The Beach Boys' Christmas Album (1964):

                      

A principios de los 60 los Beach Boys representaban el "American Way Of Life" y hacían que se identificaran con ellos una juventud hedonista y poco rebelde que sólo tenía interés en pasarlo bien, chicos con las chicas, rock' n roll, coches y en la costa Oeste el Surf. Así publicaron álbumes como "Surfin' Safari", "Surfin USA" o "Little Deuce Coupé", discos de melodías suaves, voces harmonizadas y guitarrazos inspirados en Chuck Berry.  Encarnaban el éxito americano del rock' n roll.

En 1964 y siguiendo la estela de Phil Spector quien el año anterior había publicado el seminal "Christmas Gift For You" los chicos de la playa decidieron tener su propio álbum de Navidad. La idea nació cuando Brian Wilson, fan declarado de Spector y de su "Muro de Sonido" fue a los estudios Gold Star a presenciar las sesiones de grabación, quedando impresionado de los métodos del alquimista del pop.

                           

Para ello, se reunió con su banda en junio de 1964 para registrar cuatro nuevos temas más ocho versiones de clásicos navideños que debían de completar un álbum que acabaría dando luz el 9 de noviembre del mismo año vendiendo 3 millones de copias esa temporada, lo cual no deja de ser una locura . La producción estuvo a su cargo y a la de Dick Reynolds quien fue mezclando las pistas orquestrales de un álbum muy complejo en cuanto a instrumentación. Precisamente el arreglista fue quien aportó The Four Freshmen para algunos coros, una banda californiana que adoraba el propio Brian.

Si bien hay que señalar que "Little Saint Nick" no surgió de esas sesiones ya que había sido publicado como single las navidades anteriores con "The Lord's Prayer" como cara B. Para el nuevo disco se remozó quitando las percusiones y el sonido de trineo para potenciar las voces.

Además, el disco era fiel muestra de la voluntad de Brian quien canta en ocho de los doce cortes, en cuatro de ellos en solitario, lo que sorprendía respecto a la producción anterior de la banda en dónde el protagonismo como vocalista principal de Mike Love y las voces aunadas de los cinco componentes había sido la tónica general.

A destacar también la pieza original de Brian Wilson "Christmas Day" en la que Al Jardine cantaba en solitario por primera vez. 

También el tono standard de las composiciones, la reducción de los guitarrazos eléctricos, la dulcificación de los coros, la introducción de otros elementos sonoros como campanas, violines y suaves vientos e instrumentos de orquestra clásica que auguraban la senda artística futura de la banda y en especial del genio del mayor de los hermanos Wilson.

Un disco que a pesar del transcurso de los años sigue sonando fresco y alegre, inocente y dulce como la navidad, no en vano a sido calificado como uno de los mejores álbumes navideños de todos los tiempos.

Porqué en California de principios de los sesenta no siempre fue verano...

DISCOS DE 2021: PARQUET COURTS- Sympathy For Life:

 

Vaya por delante que el que suscribe considera “Wide Awake” uno de los mejores discos de la década anterior. Con tal premisa abordar su continuación se antojaba harto complicado, pues resultaba un ejercicio titánico alcanzar las cotas de aquel. Seguramente por ello, y más viendo que los Neoyorquinos estaban acostumbrados a sacar álbum por año, podría parecer que se hubiera demorado la salida del nuevo por tres años para poder madurar su resultado. Pero en realidad, ha sido el covid quién ha frenado su salida ya que precisamente las nuevas canciones de este “Sympathy for Life” surgieron a partir de largas sesiones de improvisación (jam sessions) de finales de 2019-principios de 2020 a las que el parón impuesto por la pandemia ha permitido dar la forma definitiva.

Para ello los Parquet se ayudaron del productor escocés Rodaidh Mc Donald (Vampire Weekend, The XX o Adele), quien grabó las improvisaciones, y también del gran John Parish (P.J. Harvey) quien se encargó de acabar de dar forma al paquete. Unos flamantes temas que surgieron a raíz del interés y acercamiento de Andrew Savage y Austin Brown hacia los sonidos y la movida de baile de la Gran Manzana, lo cual les impulsó a ponerse a tocar sin guion e ir probando ritmos y formas melódicas.

Y ello, junto con la amalgama de influencias y bagaje del combo resulta de nuevo infalible, ya que los matices, detalles e inspiraciones de cada pieza resultan inalcanzables para el oyente, aunque en todas las reseñas veremos cómo se señala al legendario álbum “Screamdelica” de Primal Scream como punto de partida.

                              

Pero realmente hay mucho más dentro del álbum que el influjo de los mancunianos, aunque no es el caso de "Walking At A Down Pace", con sus ritmos frenéticos combinados con las mejores guitarras eléctricas. Unas seis cuerdas que suenan aguerridas como nunca en "Black Widow Spider" .

Hay cambio de tercio en "Marathon Of Anger" - pieza inspirada en el movimiento “Black Lifes Matter” -  en la que reinan los sintes atmosféricos (Brian Eno) y unos coros puro Talking Heads. La banda de David Byrne también nos viene en mente en "Zoom Out" con su toque Primal.

                             

En "Just Shadows" los de Brooklyn  tiran de las guitarras de Television mientras que "Plan Life" y "Trullo"  encajarían en la movida de "Madchester"  de finales de los 80 principios de los 90 aunque para la ocasión el ácido aparece algo más relajado. Un relax que se interrumpe con el punk de "Homo Sapien",  que perfectamente hubiera arrasado las listas indie de principios de milenio.

Para "Aplication/Aparatus" meten el sello de Kraftwerk y del rock industrial de gente como Bauhaus y la que da título al paquete nos deleita con un cargamento funky  de percusión imposible, ecos deliciosos y bajo memorable.

                                

Para mí este “Simpatía por la vida” ya va directo hacia la lista de lo mejor del ejercicio, de nuevo me atrapan y me recuerdan que el rock puede ser sorpresa y creatividad, que no todo está inventado, en una banda que va engordando su legado en estos tiempos en los que nuestro género musical favorito debe reivindicarse.

Por Àlex Guimerà

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Mor Michael Nesmith, la veu Country dels Monkees:

Michael Nesmith 

Houston (Texas), 30 de desembre de 1942, Carmel Valley Village (California) 10 de desembre de 2021.

Una de les pèrdues musicals d' aquest any ha estat la del bo del Michael Nesmith conegut com a membre dels formidables (i controvertits) The Monkees, que tant èxit van tindre a meitats dels anys 60, en especial als EEUU. Nascut dins d' una familia texana acomodada, a principis dels anys seixanta es va mudar a California per emprendre una carrera musical dins del Country que va iniciar-se amb col·laboracions amb Linda Ronstadt. 

Seleccionat entre un càsting de més de 500 músics candidats, l' any  1966 va debutar amb The Monkees a qui els tenien com un producte prefabricat per a contrarrestar l' efecte "Beatle" i crear una banda americana que copsés les llistes d' èxits. Dels quatre companys de formació només ell i Peter Tork tenien formació musical, mentre que una factoria de compositors i músics els feia la feina. En constant lluita amb els productors per col·lar les seves composicions, malgrat l' enorme èxit va abandonar el grup l' any 1969 per emprendre una interessant carrera en solitari de la que se' l considera un dels impulsors del country rock que va emergir al llarg de la dècada dels 70 amb noms com els Eagles. AMb discos com "Magnetic South" (1970) o "And The Hits Just Keep On Comin' " (1972) l' any 1982 va guanyar un Grammy per "Elephant Parts".

"L'home dibuixat. Una conversa amb Jaume Sisa", de Joan Celdran y Àngel Leiro :

Para los amantes del buen cine documental y de la música pop se presenta obligatoria la cita anual que desde hace 18 otoños se celebra en los cines de Barcelona, el In-Edit Festival. Para esta edición post-covid y ya plenamente presencial, una de las paradas interesantes ha sido este documental titulado “L’ home dibuixat”, en referencia a la canción que cubre la cara A del primer single de debut en solitario de Jaume Sisa de 1968. Largos años han pasado desde entonces y una singular carrera artística de este genio y personaje atípico en el panorama musical capaz de crear un lenguaje, una estética y un sonido propio que lo encumbran como uno de los músicos pop de culto de nuestro país. Por ello, el periodista y amigo personal de Sisa, Joan Celdran, junto con el realizador Ángel Leiro, han grabado este documental con el que hacen un breve repaso a la trayectoria personal y artística del músico catalán, partiendo de una entrevista con él mismo a la que han añadido imágenes de archivo de sus actuaciones y entrevistas históricas.

                                

Ya de buen inicio el bardo deja claro que “yo siempre he estado escondido”, para que no haya dudas que con la conversación que verá el espectador no se resolverán los enigmas y las verdades del protagonista. Y es precisamente con esta idea con la que fluye el metraje, pues a lo largo de los escasos 58 minutos que dura el mismo no logramos entrar en la intimidad ni en la más profunda esencia de su persona. Por el contrario nos vemos resignados (lo que no es poco) con sus reflexiones etéreas, anécdotas puntuales e imaginario personal.

                           
Se trata de un repaso personal (desde la melancolía) por su infancia en el Poble Sec, por su juventud en la agitada Barcelona de los años 60 y 70, con la explosión artística del post-franquismo y sus primeros pasos con Grup de Folk y Música Dispersa (1970) – que nadie se pierda este disco de vanguardia pop – . o su intento fallido junto a otro inconformista del arte como Pau Riba por tocar en el Palau de la Música. Vemos pinceladas de la escena independiente de la sala Zeleste y de la publicación de discos (y la canción) icónicos como “Qualsevol nit pot sortir el sol” (1975), de la mano de aquel greñudo miope que cantaba diferente y hablaba de galaxias y personajes de dibujos animados. También su paso por el Festival Canet Rock en el que fue vetado por las autoridades del régimen, sus entrevistas y actuaciones televisivas y su retirada como Jaume Sisa para su reinvención poco exitosa como cantautor melódico en castellano bajo la identidad Ricardo Solfa.

                                      

Una interesante combinación de imágenes de antaño junto con reflexiones de madurez septuagenaria desde nuestros días, a la que se echa de menos la presencia de voces de terceros que nos presenten otros puntos de mira. Ello deriva en un film que aunque no logra alcanzar al cantautor galáctico, quien reconoce sus trabas para salir de su “escondite”, termina siendo un bonito esbozo de su personaje.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/11/lhome-dibuixat-una-conversa-amb-jaume.html

CECILIA, la cantautora olvidada:

Nacida como Evangelina Sobredo, Cecilia es uno de aquellos artistas maravillosos a reivindicar, pues rompió moldes de lo que se estilaba la época. La CBS la quiso encumbrar como cantautora dócil y sin embargo delante tenían una personalidad arrolladora combativa y disconforme con la arcaica sociedad burguesa franquista a la que quiso enfrentarse con su poesía. Crítica con los valores tradicionales, con la estricta educación religiosa, pionera en el feminismo, defensora de la soltería femenina y enemiga de las guerras. Pero también supo escribir sobre otros temas como las complejidades del amor o la existencia humana.

                                     

Hija de diplomáticos su infancia la hizo vivir en distintos países (Reino Unido, EEUU, Portugal, Jordania y Alger) por lo que hablaba el inglés como si fuera nativa y por lo que adquirió una visión universalista de la vida que chocaba con la España de la época. Al parecer una monja americana fue la que insistió en que subiera a un escenario a lucir su poderosa voz, lo que hizo muy temprano en festivales escolares y otros eventos antes de montar la banda Expresión que junto a Julio Seijas (con quien siguió colaborando en el futuro) cantaban temas folk en inglés. 

                       

Seguidora de Bob Dylan, Simon & Garfunkel y la música popular anglosajona en general, muy pronto comenzó a escribir sus propios temas demostrando un gran ingenio no solo para las metáforas y figuras literarias, sino para la crítica mordaz encubierta y sutil. Ello se unía a una facilidad para crear melodías que la llevaron a dejar un legado imponente y que en gran medida ha pasado bastante desapercibido.

De gran carisma, usaba ropas hippies y se negaba a que la vistieran, peinaran o maquillaran haciéndole perder su sencillez y su personalidad a pesar de que tenía complejos con su físico.

                                            

Cecilia apareció en una época en la que las multinacionales discográficas buscaban cantantes como Raphael, Julio Iglesias o Rocío Durcal pero en Evangelina encontraron una cantautora reivindicativa que ni venía de la clase obrera ni era un intelectual bohemio y además musicalmente no bebía de la canción francesa.

                                  

Por desgracia su corta carrera se vio truncada antes de que publicara su cuarto disco en el que iba a musicalizar letras de Valle-Inclán. Fue la fatídica noche del 2 de agosto de 1976 cuando tras un concierto en Vigo viajaba en coche hacia Madrid con sus músicos y el vehículo chocó con un carro de bueyes alcanzando la muerte a los 27 años dejando atónitos a todos sus fans y al mundo de la música.

                               

DISCOGRAFÍA ESENCIAL:

CECILIA (1972):

El debut de la cantautora es el más irregular de sus tres elepés de estudio. Pues a pesar de contar con grandes temas, la producción a menudo resulta fallida cuando no ampulosa, además de alternar temas en castellano e inglés.

Grabado durante el verano de 1973 en los Estudios Audiofilm de Madrid con la producción de José Luís de Carlos y del gran Juan Carlos Calderón (Nino Bravo, Serrat, Mocedades, Camilo Sexto,...). El álbum incluye su gran éxito "Dama,dama" con la que la autora criticaba la doble moral y vida burguesa, pero también incluye "Fui" con la controvertida frase "al caer la noche sé que me quisiste roja". "Mi gata Luna" evoca el sonido Canterbury que a finales de los sesenta encumbró a los universitarios ingleses rescatando el folk tradicional y juntándolo con ciertos tonos psicodélicos.

De los tres temas en inglés, sólo uno no es compuesto por ella, "Lost Little Thing", ya que se trata de una versión de "Dear Prudence" de sus queridos Beatles.

Canciones:
Fui
Dama, dama
Señor y dueño
Mi gata Luna
Llora
Portraits and pictures
Al son del clarín
Canción de desamor
Fauna
Mama don´t you cry 
Nada de nada
Lost little thing

CECILIA 2 (1973):

Un año después de su debut, salía este disco que se tituló "Cecilia 2" por culpa de la censura y la discográfica ya que inicialmente iba a llamarse "Me quedaré soltera" que junto con la portada en la que aparecía una foto suya realizada por el artista Paco Ontañón en la que se le veía embarazada habría supuesto un auténtico escándalo para la época.

Pero las dificultades no terminaron allí ya que el tema "Un millón de sueños" (originalmente "un millón de muertos") llevó a la cantautora a los tribunales del régimen a declarar, lo que salvó argumentando que el millón de muertos se refería a la guerra del Yom Kippur (Oriente Medio) que ella vivió en su adolescencia.

Grabado durante el verano de 1973 en los Estudios Kirios en Madrid bajo la producción de José Luís de Carlos y Pepe Nieto, el disco recoge 10 temas escritos por la propia Cecilia (firmaba las canciones con su verdadero nombre Evangelina Sobredo) y fue el menos exitoso de sus tres trabajos a pesar de la calidad de las composiciones y sus arreglos e interpretaciones. 

Canciones:

Andar 
Me Quedaré Soltera 
Si No Fuera Porque... 
Con Los Ojos En Paz 
Canción De Amor 
Un millón de sueños
Cuando Yo Era Pequeña
Mi Ciudad 
Me Iré De Aquí 
Equilibrista

UN RAMITO DE VIOLETAS (1975):

De portada Naif y costumbrista, el disco supuso la eclosión de Cecilia hacia el estrellato. Con "Un ramito de violetas" y "Mi querida España" como claros éxitos, el disco gozó de gran popularidad. De nuevo con Calderón a los mandos en el estudio, el álbum suena compacto, maduro y trabajado con una lírica profunda como nunca - esa crítica descriptiva de la sociedad y esas reflexiones existenciales tan maravillosas de la cantante - junto a una instrumentación acotada y coherente. Desde los vientos de "Mi querida España", a los violines de la que titula el trabajo o de "La primera comunión", a los efectos inquietantes de "Decir Adiós" al pasodoble de "Don Roque" o los desarrollos jazzys de "Esta Tierra". Nuevamente los problemas con la censura aparecieron cuando quiso plasmar a las dos Españas que dejó la Guerra Civil "esta España viva esta España muerta" que acabó siendo "esta España mía esta España nuestra",  en una canción que se valoró como patriótica cuando era crítica. 

Canciones:
Mi querida España
Decir adiós
Sevilla
La primera comunión
Nuestro cuarto (Evangelina Sobredo - Luis Alfonso Méndez de Vigo)
Esta tierra
Mi pobre piano
Un ramito de violetas
Don Roque
Tu retrato

AMOR DE MEDIANOCHE (1976):

Este recopilatorio se publicó poco tiempo antes de su muerte y recoge los mejores temas de sus discos más la canción que lo titula "Amor de medianoche", un tema compuesto y producido por Juan Carlos calderón  que se grabó para que Cecilia participara en el Festival de la OTI representando a RTVE y en el que quedó segunda del año 75 y del que se hizo un especial en televisión con sus mejores éxitos que le hicieron ganar popularidad y seguidores. Si bien, para ese tema, la cantautora cambió letra y título de la canción para hacérsela suya. El álbum lo completan sus piezas más famosas como "Dama Dama", "Andar" o "Mi querida España". 

Canciones:
Amor de medianoche
Andar
Un ramito de violetas
Nada de nada
Un millón de sueños
Mi querida España
Fui 
Señor y dueño 
Llora 

Dama, dama

CANCIONES INÉDITAS (1983):

Atrás la Dictadura y la Censura, la discográfica CBS editó este disco póstumo que lo formaban canciones que la cantante había grabado antes de su muerte sobre textos de Valle-Inclán para su siguiente álbum, junto con otras en inglés y descartes - algunos por la censura por sus textos- de sus primeros tres álbumes. Un disco ecléctico e interesante imprescindible para completar el legado de la artista. A destacar la crítica de "Doña Estefaldina", la antibélica "Soldadito de plomo" y la popy “Lady in The Limousine".

Canciones:
El juego de la vida
Doña Estafaldina
Lady in the limousine
Tocan a muerto
Nana del prisionero
Perdimos algo
El testamento
Como puede vivir
Sister of the sand
Quiero vivir palabras
Soldadito de plomo
Between the blinds

DISCOS DE 2021- THE FELICE BROTHERS- From Dreams To Dust:

 

Con más de quince años a sus espaldas y varios cambios de formación, los hermano Felice, Ian y James, han conseguido alcanzar la plenitud de su madurez con el que será a buen seguro uno de los álbumes a tener en cuenta en las listas de lo mejor del curso.  Con su personal Alt Country y Americana, los Neoyorkinos han manufacturado un trabajo lleno de matices sonoros y de unas letras profundas que nos traen paisajes cinematográficos, reflexiones existenciales o críticas medioambientales.

Pero lo que convierte en especial el álbum de los neoyorkinos es el alma y la autenticidad de estos doce nuevos cortes enfundados en una preciosa pintura naif en dónde aparece una iglesia nevada de un pueblo del siglo XIX. Probablemente represente la iglesia de Harlemville en la que el "From Dreams To Dust" ha sido  grabado por los hermanos Felice  Ian (guitarra y voz) y James (guitarra, acordeón,...) junto con la bajista Jesske Hume que está de vuelta tras su paso (entre otras) por la banda de Conor Oberst, al que se añade el batera Will Lawrence. Pero es que además, en las sesiones de grabación también participaron Nathaniel Walcott (trompeta) y Mike Mogis (steel guitar) de sus amigos Bright Eyes.

Para la apertura tiran de galones y se marcan "Jazz On The Autobahn" , con su estribillo pegajoso, la trompeta enmarañada, los "uh-hús" stonianos  y cierto triunfalismo que nos encarrila la escucha.

La sigue la desenfadada "To-Do List" en la que aparecen el low-fi noventero y la dicción lourediana para ofrecernos un mensaje cargado de positivismo. Más cuidada es la producción de la dramática "All The Way Down" que sin duda es una de las mejores baladas del álbum. La otra es la que fuera single de avance "Inferno" con su guitarra acústica punteada, misterio y ecos celestiales.  Aunque no despreciaría la inquietante "Silverfish" ni su piano y coros, ni tampoco el final glorioso de "Land Of Yesterdays". O "Blow Him Apart" que podría haber firmado el mismísimo Nick Cave.

"Money Talks" reflexiona sobre la tendencia al materialismo de la mano de una voz siniestra y un piano inquietante antes de dejarnos flipados con una melodía y una batería sensacionales.  Algo parecido sucede con  "Celebrity X" que con su estructura cambiante nos trae una carga pop insuperable. Como siempre en la obra de los Felices, se nos aparecen Dylan y The Band, muestra de ello "Valium"  y su deliciosa slide guitar o la reflexiva "We Shall Live Again" que corona el disco con todos los honores.

                             

Mucho se especuló tras la marcha en 2012 del tercer hermano en discordia Simone.  Se dijo que aquel era el verdadero talento de la familia y que había dejado desamparados a sus compañeros tras el maravilloso  "Yonder is the Clock" (2009). Lo cierto es que casi diez años después nos encontramos ante un disco que vuela alto y que eleva a esta banda capaz de codearse con lo mejor del género llámense Wilco, Jason Isbell o Jayhawks. No se lo pierdan.

Por Àlex Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/10/the-felice-brothers-from-dreams-to-dust.html

DISCOS EN DIRECTO DEL ROCK IMPRESCINDIBLES (X):

Bob Marley & The Wailers- Live! (1975):

En 1975 la leyenda Bob Marley ya despertaba pasiones en todo el mundo tras editar el que quizás es su mejor álbum de estudio "Natty Dread". Su reggae y sus proclamas rastafaris se extendieron desde Jamaica para convertirse en un movimiento global. Así fue como el 18 de julio de ese año el músico ofreció este pedazo de concierto en el Teatro Lyceum que pocos meses después (5 de diciembre) se editaría en este álbum. Acompañado de sus Wailers con la guitarra de Al Anderson y el bajo de Aston "family man" Barret a la cabeza y con un coro que contaba con su esposa la cubana Rita; Marley ataca himnos como "No Woman No Cry", "Get Up Stand Up" o "I Shot The Sheriff" en unas versiones que llegan a menudo a superar las versiones originales. 

WINGS- Wings Over America (1976):

Tras la disolución de los Fab Four, el beatle que mejor directos dio - y que más kilómetros hizo - fue Paul Mc Cartney, quien junto a Linda y Denny Laine lució esta bandaza que en 1976 se completaba con Jimmy Mc Culloch (guitarra y bajo) y Joe English (batería) a los que se añadieron una importante sección de viento y percusión para dar forma a este ¡Tríple! álbum en el que aparecen canciones de los Beatles ("Yesterday", "Lady Madonna", "I' ve Just Seen A Face"...) junto a exitazos propios como "Band On The Run", "Let ´ Em In" o el maravilloso combo que abre el directo "Venus and Mars/Rock Show". Un disco grabado en los conciertos de a gira americana en New York, L.A. y Seattle entre mayo y junio de aquel año. Y por si sabe a poco el disco, es necesario hacerse con una copia de "Rockshow" el dvd con las imágenes remasterizadas de los conciertos. Una maravilla de sonido, efectos e iluminación.

THE SMITHS- Rank (1988):

Disueltos ya los Smiths y con Morrissey gozando de sus primeros éxitos en solitario con "Viva Hate", el sello Rough Trade quiso aprovechar el tirón para editar el que es hasta la fecha su único álbum en directo oficial grabado en octubre de 1986 en Londres. Con dos caras de siete temas cada una, el disco repasa la trayectoria de una de las formaciones icónicas de los ochenta, mostrando joyas como "Ask", "The Boy With A Torn On His Side" o "Bigmouth Strikes Again" tocadas a pleno pulmón y con la voz y magia de un cantante que nunca llegaría a ser lo mismo sin sus compañeros.

WILCO- Kicking Television: Live in Chicago (2005):

Entre "A Gohst Is Born" (2004) y "Sky Blue Sky" (2007) la banda  alt-country Wilco editó este sensacional doble LP directo que fue registrado a lo largo de 4 conciertos que celebraron en su natal Chicago a principios de mayo de 2005. A lo largo de 23 temas el disco repasa los mejores éxitos de la trayectoria de la banda con especial focus en los discos "Yankee Hotel Foxtrot" (2002) y "A Ghost Is Born" (2004). Unos temas interpretados por una banda de hasta nueve músicos liderada por el genial y carismático Jeff Tweeddy y en dónde no faltan los efectos de guitarra y unos sensacionales vientos de acompañamiento. Sin duda, uno de los grandes directos del nuevo milenio. 

DISCOS DE 2021: YOLA- Stand For Yourself:

Yola nos encandiló con su debut en solitario, "Walk Throught Fire", hace un par de años, con su Country-Soul de nueva cuña, su vozarrón y su imponente presencia escénica. Aunque todo ello coincidió con la pandemia y con la anulación de sus giras promocionales, hecho que le ha permitido centrarse en un segundo álbum que la confirma como artista a tener en cuenta.

Para quien no conozca su historia, le contaremos que Yolanda Claire Quartey es una cantante de Bristol afincada en Nashville que se hizo nombre como corista de sus conciudadanos Massive Attack y de los mancunianos Chemical Brothers, fama que quiso aprovechar al mando de "Phantom Limb", con quien publicó tres discos de estudio. Luego cayeron las nominaciones a los premios Grammy, su debut como actriz en el biopic "Elvis" y las colaboraciones musicales con gente de alta talla como son Dan Penn, Ringo Starr o Sherryl Crow.

                                   

Y claro, con Dan Auerbach de los Black Keys, quien le produjo su primer larga duración y quien repite en este segundo, que se grabó en el estudio de aquel, Easy Eye Sound. Auerbach logra de nuevo aunar las estructuras sonoras clásicas con los aromas modernos, en un disco que viene cargado de buenos temas. Aunque debemos decir que "Stand For Myself" no mira tanto hacia el Country sino más bien hacia la música negra de los setenta, hacia Diana Ross, Gloria Gaynor o Donna Summer.

Para empezar se encuentran "Barely Live" y "Dancing Away In Tears" que recuperan la versión dulce y calmada de la Motown, para seguidamente atacar "Diamond Studded Shoes" que es cuando la cosa se pone bailonga. En la sosegada "If I Had To Do It All Again" aparecen los influjos de Massive Attack, que aunque no es trip-hop, sus ritmos y el dramatismo evocan a los autores de "Teardrop". En cambio la balada "Be My Friend" hubiera encajado perfectamente en el anterior disco. Pero cuando nos deja helados es con la tierna y atemporal "Great Divide" que es puro sentimiento y belleza. Otra que le va a la zaga es la melódica "Whatever You Want", de estribillo pegadizo dónde los haya .

Los momentos más "seventies" los traen la pasión serena de "Now You' re Here" de patrón Marvin Gaye; la enérgica "Break The Bough" y la que titula el compilado que es una maravillosa invitación a alzarse y a valerse por uno mismo (memorable cuando canta "It was easy to give in, than stand for myself. It was easier to sing, than stand for myself ").

                                        

De nuevo Yola demuestra que tiene talento más allá de los coros y de la interpretación, pues en pleno año 2021 nos trae lo mejor de los sonidos añejos, hace que suenen actuales y demuestra que nunca morirán .

Por Àlex Guimerà.

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2021/09/yola-stand-for-myself.html

DISCOS EN DIRECTO DEL ROCK IMPRESCINDIBLES (IX):

RORY GALLAGHER -Irish Tour ' 74 (1974):

El segundo directo que publicó el guitarrista irlandés es un fiel retrato del poderío de sus actuaciones lo que plasmó de  la gira por su país a principios de año tras editar el excelente "Tatto" (1973). Contando cuatro temas del nuevo disco, el álbum lo completan cuatro versiones blues y "Walk on Hot Coals" de "Blueprint" (1973). En la versión en cd se añadieron dos temas más. Le acompañan su inseparable Gerry McAvoy (bajista) y sus habituales en los setenta Lou Martin (teclista) y Rod de'Ath (baterista) creando ese sonido blues-rock (con espacios para el folk) tremendo en el que su técnica a la guitarra eléctrica se luce como nunca . Gran sonido para un artista que no se había olvidado de su tierra en una época muy asechada por el Ulster y la violencia.

OTIS REDDING- In Person at the Whisky a Go Go (1968):

Aprovechando el tirón de su reciente muerte, la discografía publicó en octubre de 1968 esta joya grabada dos años antes en la sala Whiskey A-Go-Go de L.A. en una época en que Otis estaba ampliando su público hacia el mercado de los jóvenes blancos y justo antes de su participación estelar en el Festival de Monterrey. Con su banda de directos habitual de la época (distinta de la banda Stax) el genio del Soul se deja el alma y la voz con sus éxitos como "Pain In My Heart", "These Arms Of Mine" o "Respect" junto a otras piezas prestadas  como "Satisfaction" (Stones) o  "Papa Got A New Brand New Bag" (James Brown) para demostrar quién era el jefe del Soul.

DAVID BOWIE- A Reality Tour (2004):

Si bien Bowie un montón de discos en directo desde su primer "David Live" (1974), pasando por  el notable "Stage" (1978) o el especial "Ziggy Stardust-A Motion Picture" (1983) sobre el directo de la gira con los Spiders From Mars en plena época glam del artista; es este "A Reality Tour" el que más nos gusta ya que presenta un maduro y experimentado David Bowie en el momento álgido tras la publicación del excelente "Reality"(2003) antes de caer en una década donde prácticamente desapareció de la vida pública y de las giras. Como si fuera un álbum de despedida de los escenarios - posteriormente haría alguna aparición puntual  pero no gira - , el directo fue grabado en Dublin el 19 de octubre de 2004 y presenta 33 canciones entre los que hay las de su nuevo álbum y un repaso a su extenso repertorio con joyas como  "Ziggy Stardust", "Heroes", "Rebel Rebel", "Ashes To Ashes", "Life On Mars?" o "Changes". Casi nada. 

PINK FLOYD- Pulse (1995):

Pioneros en los efectos y en el sonido, Pink Floyd siempre trabajó sus conciertos ya desde su etapa londinense con el gran Syd Barrett en el que proyectaban en una pantalla tras el escenario imágenes coloridas y psicodélicas. Para la recta final de su carrera, y ya con Roger Waters fuera de la banda, David Gilmour, Nick Manson y Richard Wright quisieron plasmar en un elepé "The Division Bell Tour” en el que presentaban aquel álbum y recordaban los éxitos de su carrera, con especial atención su obra insigne "The Dark Side Of The Moon". Con unos efectos de luces, lasers e imágenes de última tecnología la gira recorrió hasta 112 ciudades de América y EEUU, entre los que se fueron registrando el disco que se editó en un avanzado cedé acompañado de un extenso libreto. Dentro se escuchan piezas como "Shine On Your Crazy Diamond", "Another Brick In The Wall" o "Time", "Breathe" o "Money" del disco del lado oscuro de la luna. El directo vino acompañado por un VHS con espectaculares imágenes de las canciones, que fue remasterizado y mejorado en un DVD doble. Una joya para vista y oídos a pesar de no contar con el legendario Waters.

DISCOS ESSENCIALS PER ENTENDRE EL ROCK CATALÀ (II):

El moviment del Rock Català va suposar una època daurada de la llengüa cantada en català i un punt de partida per normalitzar l' art en el nostre idioma. La complexitat del moviment queda molt ben reflectit en el llibre "Tocats de l'ala: Història oral del rock català" d' Oriol Rodríguez. Però el millor per entendre' l és escoltant els discos i artistes més representatius de l' època, pel que us presentem una nova entrega, on apareixen formacions que si bé no van liderar el moviment mereixen ser reivindicades.

UMPAH-PAH- Bamboo Avenue (1992) :

La vessant reggae del rock català va vindre de la mà d' aquesta formació de Girona liderada per un genial Adrià Puntí. Saltant a la fama amb els himnes "La Catximba" i "Bevent passat" inclosos en el seu debut "Raons de pes" de 1991, van clavar-ho amb aquest disc que tot i titular-se com el carrer principal de Kingston (Jamaica) duia molt de pop-rock amb unes lletres de Puntí que lluien com mai amb artefactes com "Migranyes", "Carta a Donisti" o "Sants inocents".  La formació va dissoldre' s al 1996, i Puntí va publicar un exitós "Pepalallarga"(1997) produït per Quimi Portet i on destacava  el que seria un clàssic per la posteritat "Ull per ull".  Fins la data el cantant ha seguit lluitant contra els seus problemes mentals amb aparicions públiques i treballs artístics intermitents, del que és el maleit del rock català i líder de la banda de culte del gènere.

JA T' HO DIRÉ- Moviments salvatges (1995):

Sorgits a Menorca, "Ja t' ho diré" van ser la gran aportació al rock català dels 90 de Ses Illes. Van desembarcar a Barcelona a 1991, però l' èxit no els va arribar fins al seu tercer disc "Moviments Salvatges" de portada artística i sexual. Liderats per un enèrgic Cris Joanico, fabulós vocalista i intel·ligent lletrista, el seu pop-rock va enganxar als joves del moment amb peces com “Res no es mou”, “Així i Tot” o la balada “Si véns”. Es van acomiadar dels escenaris a 2003 amb un recopilatori, però al 2013 van tornar a fer un seguit de concerts de retrobament. Entre mig en Joanico ha llaurat una llarga i consolidada carrera com a cantautor pop i va crear el primer súper-grup del rock català "Menaix a Trua" amb Toni Xuclà i Juanjo de Gossos. Ciutadella Forever. 

WHISKY' NS- Lila (1997):

Provinents de Reus i liderats pel carismàtic Joan Masdéu, van començar com a "Whysky' ns Cullons" per canviar de discogràfica i retallar el seu nom a Whisky' ns, per treure aquest disc formidable de 1997 produït pel mestre Marc Grau i on les composicions sonen a pop britànic - tant de moda en l' època - , en el que és l' identitat de la formació a diferència dels seus coetanis que miraven més cap el rock dels EEUU. Amb peçes pop espontanies i de melodia rodona  com "Guia' m", "Cor de pedra" o la que titula el disc, "Lila" és la confirmació d' aquesta formació que va publicar grans discos y cançons abans de separar-se al 2009. 

GOSSOS- Metamorfosi (1997):

Van debutar en 1994 amb el seu homònim disc i on destacaven per la seva proposta de guitarres acústiques i veus. I és que els manresans aplegaven una formació folk de quatre guitarristes amb veus folk sense percussió. Amb uns anys on no van passar de segona fila, és amb el disc Metamorfosi on fan el salt a primera fila i on els seus membres (Juanjo, Natxo, Oriol i Roger) es mostraven nus a la portada fent una mandala. El disc incloïa temes com "No tinguis por", la que titula el disc o la versió de "Helpessly Hoping" de CSN "Esperant en Va". Metamorfosi va vendre més de 40.000 còpies, assolint el disc d’or, i van registrar "Directament", un disc en directe gravat un any després al Teatre Conservatori de Manresa amb les aparicions destacables de Pemi Fortuny, Cris Joanico i Gerard Quintana. Els èxits van seguir a les següents dècades, tenint una llarga carrera en la que es van electrificar i afegir bateria i que al 2018 van anunciar aturar i a dia d' avui encara no la han reanudat.

GLAUCS- Glaucs (1996):

Un dels seus caps, Jofre Bardagí, era fill del cantautor de la Nova Cançó en Josep Mª Bardagí Freixas. I els gens es notaven doncs en Jofre juntament amb el guitarrista Lluis Alsina van composar les 11 cançons del debut dels de Begur que incloïa l' èxit "Els teus ulls Glaucs", un pop melòdic en ocasions adornat per violins i una dolça veu que val la pena repassar 25 anys després.  Després d' aquest disc en van publicar fins a tres més i diversos recopilatoris fins que al 2002 van decidir separar-se, tenint en Jofre una interessant carrera com a compositor, productor i col·laborador musical.

JOSÉ LUÍS PERALES- 6 de agosto de 2021:

 “El autor que no soñaba con ser cantante”

 

El festival del Cap Roig es uno de los eventos estivales consolidados que ha ido creciendo año tras año con presencias internacionales de primera fila como son Sting, Elton John o Bryan Adams y con una edición de 2021 que no solo ha aguantado el huracán de la pandemia sino que ha dado muestras de una buena salud. Con una meticulosa organización y su crecido espacio village dentro del Jardí Botànic del Cap Roig (Palafrugell) dota de una magia inigualable  a un festival en el que las preciosas vistas de la Costa Brava contribuyen de forma esencial.

 

Para el cartel de la vigente edición si bien la presencia de artistas internacionales ha desaparecido por culpa de las restricciones del covid,  sí que se han incluido primeras espadas del pop español como son Raphael, Antonio Orozco, Hombres G, Taburete o David Bisbal junto con grandes nombres del pop catalán como Manel, Els Amics de les Arts o Blaumut.

 

Con todo el día 6 de agosto la cita se nos antojaba muy interesante al actuar uno de los autores de canciones más importantes del pop español de finales del siglo pasado pero también intérprete de inigualable carisma y personalidad. Hablamos de José Luís Perales en la que según había anunciado era su gira de despedida de los escenarios.

 

A la hora prevista y ante más de mil quinientos espectadores con sus mascarillas tapando sus sonrisas sentados entre localidades separadas por grupos, aparecían seis músicos al escenario antes de que hiciera tímida presencia nuestro protagonista de 76 años ante la ovación de todos los allí presentes.

                             

Y el concierto no pudo decepcionar a nadie, pues a lo largo de hora y cuarenta y cinco minutos, el cantautor de Cuenca hizo gala de su potente y saludable voz, de su sencillez y humildad, de un amplísimo repertorio sin parangón y de una sensacional banda musical de apoyo. Todo ello para el mejor lucimiento de un directo muy bien acompañado por los efectos de iluminación y las preciosas fotos de las pantallas de fondo de escena.

Con un segundo tema pegando fuerte como “Me llamas” y su irresistible estribillo, el bardo nos conquistó antes de contarnos cómo se retira en el campo de su Castejón buscando las musas para componer, un campo cuyas imágenes estuvieron presentes a lo largo del concierto en fotografías de un amigo suyo de Cuenca. Unas musas que le llegaron cuando compuso su primera canción “Celos de mi guitarra”,  que interpretó electrificada y a la que echamos en falta el punteo de la guitarra acústica. Otras de las que fue desgranando fueron “cosas de Doña Asunción”,  el bolero “quisiera decir tu nombre” o la meliflua pero no por ello menor “El amor”.

 

Para la parte central del directo, el bueno de José Luís se dedicó a recordar algunas de las canciones más famosas que ha escrito para otros célebres artistas. Según él, su sueño cuando comenzaba era componer para canciones para los mejores cantantes, lo que si logró, pero a la vez que se convertía en uno de ellos.       

                        

Así,  interpretó “Le llamaban loca” que hizo para “el mejor grupo español de voces” Mocedades, “¿Por qué te vas” popularizada por Jeanette y por la película de Carlos Saura “Cría Cuervos” (1974) y quizás la más exitosa que haya hecho nunca, “Frente al espejo” que hizo para su amigo Raphael pensando que éste no se atrevería a cantar, “¿Qué no daría yo?” que dio forma Rocío Jurado y en la que plasmó el andalucismo de sus siete años estudiando y viviendo en Sevilla, algo que también sucede en    “ Pensando en ti” que compuso para Isabel Pantoja y que interpretó sólo a la guitarra acústica.

Mención aparte merece la gran tarea musical que hay detrás de la gira, adaptando unas piezas que se presentaban de forma dinámica a través de seis musicazos cargados de talento - saxofonista (también a la flauta y al acordeón), bajista (cotrabajo punteado y rascado), dos virtuosos guitarristas, baterista, teclista y enérgico percusionista -.

Ya en la recta final del recital, de nuevo sus propios éxitos, si es que ese término se puede considerar como correcto. Gemas como la melodía pegadiza de “Si...”, la agridulce (de dulce melodía y agria letra) “Ella y Él”, la bucólica “Canción de Otoño”, el vals  de “Y tu te vas” con toda la audiencia ondeando los brazos al son del compás y “Gente Maravillosa”, compuesta en tiempos previos a internet y tras quedar fascinado con los anuncios personales de los periódicos (que se pudieron leer en las pantallas). Pero sobre todo, la esperada “Que canten los niños” sin los coros infantiles y presentada como su “canción favorita” y la que más satisfacción le da cuando se la agradecen llamándole “tío José Luís”.

 

Y antes de finalizar definitivamente el directo, una vuelta con tres bises imbatibles en cascada “Un velero llamado libertad”, “¿Y cómo es él?” y “Te quiero”, que pusieron una inmejorable rúbrica a esta bonita velada de verano que pudimos gozar al son de unas canciones hechas desde el corazón.

 

Por Àlex Guimerà