no el primero) raps de la historia. Reinventando el soul desde las tablas.

MOTORHEAD- NO SLEEP ' TIL HAMMERSMITH (1981):

El sexto álbum de los Motorhead fue su primer álbum en directo y presentaba una formación compuesta por su formación clásica en la que además de su "factotum" Lemmy a las voces y bajo, estaban el virtuoso Eddie Clarke a la guitarra y Phil "Philty Animal" Taylor a la batería. Y los tres solos logran toda una carga de speed metal que encandiló a sus fans y les llevó a lo más alto de las listas de ventas. Con temas de su homónimo debut (77) y de sus álbumes "Overkill" y "Bomber" (ambos del 79) y del gran "Ace Of Spade"(80) el disco fue gravado en cinco actuaciones de su gira británica entre los días 27 de marzo y 3 de abril de 1981 (Leeds, Norfolk, Newcastle y Belfast). El resultado un álbum que aún a día de hoy se sigue vendiendo.

 METALLICA- S&M (1999):

La idea fue revolucionaria, juntar mundos aparentemente antagónicos como son una prestigiosa orquesta clásica como la San Francisco Symphony y una veterana banda de speed metal como Metallica. El resultado funcionó a las mil maravillas, pues al final el lenguaje musical y la excelente formación y talento musical de los de James Heltfield fueron aunándose en la interpretación de los clásicos de los de Los Angeles como "Masters Of Puppets", "Fuel" o "Nothing Else Matters" en los que se entremezclan los violines, flautas y cellos con los guitarrazos y baterías. Fantástico!

DISCOS DE 2021: As The Loves Continues por MOGWAI:

Este año se cumplen 30 años desde que Stuart Braithwaite (guitarra) y Dominic Aitchison (bajo) se conocieran, cuatro antes de decidir formar Mogwai junto a Martin Bulloch (batería) y John Cummings (guitarra hasta el 2015). Ha pasado el tiempo, varios músicos en su formación, 9 discos de estudio (el que llega es el número 10), 4 bandas sonoras, y la leyenda de los escoceses como banda abanderada del post-rock es ya toda una realidad. Un género musical que definen con su propio estilo: protagonismo de las guitarras, ausencia de voces, influencias del jazz y del rock progresivo pero también del vanguardismo electrónico y en especial la alternancia de climas y ambientes que pasan de la calma a las tormentas eléctricas.

 

                           

Con un equipo titular que conserva el esqueleto, Braithwaite - Aitchison -Bulloch junto con el multi instrumentista Barry Burns (en la banda desde "Come On Die Young" de 1999), la hoja de estilo de Mogwai se mantiene fiel en este "As The Love Continues" en el que los matices en el uso de sintes y efectos y el acierto de unas composiciones maduradas en pleno confinamiento merecen ser reivindicados.

Un trabajo producido de nuevo por su habitual Dave Fridmann (Flamming Lips, Mercury Rev, Tame Impala, MGMT), aunque esta vez desde la distancia por culpa de la pandemia ya que los de Glasgow no pudieron viajar a New York. Pero el álbum finalmente ha podido salir al mercado con total normalidad en este, por el momento, poco sembrado 2021, ofreciéndonos unos once nuevos cortes nada desechables.

                               

Llegan así los guitarrazos distorsionados de la alargada "To The Bin My Friend, Tonight We Vacate Earth" o los ambientes post-punk de "Here We, Here We, Here We Go Forever", con esa épica marcada por unos teclados memorables, que se vuelven hipnóticos en los ambientes misteriosos de "Dry Fantasy". Luego llega la irresistible y cantada "Ritchie Sacramento", que es puro shoegazing lleno de dulzura, como un cruce de My Bloody Valentine con los primeros Teenage Fanclub, "Drive The Nail" y "It' s What I Want I Want To Do, Mum" que duran más de 7 minutos cada una y vienen marcadas por la batería y por las habituales subidas y bajadas post-rock.

A destacar también los climas distorsionados de "Fuck The Money" o "Midnight Flit", los enérgicos acordes de "Ceiling Granny", la popie "Supposedely, We Were Nightmares" o los inicios lánguidos de "Pat Stains".

Nuevamente Mogwai nos traen emociones a través de las ondas, sin grandes novedades y con la vieja fórmula simplemente para recordarnos que al final de todas las tormentas siempre llega la calma. Esperemos poderlos vivir en directo bien pronto en algún festival.

Por Àlex Guimerà

Publicado en: http://www.elgiradiscos.com/2021/03/mogwai-as-love-continues.html