DISCOS DE 2015: CHRIS ISAAK- FIRST COMES THE NIGHT:

No parece que pase el tiempo para Chris Isaak, son varios los motivos que lo atestiguan. En primer lugar su particular biología (o cirugía según se mire) se resiste a envejecer a pesar de que el año que viene va a alcanzar los sesenta. En segundo lugar porque se toma su tiempecito en escribir nuevo material, pues desde el lejano "Mr. Lucky" del 2009 no teníamos nuevas canciones del bardo de Stockton - salvo un tema de su disco de versiones de 2011 "Beyond The Sun" - . Y en tercer lugar porque su estilo y talento sigue ciertamente inmutable por el transcurso de los años.

Este "First Comes The Night" es muestra de ello, con su particular pop-rock de toda la vida, con cantos a los sentimientos, melodías impecables, instrumentación clásica y esa voz que no tiene precio. Si bien que nadie espere un nuevo " Forever Blue" ni tan siquiera la sorpresa del popero "Mr Lucky", aunque sí que encontrará grandes pinceladas al rock de la Sun Records.

Para empezar, la que encabeza el álbum, es un medio tiempo sentido con sus slide guitars y una vuelta heroica que nada encima de un pegadizo piano. Luego la perezosa "Perfect Lover" nos trae sonido californiano con trompetas tex-mex y algo de ampulosidad a la que siguen temas como "Please Don' t Call", "Dry Your Eyes" o "Insects", en laos que aparece la versión más rockera y salvaje del músico al margen de la candidez de los aullidos de la primera. 

                               
"Baby What You Want Me To Do" con sus aires Tom Waits encajaría perfectamente en un drama musical. Mientras que la rockabilly "Down In Flames" y la latina "Don' t Break My Heart" miran hacia el Elvis de los sesenta (el de las bandas sonoras). En cambio el piano de "Running Down The Road" nos trae a la mente al mismísimo Jerry Lee Lewis, su rock' n roll fresco se agradece ya que evita repetir fórmula en exceso.

El broche final "The Way Things Really Are" es una preciosa balada country llena de ricos pianos, slides y mucha languidez. Ojo a la versión Deluxe de "First Comes The Night" con sorpresas como "Some Days Are Harder Than The Rest" en el que el espíritu de Roy Orbison florece entre percusiones Phil Spector y guitarras western, el rockanroleo de "Keep Hangin On" o "Love The Way You Kiss Me" con unos sucedáneos de los Jordonaires pululando por allí.
                                   
Un disco que muy posiblemente no aparecerá entre lo mejor del año, ni entre lo mejor del artista en cuestión, pero no por ello es un trabajo para nada desechable, pues tiene muchas de las virtudes conocidas "marca Chris Isaak" lo que ya hace años viene a ser cierta garantía, a pesar de lo poco que se prodiga y a pesar de que sus mejores momentos muy posiblemente ya hayan quedado atrás en el tiempo.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2015/12/chris-isaak-first-comes-night.html

ROCK CHRISTMAS ALBUMS: un repaso a grandes discos de villancicos hechos por músicos de rock:

Tiempo atrás, llegadas las navidades las tiendas de discos estaban llenas de discos temáticos de villancicos hechos por grandes nombres. La idea era generar ventas extras para los artistas a través de sus reinterpretaciones de las canciones clásicas y tradicionales. En el mundo de la canción ligera es dónde mayor impacto tuvo dicho fenómeno con gran proliferación de Cronners (Frank Sinatra,  Tonny Benett, dean Martin,...) , Divas (Judy Garland, Doris Day,...) o nombres del Jazz (Ella Fitzerald, Louis Amstrong,...). El mundo del rock, ilustres como Elvis Presley no quisieron ser menos y mostraron que aquello también funcionaba para los nuevos sonidos. A partir de la década de los sesenta, y con la publicación de "A CHRISTMAS GIFT FOR YOU" de la factoría de Phil Spector, el mundo del rock no quiso ser menos y también tuvo grandes ventas capitaneadas por la música negra, lo cual era lógico atendiendo a la herencia que el soul o el rythm' n blues tenía del góspel  y de la música religiosa en general.

                            

Caso curioso es el de los Beatles, que en el periodo de su actividad regalaron a su mimado club de fans un villancico para cada una de las navidades, temas recopilados a nivel pirata en  el disco "THE CHRISTMAS COLLECTION (1963-1969)" de casi imposible localización. Esperemos que algún día se edite oficialmente para mejorar nuestras navidades.

                                

En las décadas posteriores el disco de navidad quedó reservado a los solistas de canción melódica o pop comercial mientras que los más ilustres rockeros se reservaron únicamente a hacer canciones sueltas y no álbumes (Ramones, Kinks, Tom Petty,...) . Ejemplo de ello lo encontramos a partir de finales de los 80 cuando se publicaron varias ediciones del álbum "A VERY SPECIAL CHRISTMAS", cuyos beneficios se destinaban a fines benéficos (la financiación de los Special Olimpics) y que contó con enormes colaboraciones como Bruce Springsteen, Eurythmics, Pretenders, Sting, Bryan Adams, Bon Jovi, U2, Smashing Pumpkins, No Doubt, Sherryl Crow, Patti Smith,...

                                     

No obstante, siempre ha habido gente del mundo del rock que ha tenido interés por este tipo de discos conceptual y ha querido hacer el suyo, con mas o menos recepción en las ventas. Unos de los últimos casos los encontramos en Bob Dylan y Aretha Franklyn quienes nunca se habían adentrado en la canción navideña y recientemente nos regalaron respectivamente "CHRISTMAS IN THE HEART" (2009) y "THIS CHRISTMAS" (2008).

Por ello, y reivindicando este tipo de disco hemos querido hacer una pequeña selección de 25 títulos interesantes de distintas épocas para rescatar en estas fechas tan señaladas, discos hechos por grandes nombres de la música popular con un sentido para interpretar villancicos que ojalá las nuevas generaciones de músicos pudieran emular.

               

ELVIS PRESLEY- ELVIS ' CHRISTMAS ALBUM (1957)

PHIL SPECTOR- A CHRISTMAS GIFT FOR YOU (1963)

BRENDA LEE- MERRY CHRISTMAS FROM BRENDA LEE (1964)

THE BEACH BOYS- THE BEACH BOYS ' S CHRISTMAS ALBUM (1964)

THE VENTURES- THE VENTURES ' CHRISTMAS ALBUM (1965)

BOBBY HELMS- JINGLE BELL ROCK (1967)

GLEN CAMPBELL- THAT CHRISTMAS FEELING (1967)

VVAA- A SOUL CHRISTMAS (ATLANTIC) (1968)

JAMES BROWN- A SOULFUL CHRISTMAS (1968)

THE JACKSON 5- THE JACKSON 5 CHRISTMAS ALBUM (1970)

ELVIS PRESLEY- ELVIS SINGS THE WONDERFUL WORLD OF CHRISTMAS (1971)

VVAA- A MOTOWN CHRISTMAS (1973)

JOHN DENVER- ROCKY MOUNTAIN CHRISTMAS (1975)

THE CARPENTERS- CHRISTMAS PORTRAIT (1978)

KENNY ROGERS- CHRISTMAS (1981)

KENNY ROGERS & DOLLY PARTON- ONCE UPON A CHRISTMAS (1984)

GARTH BROOKS- BEYOND THE SEASON (1992)

CHICAGO- THE CHRISTMAS ALBUM (1998)

JOHNNY CASH- CHRISTMAS WITH JOHNNY CASH (2003)

SMASH MOUTH- THE GIFT OF ROCK (2005)

ENYA- AND WINTER CAME... (2008)

WEEZER - CHRISTMAS WITH WEEZER (2008)

ARETHA FRANKLIN- THIS CHRISTMAS (2008)

BOB DYLAN- CHRISTMAS IN THE HEART (2009)

SHE & HIM- A VERY SHE & HIM CHRISTMAS (2011)

ROD STEWART- MERRY CHISTRMASS, BABY (2012)

MENCIONES ESPECIALES:

THE BEATLES- THE CHRISTMAS COLLECTION (1963-1969)

VVAA- A VERY SPECIAL CHRISTMAS 3 (1997): Smashing Pumpkins, No Doubt, Sherryl Crow, Patti Smith,...

VVAA- A VERY SPECIAL CHRISTMAS (1987): Bruce Springsteen, Eurythmics, Pretenders, Sting, Bryan Adams, Bon Jovi, U2,....

VILLANCICOS ROCK DE ARTISTAS SIN DISCO NAVIDEÑO:

Run Rudolph Run (1958) - Chuck Berry

Jingle Bell Rock (1961) - Chubby Checker & Bobby Rydell

Baby It's Cold Outside (1962) - Ray Charles & Betty Carter

Santa Claus Is Coming To Town (1962) - Four Seasons

Pretty Paper (1963) - Roy Orbison

Go Tell It On The Mountain (1964)- Simon & Garfunkel

Don't Believe In Christmas (1965) - Sonics

Happy Xmas (War Is Over) (1971) - John & Yoko

Step Into Christmas (1973) - Elton John

Merry Xmas Everybody (1973) - Slade

I Believe in Father Christmas (1975) - Greg Lake
Father Christmas (1977) - Kinks

White Christmas (1977)- Jerry Lee Lewis

Please Come Home For Christmas (1978) - Eagles

Wonderful Christmastime (1979) - Paul McCartney

Santa Claus Is Coming To Town (1981) - Bruce Springsteen

Little Drummer Boy/Peace On Earth (1982) - David Bowie & Bing Crosby

Thank God It's Christmas (1984)- Queen

Another Rock and Roll Christmas (1984)- Gary Glitter

Last Christmas (1984) - Wham!

Winter Wonderland (1987) - Eurythmics

Fairytale of New York (1987)- The Pogues

Merry Christmas (I Don't Want to Fight Tonight) (1989)- Ramones

Christmas All Over Again (1992)- Tom Petty & The Heartbreakers

2000 Miles (1995) - Pretenders

Christmas Is here (2010)- Buckcherry

White Christmas (2010)- Iggy Pop & The Stooges

Por Alejandro Guimerà

Publicado http://www.elgiradiscos.com/2014/12/rock-christmas-albums-un-repaso-grandes.html

GRANDES DISCOS: My Generation (1965) por THE WHO (50 Aniversario):

A día de hoy justo se cumplen 50 años del elepé debut de una de las bandas mas grandes e icónicas del rock, un cuarteto cuya grandeza de sus miembros hizo posible su grandeza como banda, de la que por desgracia sólo han sobrevivido dos (Pete Towshend y Roger Daltrey). Hablamos de los Who y del disco "My Generation" o "The Who Sings My Generation", disco que nunca se ha encumbrado lo suficiente ya que sigue viviendo a la sombra de las óperas-rock seminales "Tommy" (1969) y "Quadrophenia"(1973) así como el modernizador "Who' s Next" (1971), pero la verdad es que no por ello debemos olvidar su calidad e importancia para el nacimiento del movimiento mod que ha iluminado a generaciones y generaciones de británicos y jóvenes (y no tan jóvenes) de todo el mundo. 

Antes de publicar su larga duración de debut los The Who ya habían alcanzado un éxito con el sencillo "I Can' t Explain", un tema en el que verbalizaban las angustias juveniles y lo hacían a todo trapo con un sonido novedoso. Detrás de la canción se encontraba un joven guitarrista Pete Towshend surgido de Chiswick (West London), dotado de grandes talentos compositivos. Junto a aquel se habían unido un excéntrico e hiperactivo Keith Moon, un templado John Entwistle y el encantador pandillero Roger Daltrey. Cuatro personalidades y auténticas fuerzas cargados de ganas de demostrar al mundo su talento por el rock. Y lo lograron, vaya si lo hicieron.
Abanderados del movimiento juvenil Mod que en la inglaterra de principios de década promovía un nuevo estilo de vida en el que la moda y la música eran centro y símbolo de modernidad y de resurgimiento de la vieja inglaterra, promoviendo cierto narcisismo y hedonismo. Por ello los Who con su música llena de las nuevas influencias que venían de America, junto con su vestimenta transgresora a la vez que elegante, daban con los ídolos perfectos de las juventudes mod.

Además de la estética y la actitud el cuarteto era avanzado instrumentalmente. Al margen de sus capacidades de crear canciones, el joven Pete pasaba por ser un guitarrista anticipado a su tiempo, pues fue capaz de fusionar distintos estilos, si bien nunca destacó por grandes solos, su forma de rasgar las cuerdas como si fuera el aspa de un molino y su modo de distorsionar sonidos crearía escuela las décadas posteriores.

Otro de los ejes del combo que también rompía patrones e iba por libre, era la batería de Keith multiplicando las secuencias rítmicas hasta llenar todos los vacíos de la melodía. La enajenación a los palos aporreando sin cesar los tambores. Las cuatro cuerdas de un mas impasible John dejaban de ser mera comparsa para pasar a ser protagonista de las canciones. Mientras que Roger, en ocasiones acomplejado por no llegar a las cotas de sus socios, era el front-man perfecto: actitud arrogante, atractivo canallesco y registros vocales múltiples robados de los grandes de la música negra.

Una combinación tan extraña como efectiva que  quedó reflejada en este álbum  de debut que es un bullicio de influencias y estímulos rythm' n blues, pero también pop, canalizados a través de las doce pistas que lo forman. Desde los rasgueos iniciales de la ruda "Out In The Street" con unos ritmos agitados y mucho espíritu callejero. Parecido le sucede a "The Good' s Gone" que parte de premisas garajeras para luego adentrarse en terrenos caleidoscópicos con unas cuerdas que podrían pasar por las rickembackers de George Harrisson o Roger McGuinn. Mas saltarina es "La-la-la Lies" de trabajo vocal esforzado y batería irritante.
  

"Much To Much" mezcla el rythm' n blues inglés capitaneado en aquellos tiempos por los Stones con los sonidos futuros del garage mas las trabajadas segundas voces, un piano de fondo algo desconcertante mas una batería  incombustible.

A destacar la balada Soul robada del gran James Brown "Please Please Please" en la que Daltrey se pone la piel negra para entregar su alma acompañado de unos solos de guitarra que valen un imperio.
La otra versión de "The Godfather" es "I Don' t Mind" aunque no mira tanto a la original sino que deriva hacia terrenos poperos con un buen juego de voces y algo de espíritu Beat. Para ver enseñanzas de los Beatles sobre todo hay que escuchar "The Kids Are Alright": coros, compases, melodía e inocencia juvenil.
                                            

La instrumental "The OX" (apodo de Entwistle) nada entre la psicodelia y el futuro post-rock, con una desbordante batería, un efectivo bajo y un trombón descomunal.
La bailonga "A Legal Matter" cantada por Towshend tiene elementos del rock primario, del country y un piano formidable. El Blues lo trae "I' m a Man" de Boo Didley y rescata de aquel su poso africano, pero luego tira hacia pantanos jazz inquietantes y oscuros.

                                        
"It' s Not True" contiene todos los elementos del sonido mod con su fusión perfecta del bee-bop de los cincuenta, beat británico, rythm' n blues americano, jazz e incluso ska jamaicano.
Pero por encima de todas destaca el himno juvenil "My Generation" una abrumadora pieza garajera en la que confluían el sentido e inquietudes de los teenagers de la época. La vocalización de los "tss" "fff", los cambios de tempos, el ritmo implacable de guitarra, el bajo como protagonista por primera vez en el rock  y los redobles esquizofrénicos del enajenado Keith. ¡Estremecedora!

Un debut descomunal que alcanzó el número 5 de las ventas de su país sin llegar a cuajar en los EEUU en cuya portada fue sustituida por una foto de la banda tomada desde arriba y en la que aparece Entwistle con chaqueta de la Union Jack. Quizás por ser demasiado british o quizás por ser demasiado modernos el cuarteto no encandiló a los americanos hasta años posteriores con sus otras obras magnas "Tommy"(69), "Who' s Next"(71) y "Quadrophenia" (73), discos igualmente   mayúsculos en el que los Who superaron de forma esplendorosa su encasillamiento mod creado por culpa sobre todo de su ópera prima. Historia sacrosanta del rock. 

My Generation

People try to put us d-down (Talkin' 'bout my generation)
Just because we get around (Talkin' 'bout my generation)
Things they do look awful c-c-cold (Talkin' 'bout my generation)
I hope I die before I get old (Talkin' 'bout my generation)

This is my generation
This is my generation, baby

Why don't you all f-fade away (Talkin' 'bout my generation)
And don't try to dig what we all s-s-say (Talkin' 'bout my generation)
I'm not trying to cause a big s-s-sensation (Talkin' 'bout my generation)
I'm just talkin' 'bout my g-g-g-generation (Talkin' 'bout my generation)

This is my generation
This is my generation, baby

Why don't you all f-fade away (Talkin' 'bout my generation)
And don't try to d-dig what we all s-s-say (Talkin' 'bout my generation)
I'm not trying to cause a b-big s-s-sensation (Talkin' 'bout my generation)
I'm just talkin' 'bout my g-g-generation (Talkin' 'bout my generation)

This is my generation
This is my generation, baby

People try to put us d-down (Talkin' 'bout my generation)
Just because we g-g-get around (Talkin' 'bout my generation)
Things they do look awful c-c-cold (Talkin' 'bout my generation)
Yeah, I hope I die before I get old (Talkin' 'bout my generation)

This is my generation
This is my generation, baby

Por Alejandro Guimerà


Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2015/12/the-who-sings-my-generation-50.html

THE ZOMBIES en Sala Bikini (Barcelona) el 20 de noviembre de 2015:

La primera de las tres citas del mítico grupo The Zombies en España tuvo lugar el pasado viernes en la barcelonesa sala Bikini. Con menos audiencia de lo esperado, en la que reinaba la cana y la arruga, el quinteto apareció puntual a las nueve y media. Con los dos miembros originales, el teclista y cerebro compositor Rod Argent y el cantante Colin Blunstone, junto con el que el también veterano bajista y ex-miembro de Argent (y de los Kinks por 18 años) Jim Rodford y los mas recientes Tom Toomey (guitarra) y Steve Rdoford(batería).

                                                 

Ataviados de negro abordaron en el arranque la lejana “I Love You” para luego seguir con la versión de Solomon Burke “Can’ t Nobody Love You” justo antes de las canciones de su recién estrenado último disco “Still Got That Hunger”, que muchos nos temíamos que nos iban a colar antes de poder gozar de su artillería pesada clásica. Y decimos colar porqué lo nuevo, a pesar de ser la excusa para que salieran de gira, adolece de interés alguno ya que se trata mayoritariamente de composiciones sin flow melódico ni la fuerza de antaño. Hablamos de temas como Moving Up” blues con ecos descafeinados de los Cream, “Chasing The Past” un impostado minueto con un solo ochentero testimonial, la jazzistica “Edge Of A Rainbow” con su intro piano o “New York” de letra infumable. También “Maybe Tomorrow” con su ritmo de piano “Lady Madonna” y de la que contaron que tuvieron que pedir permiso al mismísimo Paul McCartney por el uso de la frase “I Believe In Yesterday”. Evidentemente Macca no puso objeción a sus compañeros de promoción.

                                              
A pesar de ello, el feeling y la dignidad en escena de la banda fue notable, con un Rod Argent que demostró el porqué es uno de los mejores organistas de la historia del rock’ n roll, con solos imposibles en múltiples texturas (piano clásico, órgano hammond, órgano contemporáneo,…) , y que aún se defiende en las segundas voces fallando quizás en aquellos momentos en que su garganta tomaba el protagonismo. Muy en forma y juvenil en la voz se mostró el legendario Colin Blunstone, llegando a registros complejos aunque, eso si, abusando algo de un estilo de opereta. Y magnífico al bajo Jim Rodford, se nota que ha trabajado con los grandes y que es un músico con pedigrí.

Y entre medio de las canciones las narraciones de los protagonistas sobre sus recuerdos de los años 60, las historias de las canciones, la pertinente promo del álbum de presentación y del merchandising o el relato de cómo Chris White propuso grabar un último álbum antes de su disolución en 1968 que se acabó llamando “odessey & oracle”. Un álbum cuya importancia e influencia resulta incalculable, esa oda preciosista de arreglos y voces que nadie debería dejarse perder, el “pet sounds inglés”, y la obra magna de la formación, quienes nos rescataron la balada barroca “A Rose For Emily” (tocado al teclado y a unas voces que no acabaron de funcionar de los tres veteranos) o el pop pluscuamperfecto de “Care Of Cell 44″, pero también “I Want Her She Wants Me”.

                                

Tampoco faltaron el meddley soul (Smokey Robinson-Sam Cooke) de “You Really Got A Hold On Me/ Bring It On Home To Me”, o uno de sus primeros éxitos “Tell Her No” con sus “no no no” coreados, y para la recta final la imprescindible “She’ s Not There” y la que quizás es su mayor éxito, la celebradísima “Time Of The Season” que emocionó hasta el último fan reunido allí. Para la clausura, una alargada “Hold You Her Up” de Argent en solitario, en la que Colin abandonó las tablas mientras Rod daba una lección magistral de órgano con unos solos infinitos en los que se atrevió a intercalar pequeñas pinceladas del canon de Pachelbel o del Himno dela Alegría, dejando claro que su formación abarca también la Clásica. Después de las presentaciones y de los solos de rigor su standard robado de George Gershwin “Summertime” antes de despedirse afable y humildemente de nosotros.

Aplausos a unas leyendas vivas del rock que vivieron a la sombra de otras (Beatles, Stones, Kinks o Animals) pero cuyo legado es igualmente impagable y a quienes no pudimos hacer otra cosa que rendirnos a sus pies. Aunque hagan discos menores si son la excusa para que nos vengan a ver, bienvenidos sean.

Por Alejandro Guimerà



Publicado en http://notedetengas.es/cronica-del-concierto-the-zombies-la-sala-bikini-barcelona/

DISCOS DE 2015: THE STRYPES- LITTLE VICTORIES:

Aunque solo han pasado dos años desde el fenomenal “Snapshop” (2013), parece una eternidad ya que muchos esperábamos ansiadamente la continuación de estos chicos irlandeses – sin contar el EP “4 Track Mind” de 2014-. Entremedio los chicos han alcanzado la mayoría de edad, han girado con unos padrinos de lujo como los Arctic Monkeys y se han quitado cierta presión de encima por aquello de lo de niños prodigio.

                              

 Con ello finalmente el pasado mes de julio hemos podido con nuestra copia de este “Little Victories” en el que esperábamos más pólvora rythm' n blues clásico británico. Aunque la verdad es que los jovenzuelos han tirado por lo sano y los doce nuevos cortes siguen los pasos de la banda de Alex Turner y del amigo de este Miles Kane. Es decir, sin perder ciertas estructuras sonoras del rythm & blues primario (la armónica de Ross Farelly, las bases rítmicas, …) el nuevo álbum es puro rock británico clásico.

El influjo de Wilko Johnson y los Dr. Feelgood aún se percibe en temas como “Get Into It”. En “I Need To Be Your Only” los desarrollos guitarreros van mas allá del rythm & blues primario y buscan las texturas de Led Zeppelín o Black Sabath. En “A Good Night ‘s Sep And A Cab Fare Home” nos sorprenden por meterse en terrenos popies por primera vez, y en “(I Wanna Be Your) Everyday” se atreven con las baladas con el brit pop de los noventa en la cabeza.

“Queen Of A Half Crown” podría haberla escrito perfectamente Miles Kane. En cambio en “Eighthy-For” las referencias a los Arctic Monkeys menos evolucionados resultan más que evidentes, mientras que en “Cruel Brunette” pensamos en el indie-punk de los Libertines.

En “Best Man” vuelve su sonido mas salvaje de su debut, y en “Three Streets & A Village Green” aparecen unas guitarras casi speed metal  y “Scumbag City” las guitarras mas inspiradas de su corta carrera.

                                      

Retales de un disco en el que aún no acabamos de ver un estilo personal propio pero si muchos aciertos y algo que suele ser escaso en el mundo del rock’ n roll, ganas y actitud. Esperemos que sigan fogueándose, que se aparten de los miembros de “Last Shadow Puppets” y sigan buscando y aprendiendo de otros lugares. Tienen mucho tiempo para seguir creciendo. Quizás algún día nos acaben dejando con la boca abierta.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/

Neil Young cumple 70 años!!!!!!!

El mítico músico canadiense Neil Young cumple hoy 70 años. Una edad en la que cualquiera está retirado en su casa descansando y recordando su pasado, pero él sigue publicando uno o dos discos por año, saliendo de gira y luchando por un mundo mas ecológico-sostenible y socialmente justo.

El bueno de Neil Percival Kenneth Robert Ragland Young nacido el 12 de noviembre de 1945 en Winnipeg (Manitoba, estado del Canadá situado al sur-este), lanzó su carrera a mediados de los sesenta con los Buffalo Springfield con los que logró varios éxitos con sus tres álbumes "Buffalo Springfield" (66), "Buffalo Springfield Again" (67) y "Last Time Around" (68) ofreciendo un sonido que mezclaba el rock de guitarras con el country, el folk y la psicodelia, y con los que obtuvo su primer número uno con la genial canción " For What Is Worth". Luego decidiría saltar al ruedo en solitario con los notables "Neil Young" (68), "Everybody This Is Nowhere" (69) y "After The Gold Rush" (70). En aquellos discos le acompañaron unos músicos de lujo a los que llamó "Crazy Horse".
                                           
Entremedio su compañero de los Buffalo Springfield Stephen Stills (la otra cabeza pensante de la banda), le propuso a la súperbanda que aquel ya tenía junto a Graham Nash de los Hollies y junto a Bill Crosby de los impagables Byrds. Así nacieron los seminales Crosby Stills Nash & Young con quienes grabó un disco imprescindible como es "Deja Vú" (70) en el que destacan "Helpless" (escrita por el propio Young), "Teach Your Children Well" o "Our House". Un dísco icónico que cerraba la década del flower power con las guitarras y voces de los cuatro genios armonizadas. Con ellos grabaría otros discos puntualmente los años venideros pero nunca con semejante impacto y calidad.
                              
Es la década de los setenta precisamente la de mayor creatividad de Neil Young, logrando altas cotas musicales y regalándonos discos memorables. Es Young uno de los hombres de la década, como Bowie, Reed o Iggy Pop, nuestro protagonista profundizó en los océanos del rock, en su caso de la mano del lenguaje de la guitarra y de su poesía cada vez mas profunda.

Destaca su obra magna y quizás su mejor disco "Zuma" (1975) que con canciones como "Cortez The Killer" (y sus largos solos) lloró por los abusos de las conquistas de América de un modo bello y poético. Otro de sus momentos lo trajo el disco acústico "Harvest" (1972) que fusionó el country-folk en un tono muy melancólico y del que surgió un éxito arrollador como fue " Heart Of Gold", un tema sin límites.

                           

Aunque la década de los setenta le trajo adicción a las drogas (heroína básicamente) y la muerte por aquellas de algunos de sus mejores amigos y compañeros de profesión (la que mas le afectó fue la de su guitarra Danny Whitten). Del dolor nació su trilogía oscura con "Times Fade Away", "On The Beach" y "Tonight Is The Night" (73-76) .

A finales de década nos volvió a dejar atónitos con "Like a Hurricane" un tema inmortal contenido en otro notable disco como es "American Stars & Bars" (1977).

De su aparición en la película de Martin Scorcesse "The Lat Waltz" (1976) en la que aparece tocando en el concierto final de The Band junto a otros ilustres como Bob Dylan, Joni Mitchel, Eric Clapton o Ringo Starr destaca su nariz llena de cocaína que provocó la censura en su edición final a la gran pantalla.

Los ochenta son quizás su época mas floja a nivel artístico, en los que buscó la experimentación y quedó algo desfasado en una década que iba en otra dirección buscando desaforadamente la modernidad. Fue en esa época en la que empezó a utilizar samplers o cajas de ritmos que en nada encajaban en su propuesta basada en el rock americano de raíces y en la autenticidad.

Afortunadamente los noventa llegaron y el reconocimiento de la generación grunge lo volvió a encauzar y a elevar al estatus merecido con discos como Freedom (1989) con el archifamoso "People Rockin' In The Free World" o "Ragged Glory" admirados por tipos como Kurt Cobain o Eddie Vedder. De esa época es su Oscar a la mejor canción original por "Philadelphia" (1993) en la que cantaba al dolor de la degradación y la pérdida causada por la enfermedad del SIDA.

                                
Consolidado de nuevo, su carrera musical ha proseguido con la obtención de muchos mas premios (Grammys, la publicación de discos casi anualmente (en ocasiones mas de uno), con giras y directos estratosféricos - que nadie se pierda "Year Of The Horse" el documental-concierto de Jim Jarmusch de 1996 - , proyectos, libros,.... En el plano personal su vida siempre ha ido acompañada del activismo social y político (en su defensa de las políticas de izquierdas, de los derechos de los nativos americanos, del ecologismo,...) así como un largo matrimonio con la también cantante Pegi Young con quien ha tenido dos hijos uno de los cuales (Ben) con parálisis cerebral, hecho que le ha llevado a grandes campañas y obras para ayudar a los afectados por la discapacidad.

Sin duda alguna es Neil Young uno de los pesos pesados de la historia del rock, un tipo irrepetible que siempre ha seguido sus instintos, un guitarrista pluscuamperfecto, una fuerza de la naturaleza llena de pasión desaforada que ha sabido canalizar con su música, capaz de emocionarnos con un solo o con una preciosa estrofa, un héroe legendario y valiente que nunca ha cedido al stablishment y ha sido fiel a sus ideales.

                                      

¡Feliz 70 aniversario Neil!

GRANDES DISCOS: On fire (1989) por GALAXIE 500:

La historia de este disco arranca en Nueva Zelanda justo antes del debut de los Beatles y de la "invasión británica" que puso patas arriba los cimientos del rock en los EEUU. Fue en 1963 cuando nació Dean Wareham, y en 1987 cuando se mudó con su familia a una Nueva York que se encontraba en plena movida punk y new wave. En su etapa universitaria en Harvard - por entonces todos querían ser R.E.M. -  conoce a Damon Krukowski (batería) y a su novia Naomi Yang con quien deciden formar una banda, motivados tras haber encontrado en una tienda un single de la ex-banda de un profesor. Al principio Naomi solo iba asesorarles y ayudarles a nivel estético, pero tras el desplante de un bajista que se encontraba a prueba le adjudicaron a ella dicho rol.  Para el nombre adoptaron el de un modelo Ford de los sesenta,  "Galaxie 500".

Apadrinados por Moe Tucker, batería de sus referenciados Velvet Underground, editan unos primeros singles en la discográfica independiente "Aurora". De allí su fichaje por "Rough Trade" y la publicación de tres discos, cuyo punto culminante lo encontramos en el seminal "On Fire" (1989) que reunía todas sus mejores virtudes.

De la mano de voz susurrante e hipnótica  de Wareham   - en ocasiones criticada por falta de potencia- , las guitarras robadas de la tradición del rock sucio neoyorkino se atenúan a la vez que aparecían poliédricas y psicodélicas, a ello se añadía una delicada sección rítmica creando un pop envolvente capaz de llegar al espinazo.

                                     

Es lo que sucede con la crepuscular "Blue Thunder"  o en el trance emocional que supone "Tell Me", dos piezas que parecen conectadas para el arranque de la cara A. Luego aparecen más que nunca las guitarras hipnóticas y enrevesadas en "Snowstorm", y una parte vocal que roza el lamento en "Strange", mientras los guitarrazos dejan constancia de que se trata de composiciones que podrían tocarse a todo trapo. "Leave The Planet" entrevé el poso de Joy Division, aunque aquí la angustia se canaliza de modo distinto. En la delicada "Another Day"  Naomi pone la voz y la emoción, luego se le añadirán unos desvaríos guitarreros y la voz de Wareham. Maravilloso es también el desarrollo final de "When Will You Come Home".

En la final "Isn' t It a Pity" del "All Things Must Pass" de George Harrisson redefine la original aportándole intimismo y dramatismo, a pesar que la idea era incluir un sitar interpretado por el propio Beatle. Es la versión que nunca falta en los discos de Wareham.

                 

Aunque  "On Fire" es considerado un hito, en realidad los Galaxies nunca pasaron de banda alternativa y de culto, con grandes críticas eso sí, pero sin alcanzar grandes llenos ni cotas de ventas. La aventura acabó a los cuatro años de empezar durante la desastrosa gira posterior al  "This Is Our Music" (1990)  en la que teloneaban a los "Cocteau Twins" y en la que no faltaron las  peleas e incluso agresiones físicas entre los componentes de la banda ni tampoco  el abandono de Wareham en plena ruta.

El fatal desenlace puso en órbita al propio Wareham, para grabar material antes de reunirse a  Stanley Demensky (The Feelies) y Justin Harwood (The Chills) para un nuevo proyecto "Luna", con el que profundizó y quizás mejoró la herencia de su primera banda. Pero eso es ya otra historia.

TELL ME:

Tell me, one more time
You like the shoes I wear
Tell me, as you leave
You really couldn't care

I bought all the drinks
And I paid for your friends
Jesus, can't you see
I'm goin' 'round the bend?

Step into my shoes
And see things as I do
Step inside this house
You know, I'd love you to

How come you can't see
The things you left behind?
How come you can't see
I'm goin' 'round the bend?

ESPECIAL PULP: 20 años del Different Class:

Tal día como hoy de hace 20 años la banda inglesa PULP sacó al mercado el disco "Different Class", en medio de la fiebre del Brit Pop. Pero ellos ya hacía desde 1978 que se habían formado como grupo con un historial musical y reivindicativo en la Shefield de finales de los setenta y principios de los ochenta.  Aunque a decir verdad no es hasta 1983 cuando publican su disco debut "IT" como Pulp.
Desde entonces la carrera de Pulp arrojó siete buenos discos de estudio, y una popularidad a mediados de los noventa hasta su disolución de 2002 después de la edición del que es hasta la fecha su último disco "We Love Life" (2001). Casi diez años después, en 2010 volvieron a dar una serie de directos hasta finales de 2012 en el que dieron un concierto en su ciudad natal Sheffield, que quedó retratado en el fabuloso documental "Pulp: A film About Life, Death And Supermarkets".

Aprovechando la efeméride vayamos a repasar su carrera a través de sus discos de estudio y a través del mencionado documental, que ningún fan de la banda debería perderse.

1983 - IT

1987 - FREAKS

1992 - SEPARATIONS

1994 - HIS ' N HERS (#9 UK)

1995 - DIFFERENT CLASS (#1 UK)


1998 - THIS IS HARDCORE (#1 UK, #114 US)


2001 -  WE LOVE LIFE  (#6 UK)

PULP : A FILM ABOUT LIFE, DEATH AND SUPERMARKETS.

Dir.- Florian Habicht- UK 2014 (90 Min).

Maravilloso homenaje audiovisual que la banda de Jarvis Cocker regaló a sus fans y a su ciudad natal Sheffield para conmemorar el concierto que dieron en aquella ciudad justo antes de su retirada a finales de 2012. Con un precioso inicio que te deja clavado en la butaca, el resto del metraje dan voz a distintos personajes  anónimos de la ciudad que van narrando sus vidas cotidianas y su relación con la banda del “Different Class”, junto con entrevistas a sus miembros, imágenes de archivo y secuencias del concierto. Un concierto, dicho sea, grabado de una forma magistral que logra hacerte sentir como si estuvieras allí.

Con momentos destacables como el “Help The Aged” cantado por unos ancianos fabulosamente afinados o las coreografías y bailes histriónicos de Jarvis, el visionado nos muestra la cara mas humana de la banda a la vez que nos acerca sus éxitos como “Disco 2000”, “This Is Hardcore”, “Babies” o  “Felling called L.O.V.E.”.

Por el camino descubrimos el carácter excesivamente presumido de Jarvis, la artrosis crónica de Candida Doyle, el patrocinio de Pulp al equipo de fútbol de la hija de Nick Banks (batería) o a un humilde Mark Webber (guitarra) que no parece que haya tocado nunca en una banda con semejante revuelo.

Y el final con “Something Changed”, como guinda a un excelente documental que muestra la grandeza de un grupo  pop de “gente común” con un legado musical para no olvidar.

IDEAL PARA: La tercera edad, los carniceros, quiosqueros, las enfermeras de Atlanta, los fugitivos de Londres, quienes quieran aprender a cambiar una rueda de un coche, los teenagers y, en general, la gente corriente.

DISCOS DEL 2015: JASON ISBELL- SOMETHING MORE THAN FREE:

En 2012 Jason Isbell estuvo internado en un centro de desintoxicación de Nashville por sus problemas con la bebida y con las drogas. Recuperado, grabó el excelso "Southeastern" (2013)  que se coló entre los mejores discos de su año. En los doce cortes que lo componían el cantautor cantaba su vuelta de los infiernos y celebraba el premio que es la vida. Además de esa gloriosa catarsis, ese mismo año se casó con su violinista (y también compositora) Amanda Shires, quien le había ayudado a salir del pozo.

                          

Ahora, han pasado dos años y la vida del de Green Hill (Alabama) se encuentra más estable que nunca, asumiendo una madurez que este mes se traducirá en el nacimiento de su primogénita. En este contexto es como el ex Drive-ByTruckers ha compuesto y registrado el que es su quinto larga duración de estudio en solitario, producido de nuevo por Dave Cobb y en el que confirma su recuperación en un nuevo canto a la vida más sereno y maduro que su predecesor.

Narrador de paisajes familiares, clases trabajadoras y de la vida cotidiana de la gente de a pie, el nuevo material nos trae intimismo, ternura y calidez, a través de once sinceros medio tiempos folk en los que da rienda a sus aprendizajes en el góspel y el bluegrass.

Es el caso de "If It Takes A Lifetime" que suena como una versión serena y relajada de The Band, "24 Frames" en cambio trae a la mente a Steve Earle. “Children Of Children” evoca una tristeza que remata con un contundente solo. Desgarradora es también "Something More Than Free" con un piano y un slide guitar al servicio de la melancolía. "Flagship" y  “Speed Trap Town” son perezosas y desnudas baladas a la guitarra acústica.  En “Palmetto Rose", en cambio adopta un tono bluesy que podría colar en el repertorio de su anterior banda.

"Hudson Comodore" está hecha para el lucimiento del violín de su esposa  y la final "To A Band That I Loved" está dedicada a los Drive-By Truckers por aquello de "and I was 22 backwoods years old" que es la edad que tenía el bardo cuando entró con aquellos para grabar "Southern Rock Opera" (2001).

                  

Redimido por su anterior disco, "Something More Than Free" nos trae a un músico remozado y liberado que confirma un potencial que le permite codearse con grandes como Alejandro Escovedo, Lucinda Williams o Justin Townes Earle. Casi nada.

Por Alejandro Guimerà

Publicado en http://www.elgiradiscos.com/2015/09/jason-isbell-something-more-than-free.html