NEIL YOUNG: Before + After:

Uno de los pilares de la discografía de Neil Young son sin duda alguna los discos en directo. Comenzando por "Times Fade Away" (1973), grabado en su época dorada e inédito en cedé, un disco triste e íntimo que captaba el mal momento personal por el que pasaba el canadiense. Luego editó joyas como el legendario "Live Rust" (1979), el grunge "Weld" (1991), el simpático "Unplugged" (1993) o la banda sonora del documental que su colega Jim Jarmusch le hizo en 1997, "Year Of The Horse", un despliegue de energía eléctrica junto a sus Crazy Horse.

Posteriormente se dedicó a alternar la publicación de discos de estudio junto con el rescate de grabaciones de directos pasados, desde sus inicios en solitario en los años sesenta, como es el "Sugar Mountain. Live At Canterbury House 1968" (2008), pero sobre todo centrándose en sus bolazos de los años setenta como el "Live At Massey Hall 1971" (2007), "Tuscaloosa" (2019), o el "Roxy. Tonight's The Night 1973" (2018). Los últimos ejemplos de tal prodigalidad discográfica los tenemos en la presente década, con directos de 1971 ("Young Shakespeare" 2021), 1976 ("Odeon Budokan" 2023), 1991 ("Way Down In The Rust Pucket" 2021) e incluso de 2013 ("Return To Greendale" 2020). Todos ellos forman parte de los denominados "Neil Young Archives Performance Series", sus particulares Bootleg Series con los que ha hecho enloquecer a sus fans tanto por el suculento material que les ha ido ofreciendo como por sus costes.

Sin embargo el rockero aún ha tenido espacio para publicar directos contemporáneos como el EP grabado en su casa durante el confinamiento a causa de la pandemia, "The Times" (2020), y "Earth" (2016), este último grabado con su banda de entonces, Promises Of The Real -la banda de los hijos de Willie Nelson- en donde defendía ante el público canciones de su último disco, "Monsanto Years", junto a clásicos menos obvios de su discografía.

Y es precisamente este ejercicio de repasar canciones no tan evidentes de su trayectoria lo que nos viene a traer de nuevo con el recién estrenado "Before + After" (en la portada + pero en los créditos &), que esconde el misterio sobre si es testimonio real de su gira norteamericana del verano pasado o si sus cortes han sido registrados de nuevo en estudio, pues si bien a lo largo del metraje no se escuchan aplausos ni efectos ambientales, el listado de canciones coincide de lleno con el setlist de los quince conciertos que tuvieron lugar entre el 30 de junio y el 24 de julio de 2023 en distintas ciudades de la West Coast. En cualquier caso, lo que si conocemos es que el álbum ha sido producido por el legendario Lou Adler (conocido por trabajar en "Trapestry" de Carole King, en "San Francisco" de Scott McKenzie y en el único e icónico álbum de The Mamas And The Papas) y el propio Young, quien también ha hecho las remezclas junto a Niko Bolas, ambos bajo el apodo de The Volume Dealers. Además, las trece canciones aparecen enlazadas como una única pista para ser escuchadas y degustadas del tirón, y en palabras del viejo rockero "desafiando la mezcla, la organización digital y la separación".

"Before+ After" es íntimo y acústico, y a salvo a alguna excepción de órgano y piano se limita a voz, harmónica y guitarra, dejando el fondo vacío de público y creando una sensación de melancolía, soledad y mirada hacia el pasado que es lo que da sentido a la obra. Es por ello que las piezas elegidas recorren las distintas épocas y décadas de una trayectoria inigualable en el rock.

Destaca la inclusión por parte de Young de tres lejanos temas de Buffalo Springfield como son “Burned”, “Mr. Soul” y “On The Way Home”, uno para cada uno de los tres álbumes de la banda que lideró junto a Stephen Stills a mitades de los sesenta. Aunque "Mr. Soul" también formaba parte, aunque distorsionada, del olvidable "Trans", de 1983. En el otro extremo nos encontramos con "Don’t Forget Love", del recientísimo "Barn" (2021). También hay presencia de un disco defenestrado como es "Are You Pasionate?" (2002), con la romántica "When I Hold You in My Arms" junto a dignos testigos de su resurgir en los años 90 ("My Heart"de "Sleeps With Angels", "I' m The Ocean" de "Mirror Ball" y "Mother Earth" de "Ragged Glory"). Aunque quizás las piezas más reconocibles del paquete sean "Comes A Time" y "Birds", esta última de uno de sus mejores álbumes de siempre, "After The Gold Rush" (1970).

Son las partes de un disco ideal para los más acérrimos seguidores del músico pero también para aquellos que busquen sonidos puros y sin sobreproducciones, simplemente para dejarse llevar, para escuchar con los cascos puestos, en soledad y en plena oscuridad. De nuevo el de Toronto nos da dónde más duele, en todas las entrañas.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/neil-young-before-after.html

PORTADES ARTÍSTIQUES DEL ROCK:

Que el rock es una forma artística va quedar assumit a partir de la segona meitat de la dècada dels seixanta amb la explosió d' estils i diversificació de sonoritats a l' hora que l' elepé esdevenia una unitat creativa abandonant la idea de recull de meres cançons. D' igual manera amb portades com "Disraeli Gears" (Cream), Revolver" i "Sgt. Peppers" (Beatles) o el debut de la Velvet amb el rei del pop  art Andy Warhol disenyant la banana, les caràtules passaven a ser de per si una forma d' expressió artística.

Amb tot alguns músics però han volgut apropiar-se d' obres pictòriques famoses per protagonitzar les seves portades algunes de les quals des del rocknroute anem a repassar. Avui doncs, toca anar de museus:

MORGEN- Morgen (1969):

La banda psicodèlica de Long Island publicaba el seu únic àlbum amb la portada del reconegut quadre "El Crit" del pintor norueg Edvard Munch de 1893, un quadre que en 1961 havia estat portada de la prestigiosa revista "TIME". En qualsevol cas la icònica imatge és una excusa molt aconsellable endinsar-se a la sonoritat lisèrgica sobervia que amaga el disc.

DEEP PURPLE- Deep Purple (1969):

A les acaballes dels seixanta, els Deep Purple publicaven el seu tercer àlbum conegut com Deep Purple III on perfilaven poc a poc el seu estil abans d' abordar la nova dècada on acabarien esdevenint autèntiques llegendes. Com llegenda pictòrica és l' autor de la portada que van escollir com és el pintor flament El Bosco i el tríptic pintat sobre la dècada  de 1480 "El Jardí de les delicies" i que el podem trobar al Museo del Prado.

THE JEFF BECK GROUP- Beck-Ola (1969):

El mateix any Jeff Beck debutava amb el seu grup amb aquest discarro de rock frenètic on els guitarrassos de l' ex Yardbirds s' acompanyaven dels d' un altre monstre de les sis cordes com el Ronnie Wood y de la veu fragmentada del Rod Stewart. Per a la portada una altre monstruositat (en el bon sentit) com és un plagi molt aconseguit de "L' habitació per escoltar" que el pintor surrealista belga René Magritte va pintar el 1952 i que s' exhibeix al MoMa de Nova York.

THE BLACKBYRDS - The Blackbyrds (1974):

Amb un nom tan curiós com Blackbyrds (homenatge a la cançó dels Beatles i als Byrds) debutaven una interessant formació de funk de Washington que va escollir per a portada la pintura de Van Gogh "Camp de Blat amb Corbs" de 1890  que podem trobar al museu del seu autor a Àmsterdam. Saxos, ritmes i desenfrè negre darrere de l' angoixa colorida del geni pelroig.

ROD STEWART- A Night On The Town (1976):

El setè disc en solitari de l' escocès és potser el seu darrer gran treball clàssic amb una enorme versió de "The First Cut Is The Deepest" del Cat Stevens i una portada inspirada en el quadre del pintor francès
Pierre-Auguste Renoir "Ball al Molí de la Gallete" pintat cent anys abans (1876) i que s' exposa a Orsay (París). En la protada apareix en Rod enmig dels artistes, prostitutes i treballadors de la festa del molí.

THE POGUES- Rum Sodomy And The Lash (1985):

Els pares del punk celta publicaven el seu segon disc amb temes èpics com "Dirty Old Town" i una portada que copiava el llenç que el francès Theodore Gericault va pintar el 1819 "El rai de la medusa" (en castellà "La Balsa de la medusa") i que s' exhibeix al Louvre. Per a l' ocasió els membres de la banda anglo-irlandesa n' eren els protagonistes.

THE STONE ROSES- The Stone Roses (1989):

A finals dels 80 a l' efervescent Manchester sorgien els Stone Roses que barrejaven el pop amb la psicodèlia i ho feien amb un debut pletòric la portada del qual era un collage inspirat en l' obra del pintor preferit del seu guitarrista John Squire, el nordamericà Jackson Pollock (1912-1956).

GUNS N ROSES- USE YOUR ILUSION I & II (1991):

Quan els Guns' n Roses van treure dos àlbums en un mateix any, van petar-ho omplint les radios d' arreu del món, protagonitzant portades de tota la premsa especialitzada i liderant les llistes de vendes. El que pocs van prestar atenció és que les dues portades (una groga i l' altre blava respectivament) reproduien una escena del quadre més reconegut de Raffaello Sanzio (Rafael) "L' Escola d' Atenes" pintat entre 1509 i 1511 i que actualment es troba al Museu del Vaticà.  

COLDPLAY-Viva la Vida or Death and All His Friends(2008):

El que és probablement el darrer bon disc (o digne) de la formació de Chris Martin s' amaga darrere d' una llegendaria obra pictòrica com és "La llibertat guiant al Poble " que Eugene Delacroix va pintar l' any 1830 i que es conserva al Museu del Louvre de París. En ell es representen els valors i l' esperit del poble francès revelant-se contra el Rei Carles X de França. Un quadre amb una força i una profunditat que no va passar per alt als anglesos a l' hora d' escollir-lo per protagonitzar la portada que els va capaultar definitivament cap l' èxit massiu.

FLEET FOXES- Fleet Foxes (2008):

En 1959 el pintor Pieter Bruegel "El Vell" va pintar una de les obres més fonamentals de la pintura flamenca, "Proverbis Flamencs". Una obra carregada de matissos i històries - es diu que conté fins a 100 proverbis - que no va passar desapareguda i va ser escollida com a imatge del debut dels nordamericans Fleet Foxes i del seu folk-rock pastoral que amb peces com "White Winter Hymnal" dignifiquen tal obra magna que per veure-la en viu haurem de viatjar cap a Berlin.

Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert:

Publicado como Bootleg número cuatro, es decir, el primero tras el paquete con los pertenecientes del uno al tres, el concierto de Bob Dylan conocido como "The 1966 Royal Albert Hall Concert" es uno de los grandes hitos de la historia de la música, pues es fiel testigo de la transición del joven cantautor folk al rockero ingenioso y transgresor. Grabado justo el siguiente día de la publicación del "Blonde On Blonde", el 17 de mayo de 1966, en plena gira mundial, en realidad el lugar del concierto fue el "Free Trade Hall" de Manchester, aunque durante años en las ediciones pirata que fueron corriendo entre los fans se conocía como el "Concierto del Royal Albert Hall", debido a la falsa creencia de que las interpretaciones correspondían a los conciertos que en la misma gira pasaron por la prestigiosa sala londinense.

Compuesto de un primer set acústico y un segundo electrificado, de allí proceden los gritos de "Judas" cuando un fan increpó al bardo por haberse pasado al rock, a lo que este le contestó: "No te creo, eres un mentiroso". Tiempo después, Dylan desparecería de la vida pública tras sufrir un accidente de moto refugiándose en la vida hogareña en Woodstock, lugar en donde grabaría los legendarios "The Basement Tapes", junto a The Band. Atrás quedaba la época dorada de los sesenta del músico con una trilogía imbatible para la posteridad, y de la que había sido clímax ese tour de conciertos que gracias a Dios podemos recuperar.

Han pasado casi sesenta años y Robert Zimmerman tiene todo un reconocimiento unánime del panorama musical y cultural, ahora incluso es Premio Nobel, sigue regalándonos conciertos magníficos y enormes destellos de genialidad como es su último trabajo "Rough & Rowdy Ways" (2020). Varias generaciones de músicos han seguido sus enseñanzas y su legado es un manantial al que muchos solemos acudir con mucha frecuencia. Se ha escrito de todo alrededor de su obra, y sus canciones han sido versionadas como el que más.

Por ello parece que un disco de versiones de un directo suyo poco nos pueda aportar, si bien la encargada de hacerlo en esta ocasión es una habitual de los "covers", como es Cat Power, o Charlyn Marie. La cantautora de "The Greatest" lleva desde 2018, fecha de la que data su último trabajo de estudio con canciones propias ("Wanderers"), sin publicar material nuevo, habiendo grabado entre medio una banda sonora junto a Eddie Vedder y a Glenn Hansard ("Flag Day" de 2021) y un disco de versiones de temas de Iggy Pop, Lana Del Rey o Nick Cave ( "Covers" de 2022). Por este motivo lo lógico era esperar una vuelta con temas propios, pero la de Atlanta nos dio la sorpresa con este trabajo clon del legendario concierto que viene acompañado por una gira en la que lo interpretará íntegramente.

                                            

No podemos dejar de planteamos si era necesario tal artilugio a estas alturas de la carrera de Chan Marshall, y si el disco va aportar algo nuevo a sus fans y a los del propio Dylan, o si estamos hablando de una estrategia comercial para ganar tiempo y poder componer un nuevo trabajo a la altura. Además recientemente habíamos tenido discos "dylanianos" a cargo de nombres consagrados como Ryan Adams o Lucinda Williams, lo que nos daba pistas de la poca originalidad del proyecto.

Pues tras una minuciosa escucha del álbum podemos afirmar que no tenemos respuesta a todas nuestras dudas, pero si que podemos decir sin lugar a dudas que este nuevo paquete de casi hora y media de duración es muy disfrutable y contiene un aura que le da su toque especial. Grabado en directo el 5 de noviembre de 2022, esta vez sí, en el Royal Albert Hall, dicha fecha había sido reservada a la cantante para interpretar el mítico concierto con los dos sets y emulando fielmente al original, con las mismas canciones, el mismo orden e incluso idéntico comentario del espectador "purista del folk" en la segunda parte.

La escucha arranca con la cantante atacando "She Belongs To Me", con mucho intimismo y una harmónica que suena a las mil maravillas. Es la tónica del primero de los dos discos de este esforzado trabajo: solemnidad, romanticismo y cercanía. La guitarra acústica, eje del folk, queda eclipsada por la cálida voz de Marshall, quien logra transmitir su sentimiento por lo que canta a la vez que una harmónica es soplada de forma preciosa, adornando los compases de esas gemas que son "Visions Of Johana", "It'ss All Over Now" o "Desolation Row", que por mucho que dure siempre se nos hace corta. La cima de esta parte del show lo ponen dos de las canciones más bellas jamás escritas, "Just Like A Woman" y "Mr. Tambourine Man". Si bien en el concierto original escuchamos a un poderoso y dramatizado Dylan defendiendo sus poesías con una fuerza natural descontrolada, aquí su discípula se muestra mucho más calmada, comedida, reflexiva e incluso etérea.

Para la parte eléctrica, la solista se apoya en sus Hawks-Band particulares, que son el guitarrista Arsun Sorrenti, el bajista Erik Paparozzi, Aaron Embry (armónica y piano) , Jordan Summers (órgano), y el baterista Josh Adams. Seguramente la dulzura de la cantante no puede emular el descaro y la arrogancia que Zimmerman desplegó hace más de cincuenta años, ni los instrumentos se escuchan tan titánicos como en la versión original, pero hay que decir que tampoco es la pretensión de unos nuevos intérpretes que defienden el reto muy dignamente.

De este modo fluyen monumentos del rock como "Just Like Tom Thum's Blues", "Leopard-Skin Pill-Box Hat" o una "One On Two Many Mornings" que se endulza como nunca. La parte final es rompedora a cargo del blues "Ballad Of A Thin Man", que carece de esa mala leche que sólo Dylan sabe darle, y sobre todo con la eterna "Like A Rolling Stone", que a manos de otros siempre va a desmerecer pero que Marshall sabe llevarse a su terreno y nos logra convencer.

Es un fiel homenaje a Bob Dylan por parte de una de las grandes músicos folk-pop de nuestros tiempos, que de nuevo nos demuestra sensibilidad musical y capacidad de adaptación en pieles ajenas, para regalarnos este capricho personal que le agradecemos por el modo cómo lo ha ejecutado con una gran sensibilidad y respeto a tal hito en la historia del rock. La duda que todavía se nos plantea es con el título del disco, "Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert", pues, ¿habrá más ediciones dedicadas al de Duluth? De momento sabemos que el extenso Tour de promoción pasará por Barcelona el próximo verano (Festival Alma 9 de Julio). A apuntar la fecha pues.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/cat-power-sings-dylan-1966-royal-albert.html

PAU VALLVÉ (Cruïlla Hivern): Sala Razzmatazz, Barcelona. Divendres 2 de febrer de 2024:

Sempre és un privilegi gaudir dels directes de Pau Vallvé. Sobre tot si no l' has pogut veure en aquesta gira, i si la data escollida -el passat dia 2 de febrer de 2024- es tractava del seu darrer concert d'un tour que ja havia trepitjat Barcelona l'any passat (a l'abril a la Sala Apolo i al juliol al Festival Cruïlla) amb un “Sold Out” anunciat feia setmanes. Un final de gira que suposava la presentació del seu darrer treball del 2022 titulat " : )" i l'última oportunitat de veure'l amb la seva actual banda. Doncs és conegut que el cantautor català no deixa de reinventar-se canviant de banda de suport per a cada projecte que fa, cosa que ja havia anticipat a xarxes que farà després d'aquest concert de la Sala Razz, amb preparació de nou àlbum i nova formació.

Per a qui no el conegui, Pau Vallvé és un veterà pencaire de l'indie pop-rock que va per lliure ja que ha sabut desmarcar-se de la resta i sobre tot de les imposicions del mercat discogràfic gràcies al fet que s'autoprodueix, s'autoedita i autodistribueix els seus discos, uns treballs que sempre arriben carregats de formidables arranjaments, millors melodies i unes lletres on la poesia es barreja amb l'emoció.

Candidat als premis Gaudí i Goya de cinema 2024 per la seva banda sonora de la pel·lícula 'Hermano Caballo'", el seu darrer elepé d'estudi confirmava l'estat de gràcia assumit a la "Vida és Ara" (2020) i la maduresa compositiva dels seus cançons en un treball en què la malencolia "marca de la casa" queda una mica relegada en pro de l'optimisme, el "bonrotllisme" i aquest sentiment d'haver deixat enrere la pandèmia.

SI bé un té especial predilecció pel seu desgarrador doble LP "Cavall hivern primavera i tornar" (2017) on la visceralitat i el drama tibaven el carro.

Amb tot, divendres passat ens vam plantar en una Sala Razz que un mai no l'havia vist tan plena, ni quan vaig veure a gent com en Morrissey, en Paul Weller o Suede. Composta per una audiència molt rejovenida, cosa que cada cop és més habitual en els directes del músic , i que es trobava expectant per comprovar com sonarien aquestes dues bateries situades damunt l'escenari. Cosa que no vam trigar gaire estona a descobrir quan els cinc músics amb el protagonista de la vetllada van abordar la inicial “Buguenvil·lies”. Recolzat per aquestes dues bateries, una percussionista i en Jordi Casadesús al baix i als teclats, el so potent on els ritmes en són protagonistes es completava amb una posada en escena envolcallant on els llums es projectaven damunt el teló de fons.

Mostra d'aquesta pujada de nivell assolida per a en Pau, qui sembla ampliar adeptes en cada pas que fa, creixent en aforaments, repercussió i fama. Encara que mai no ho ha tingut fàcil, aliè a les discogràfiques, promocions i a les imposicions del "bussiness", ell ha estat un artesà de l'indie rock pop, prenent per a si mateix cadascuna de les decisions de la seva carrera. Una carrera que l'ha dut a la Sala Razz, lloc com ell ens va recordar, havien tocat els seus idolatrats Radiohead i on ell havia somiat actuar algún dia quan era un jove més entre el públic.

Motius per a aquest èxit en són els temes com les noves cançons que presentava, encarnades amb “Aquest cop si”, que parla de com apostar per una parella, “Això ja està”, d'aires de la música brasilera, o “Bernar sopar” amb aquell piano tan delicat. Però el directe no només va transitar per “:)”, sinó que va repassar la seva nodrida discografia. A destacar la ballable “Què va, què va”, una “Diuen, diuen, diuen” que convida a passar de les opinions alienes i a seguir el propi camí i “Un sol radiant” que va dedicar a aquells que se la demanen intensament i que tracta de superar els problemes de salut mental. Altres que vam poder escoltar van ser la emocional “Que vingui l’hivern”, la “radioheadera” “Benvingut als Pirineus” i la preciosa cançó de desamor “Els amics dels cirerers”.

Amb els seus habituals parlaments, i el seu particular sentit de l'humor, el directe va fluir cap a una recta final que va derivar als preceptius bisos contra els quals va fer un graciós al·legat, i en què vam poder gaudir de la divertida “Avui l'únic que vull” , amb la seva habitual trompeta vocal, la llunyana “Protagonistes” amb els seus cors i la naïf i optimista “Tots som molt millors”, corejada a l'uníson pel respectable com moltes d' altres.

                                

Per a qui mai no hagi escoltat els seus discos, que busqui i gaudeixi de les seves cançons, per a qui no l'hagi vist mai en directe, que no dubti a acostar-se a qualsevol dels concerts que esperem ens ofereixi en la seva futura etapa, sigui en el format que sigui . Pau mai decep, per això som molts els que repetim, i per això els seus seguidors van pujant a cada nou disc que treu.

Per Àlex Guimerà

Publicada en castellà a https://www.elgiradiscos.com/2024/02/pau-vallve-cuestion-de-personalidad.html 

DISCOS DE 2024: RYAN ADAMS (v)- Prisioners:

 

De las cinco entregas nuevas, éste es el único disco que no es de estudio propiamente. Nos explicamos, de hecho se trata de un compilado en directo de las doce canciones y en el orden del álbum de "Prisioner" de 2017, un elepé que dio lugar ese mismo año a la gira "Prisioner Tour" que venía acompañado con banda. Aunque para la ocasión este directo recoge los temas de aquel álbum de inflexión pero en formato acústico con Ryan Adams solo con la guitarra. Sobre ello,  su teclista el Cardigan Daniel Clarke ha ido añadiendo en estudio teclados y efectos sonoros (solos de saxofón incluidos) para completar el álbum.

Con los  temas ya conocidos sonando el disco bajo los aplausos del público, a pesar de ser algo "artificial", se deja escuchar la mar de bien, pues el giro que le da en directo y las intensas interpretaciones vocales dan sentido a unas canciones del "Prisioner" que ya eran buenas de por sí.

 

No vamos a hacer ningún ranking de los cinco discos, del mejor al peor o viceversa, simplemente nos limitaremos a afirmar que nos han gustado todos sin excepción, que como buena comida de navidad abundante nos puede empachar, lo no significa para nada que la comida sea mala. Aquí, en este banquete de música con el que Ryan nos ha abierto el curso discográfico, nos sirve buena música en abundancia, que de golpe puede resultar difícil de digerir. Meses tendremos para ello en este recién estrenado 2024.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/ryan-adams-inicio-de-ano-pentagonal.html

DISCOS DE 2024: RYAN ADAMS (iv) - Sword & Stone:

 

¿Es "Sword & Stone" el disco más Ryan Adams de la extensa entrega discográfica de este 2024? Quizás sí, o al menos resulta muy inCardinable (valga el juego de palabras)  con lo que nos tenía habituados a lo largo de la última década. Un disco de pop-rock muy a la onda de "Ryan Adams" (2014), "Prisioners" (2017) y de algunos de los múltiples discos que les siguieron. AOR y rock americano de los ochenta de radiofórmula. Buen trabajo en estudio, sonido compacto, luminosidad y energía pop junto con contundentes y bailables ritmos.  Ejemplos de lo anterior tenemos muchos:  la que titula el disco que podría haber sido perfectamente un hit hace cuarenta años, o la guitarra rítmica de "I Was Here" digna del Tom Petty ochentero, la calmada "Never Run" y el fantasma del Boss flotando por allí, los arpegios de "Nuclear War" y "I' ll Wait",  el romanticismo de "Friday Night NYC" o  el tremendismo de "I Can See The Light". Mención especial a la formidable "Manhatan In The Rain",  templada y melancólica, nos recuerda porqué nos enamoramos de la música de este controvertido rockero allá por el año 2000.

Seguramente "Sword & Stone" es lo que habríamos esperado de Ryan para este año, como única entrega, siguiendo cierta estela artística y profundizando por esos senderos del rock americano  que tan bien le vienen sentando desde que abrió la veda con su homónimo álbum de justo hace una década.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/ryan-adams-inicio-de-ano-pentagonal.html

DISCOS DE 2024: RYAN ADAMS (iii) - Star Sign:

Cambio de tercio en este álbum, para el que Ryan Adams se relaja y nos ofrece su cara más sosegada a base de baladas con predominio de las guitarras acústicas y los slides, arreglos de piano y cuerdas e incluso harmónicas.  Esa cara del rockero que tan bien conocemos y que tanto hemos podido gozar en el pasado en discos como "Ashes & Fire" (2011) o "Love Is Hell" (2004). Un trabajo que además llega muy bien producido, con una voz que suena nítida y cercana, y unos instrumentos trabajados. Con un sentimiento que se desprende en cada uno de los diez cortes que lo componen.

Para empezar tenemos la soul "Self Defense" en dónde Ryan se muestra esplendoroso vocalmente, pero también en "Star Sign" cuando  tira de falsetes. En "So Lost" se desnuda instrumentalmente para acompañar sus lamentos con una acústica y unos latidos de tambor,  y en "Be Wrong" hace de la simpleza belleza.

La frágil "Darkness" es  muy Springstiniana, con su final lacrimoso a base de violines y falsete,  mientras que el country-rock aparece de la mano de "Shinin' Trough The Dark" y "Tomorrow Never Comes".  El disco queda bien cerrado con la balada al piano "I Lost My Place" y la creciente y épica "Stay Alive". Aunque de todas escojo la bucólica "Speeding Car" pues  tiene todo lo que me gusta: estribillo bonito, ritmos pegadizos, pianos preciosos y violines de fondo.

De nuevo la maestría del bardo en musicalizar las pasiones personales queda patente en este "Star Sign" que si bien no es un trabajo novedoso, trae buenas canciones y consigue atraparnos.  

Por Àlex Guimerà

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DISCOS DE 2024 : RYAN ADAMS (ii) - Heatwave:

 

Menos salvaje que " 1985" pero bastante cañero llega "Heatwave", con esa portada en la que se ve al propio rockero dentro de una cabina telefónica, el disco lo podríamos llegar a catalogar como indie rock de los noventa si es que merece la pena poner etiquetas a las expresiones artísticas. Con riffs embrutecidos, producción lo-fi, sonidos distorsionados y mucha libertad creativa, "Heatwave" nos remite hacia el rock de esa época irrepetible.  Si bien la inicial "Lies" hubiera encajado perfectamente en "1985",  con "Blue Canoe" nos ofrece Garage Rock de los sesenta, en "Mercy" nos recuerda a los primeros y menos artificiales U2, y en  "Why" nos regala una guitarra realmente muy pegadiza. Hay mucho más para escoger en el elepé: la voz lejana de "Supernatural" ,  el rock sureño, algo aletargado eso sí, de "Angel" (¿Black Crowes?), rock industrial en "Walls", los ritmos psicodélicos y el teclado retro de "I' m Insane (Again)".

Si bien, podríamos afirmar que el nexo de unión del disco puede ser su aurea algo deprimente e incluso angustiosa, muestra de ello la tenemos en su parte final con el logrado medio-tiempo "Already Gone" y con la claustrofóbica "5th Avenue". Otro disco coherente y efectivo.

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/ryan-adams-inicio-de-ano-pentagonal.html

DISCOS DE 2024 : RYAN ADAMS (i) - 1985:

 Si no voy errado, desde el año 2020 tengo contados hasta nueve discos de estudio  publicados por el de Carolina del Norte. Si bien tres de los nuevos elepés fueron discos de versiones íntegras de otros discos: “Nebraska” de Bruce Springsteen , “Blood On The Tracks” de Bob Dylan y "Morning Glory" de los Oasis. El resto de los trabajos (6) fueron colecciones de canciones propias, que atendiendo a la proliferación mantenían cierto tono y calidad.

Una auténtica barbaridad teniendo en cuenta que el tipo en cuestión no ha dejado de dar conciertos a lo largo de este tiempo, aunque  desde abril de 2023 no ha vuelto de gira ya que, según comunicó, padece la enfermedad de meniere que afecta a sus oídos.

La locura, pero, ha llegado hasta límites inéditos hasta la fecha ya que coincidiendo con la entrada del año nuevo puso en plataformas y al mercado físico - bajo su sello PAXAM - la friolera de hasta cinco discos nuevos, cuatro de estudio y un directo, algo que a los seguidores del músico se nos antoja de compleja digestión pues hablamos de 77 canciones nuevas.

Por ello, merece que vayamos por partes y nos pongamos a analizar uno por uno cada uno de los flamantes álbumes que hemos tenido que degustar con poco tiempo.

 

Justo hace 10 años Ryan Adams publicó un sorprendente EP o LP de 11 temas de poco menos de quince minutos de duración. Un álbum cargado de energía guitarrera, mala leche y que mostraba una nueva faceta del músico que, francamente, se le daba bien.

El disco lo llamó "1984" en honor a la época del rock independiente americano de los Replacemen y de los Hüsker Dü, a los que hacía justicia con su tono punk y hardorde omnipresente en los pastillazos de menos de dos minutos que lo componían. Siguiendo la estela de aquel, nos llega éste "1985" en el que los fogonazos rock llegan hasta los 29 - otro de los excesos del de Jacksonville - .

El disco muestra esa otra faceta que también se le da de fábula al rockero y es la de punkarra- hardcoriano, unos territorios de rock duro que comenzó con el lejano "Rock' n Roll" (2003) con el que se alejaba de la Americana. Con su voz desgarrada y la guitarra sucia e impulsiva, la catarsis es patente en este vendaval de rabia, conformado por títulos como "Lose Control",  "You Are My Enemy", "Rat Face", "Mid-Life Crisis" o "What The Fuck". Unas canciones que van enlazadas una tras otra en los escasos 35 minutos que dura el disco y que, si bien las referencias son los grupos antes mencionados, los temas resultan menos melódicos que los de aquellos, más viscerales, inmediatos y menos trabajados.  Con la breve  "Down The Drain" la mala leche da tregua en una fugaz e íntima balada, antesala de uno de los mejores temas del álbum "Bag Of Trash" de gran riff y órgano de apoyo. Contraste con ejercicios irreverentes de salvajismo  ("Strait Edge Book Store" y "Punch em In The Nuts"), descargas eléctricas de virilidad ("Lucy"), Indie Punk ("Panic In The Night"), homenajes velados a Dinosaur Jr ("How To Belong") y un largo etcétera de pura mugredumbre.

"1985" es seguramente la gran sorpresa del paquete y la enésima muestra del talento que atesora Ryan con su capacidad de mutar hacia terrenos sonoros ajenos, que como es el caso, no le sientan nada mal.

 

Por Àlex Guimerà

Publicado en https://www.elgiradiscos.com/2024/01/ryan-adams-inicio-de-ano-pentagonal.html